Hijo de un oficial del ejército, comienza a estudiar bellas artes, pero su interés por el cine le lleva en 1936 a trabajar en los estudios Toho como ayudante de dirección de Kairo Yamamoto. Debuta como realizador con Sugata Sanshiro (1943) a la que siguen otros diez largometrajes desconocidos en occidente. Autor de guiones de todas sus películas, durante los años cuarenta y cincuenta también escribe para otros realizadores. Se da a conocer internacionalmente con Roshamon (1950), una ambiciosa producción de Época que narra la historia de una violación desde cuatro puntos de vista diferentes y contradictorios. Entre sus cintas más célebres se encuentran ¿Los siete samurais¿(1954), ¿Trono de Sangre¿ ( 1957)  y ¿Dersu Uzala¿(1975) que es considerada como su obra maestra. Pese a la calidad de su cine, que a finales de los años setenta está en su más alto nivel, Kurosawa no consigue el dinero que requiere para continuar con su obra, por lo que intenta suicidarse. Esta llamada de atención consigue que sus admiradores en los Estados Unidos, entre los que se encuentran Georges Lucas y Francis Ford Coppola, consigan el financiamiento para que lleve a cabo "Kagemusha" (1980), ¿Ran¿ (1985) y ¿Los Sueños de Akira Kurosawa¿de 1991. Su última cinta es ¿Rapsodia en Agosto¿ (1991), coproducción entre varios países -que se puede alquilar en muchos videos- en la que el papel protagonico lo lleva el taquillero actor norteamericano Richard Gere. 
 
 
 
PEDRO ALMODOVAR ( 1949, Ciudad Real, La Mancha, España) 
 

 

Considerado como el director más popular de España en los años ochenta. Nacido en 1949 en Ciudad Real, en la zona de la Mancha, inició su carrera con películas realizadas en formato Super 8, todas de carácter intimista. Entre sus cintas ( siempre llenas de situaciones extremas ) se encuentran ¿Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón¿, ¿La ley del Deseo¿,¿Mujeres al bordo de un ataque de nervios¿ ( su filme más celebrado) , ¿Átame¿, ¿Tacones Lejanos¿ y ¿Kika¿. (*) 
 
 

ROBERT ALTMAN  (1925, Kansas City, Estados Unidos)  

 

Ex piloto de un bombardeo durante la Segunda Guerra Mundial, ex estudiante de matemáticas, ex realizador de documentales publicitarios y ex guionista para la productora RKO, Altman es uno de los mas grandes directores cinematográficos de la actualidad en Estados Unidos y el mundo. 
Sus primeros largometrajes, "The Delinquents" y "La historia de James Dean" (1957) los produce con el dinero que obtiene al vender algunos guiones. Sin embargo, la gran industria de Hollywood lo desdeña durante un largo periodo de tiempo, en el que funda la productora "LionÀs Gate Films", pero no tiene reconocimiento con las películas que ahí produce por lo que termina trabajando en la televisión. 
Ya en sus cuarenta años, cuando parece que su oportunidad en el cine esta por acabarse, dirige dos cintas: "Countdown" (1968) y "That cold day in the park" que logran cierto Éxito que le permite dirigir una cinta de culto, "M.A.S.H." (1970), sátira de la guerra norteamericana en Corea que lo vuelve famoso. De esta forma puede seguir dirigiendo y realiza "El volar es para los pájaros" (1970), "Los vividores" (1971), "Images" (1972), "El largo adiós" (1973), "Thieves like us"(1974), "California split" (1974) y la personal "Tres mujeres". 
Mediante el trabajo, el genial director de Kansas, perfecciona sus métodos de filiación y crea una de sus mejores cintas, que, sin duda, lo consagra "Nashville"(1975), un musical muy bueno. 
No obstante, sus mejores realizaciones están por venir, las cuales, para su suerte, son admiradas por el "gran público": "Un día de boda" (1978), "Una pareja perfecta...por computadora" (1979), "Desechos" (1983) que habla sobre la guerra de Vietnam, "El monoplatos" (1987), basada en obra teatrales escritas por Harold Pinter. 
Sus últimos trabajos, son, no obstante, los mejores, los mas excitantes y los mas personales - a excepción, quizás, de "Caprichos de la moda" (1994) que gira en torno al mundo de la moda en París - en los que se rodea de un gran número de estrellas que tiene roles pequeños como "El Ejecutivo"(1991) trhiller que cuenta los mecanismos de control sobre el guionista en Hollywood y "Vidas Cruzadas", crítico y pesismista reflexión sobre la sociedad  estadounidense. En la actualidad, Altman se encuentra filmando una nueva versión de "Atlantic City" que hiciera Louis Malle en los setentas. Afortunadamente, en la mayoría de los videoclubes locales se pueden rentar "Caprichos de la Moda" , con Sofía Loren, Marcello Mastroianni, Julia Roberts, Tim Robins y Kim Bassinger , "El Ejecutivo"en la que actúan Tim Robins, Bruce Willis, Julia Roberts, Andie McDowell- y "Vidas Cruzadas" en la cual participan Andie McDowell, Robert Downey Jr., Jennifer Jason Leigh y Tim Robins. (*) 
 
 
 
 

MICHELANGELO ANTONIONI (Ferrara 1912) 
 

 

Evidentemente, Antonioni es un cineasta de la soledad. Su universo nocturno (brumoso en el caso de "Identificación de una Mujer") , desierto y que habita en el silencio, donde las palabras inútiles, convencionales e irrisorias no retienen ningún objeto. Ese universo ha sabido reflejar un mundo que por una parte es también el nuestro. No hay nada de vulgar, ni demagógico, ni dramáticamente exagerado en su obra. Es un cine de la "sub-conversación" : lo poco que cada uno comunica no se dice...intelectual y lírico al mismo tiempo, Antonioni ocupa, de cara a este callejón sin salida, un sitio muy particular. La importancia que otorga a lo estético es muy distinta de el refinamiento de Visconti, del barroco irónico de Fellini y su sentido de la realidad toma tempranamente sus distancias con respecto a De Sica o a Lattuada. 
En 1995, tras un ataque que lo confina al silencio durante diez años, un Antonioni octogenario volvió detrás de la cámara con un filme que demuestra que, pese a los achaques, la agudeza del cineasta sigue intacta y capta aun perfectamente, la fragilidad de los individuos. "Más allá de las nubes" basada en cuatro novelas cortas escritas por el mismo Antonioni hace unos quince años. Dicha cinta es una especie de diario mental de un creador que gira en torno a cuatro historias de amores imposibles. Para la realización de este filme, Wim Wenders -el prestigiado director alemán- colabora estrechamente con el realizador italiano, al punto que en momentos no distinguimos la visión particular del "maestro". 
Entre las mejores películas de Antonioni se encuentran "Blow Up", "La Noche", "El Eclipse", "El Desierto Rojo", "Aventura" , "Profesión Reportero" (disponible en Macro Videocentro) y desde luego "Identificación de una mujer". Algunas de estas cintas son programadas, a veces, en la televisión. (**) 
 
 

JOSIANE BALASKO  ( París, 1952) Después de realizar estudios de arte dramático, entra en la compañía del "Splendid" en 1975. Muy pronto participa en la elaboración de piezas y escribe varios guiones para el cine: "Retour en Force" (Jean-Marie PoirÕ, 1980), "El año próximo si todo va bien" (Jean-Loup Hubert, 1981). Es gracias a su participación como actriz y guionista en "Los hombres las prefieren gordas" (J.M. PoirÕ, 1981) que Baslasko impone su personaje de antisex-symbol regordete, socarrón y devastador, con la réplica y la emoción siempre listas. Continúa escribiendo y actuando para el teatro, participa en las adaptaciones de sus obras al cine y, en 1985, se inicia en la dirección (sin convencer a la crítica) con "Sac de noeuds"; en 1987, filma su segunda película: "Les Keufs", donde ella interpreta a una prostituta que colabora con la policía. (**) 
 
 
 

INGMAR BERGMAN ( 1918, Upsala,  Suecia )  
 

Cineasta prolífico ya retirado, Ingmar Bergman ha dejado grandes obras al patrimonio mundial del séptimo arte. Interesado mas por el teatro que por el cine al que considera "una distracción bien remunerada", la obra de Bergman a reflexionado y a cuestionado al público con cintas que abordan temas de interés humano como la religión, la ciencia, el bien, el mal y  el miedo a la muerte como en "El Séptimo sello", "El Manantial de la Doncella", "Como en un Espejo", "El Silencio", "El huevo de la serpiente" y "Fanny y Alexander", su testamento cinematográfico. 

NOTA: Por suerte, algunas de Éstas cintas se transmiten ocasionalmente por el canal cuatro del politécnico nacional y por el canal 22 que se enlaza con el canal nueve local. también, en algunos clubes de vídeo se puede alquilar la película excelente "Las Buenas Intenciones" de Billy August, que es la biografía de los padres de Bergman, donde Éste trabaja como guionista. (*) 
 
 

FERNANDO BIRRI (1925, Santa Fe, Argentina) Es considerado el precursor del llamado " Nuevo Cine Norteamericano". Estudiante del "Centro Sperimentale di Cinematografía" de Roma, aprendió colaborando con Vittorio De Sica. Su película "Tire DiÕ" es catalogada como la primera cinta latinoamericana de orden social. El director argentino, nacido en 1925, es creador de la Escuela Documental de la Universidad del Litoral, de Santa Fe, Argentina. (*) 
 
 

LUIS BUÑUEL (1900, Calanda, España; 1983, Ciudad de México) Nacido en el seno de una familia de terratenientes, Luis Buñuel es enviado a estudiar el bachillerato con los jesuitas a la ciudad de Zaragoza, para más tarde trasladarse a Madrid donde intenta estudiar ingeniería de caminos, los cuales no puede terminar, como tampoco lo logra con los de ciencias naturales, pero si termina los de historia. 
No obstante, la importancia de su estancia en Madrid, radica en tuvo la oportunidad de conocer en la famosa "Residencia de Estudiantes" a grandes figuras de la generación del 27. Ahí se hizo amigo de Salvador Dalí y Federico García Lorca y comenzó su atracción por el cine, organizando cineclubes. 
Tiempo después se hizo asistente de dirección del cineasta francés Jean Epstein en París. Posteriormente ingresa en el movimiento surrealista, animado por Dalí, Ramón Gómez de la Serna y Juan Larrea. 
Junto  a Dalí escribe el guión de la obra que le hará ganar fama: "Un perro Andaluz" (1928) que se convierte en el manifiesto cinematográfico del surrealismo. Dos años más tarde realiza "La edad de oro" , cinta que realiza con la ayuda del vizconde de Noailles y que representa, además de una gran película, el fin de su colaboración con Dalí. 
Con "la Edad de oro" -que fue prohibida en Francia- obtiene el reconocimiento suficiente como para ser invitado a trabajar en la "Metro-Goldwyn-Mayer". 
La primer película hecha por Buñuel en España es "La tierra sin pan" , documental sobre las condiciones de miseria de las Hurdes. Este film lo pudo hacer Buñuel con el dinero de la lotería que gana un amigo suyo que era anarquista. Por supuesto, "La tierra sin pan" fue prohibida en España por el gobierno de la II Segunda República. 
Poco antes de que estallara la guerra civil española, Buñuel trabaja con la compañía "Filmafono" donde intenta realizar un cine popular digno, supervisando personalmente algunas cintas. 
En plena guerra española, participa en la realización del documental "España leal en armas" (1938) y luego es enviado a Hollywood para encargarse del rodaje dos películas que nunca llegan a rodarse. 
después de la segunda guerra mundial es contratado por la sección de cine del Museo de Arte Moderno de Nueva York, pero al poco tiempo lo expulsan, acusándolo de comunista. 
De vuelta en Hollywood, donde se encarga del doblaje de documentales, es contratado para filmar, en México, una versión cinematográfica de "La casa de Bernarda Alba" de García Lorca. Aunque nunca se rueda dicha película, tiene la suerte de conocer al productor Oscar Dancigers que le encarga la dirección de "Gran Casino" (1947) y "El gran calavera" (1949) que, aunque no son obras trascendentales en su carrera, le permiten, debido a su Éxito en taquilla, filmar una obra más personal que causaría un gran escándalo en México, pero que lo volvería a poner en boca de los críticos a nivel mundial: "Los Olvidados" (1950), película sobre la juventud marginada de la Ciudad de México. 
Durante toda la década de los años cincuentas, Buñuel trabaja con regularidad en el cine mexicano. Tan sólo entre 1950 y 1955 dirige once películas, rodadas con poco dinero, pero que representan algunas de sus mejores obras, como "El" (1952), que analiza el comportamiento de un neurótico, "Abismos de pasión" (1953), adaptación de la novela cumbres borrascosas de Emily Br–nte y "Ensayo de un crimen" (1955). 
El Éxito de estas películas le abre la etapa francesa de su obra -en un principio mediante coproducciones entre México y Francia- con las siguientes cintas: "Así es la aurora" (1955), "La muerte en este jardín" (1956) y "Los ambiciosos" (1959). En 1960 realiza una cinta coproducida por México y Estados Unidos, titulada "La joven". 
En 1958, filma la que sería una de sus obras que repercutirá mas en todo el mundo: "Nazarín", sobre la obra homónima de Benito Pérez Galdós. En España filma "Viridiana" (1961) que prohibe Franco, durante más de quince años, por considerarla sacrílega. 
En la última parte de su carrera, Buñuel, dirige "El ángel exterminador" ( 1962), "Simón del desierto" (1965) y "Tristana" (1970), esta última rodada en España. 
Sin embargo, el gran público conoce a Buñuel -gran público, que por cierto asiste, casi exclusivamente a las salas comerciales- mediante sus filmes hechos totalmente en Francia, como "Diario de una camarera" (1964), "La vía láctea" (1969), "Bella de día" (1966), "El discreto encanto de la burguesía" (1972), "El fantasma de la libertad" (1972) y  "Ese obscuro objeto del deseo" (1977) que representa el cierre de su brillante carrera.(*) 
 

CARLOS DIEGUES (Brasil)  Carlos Diegues es uno de los cineastas más exitosos de Brasil, junto a Glauber Rocha y Nelson Pereira Dos Santos. entre sus cintas más destacadas se encuentran "Un tren para las estrellas" , "Xica Da Silva"y, desde luego, "Xica Da Silva". Esta última tuvo una inusitada aceptación comercial, lo que abrió una nueva era de popularidad al cine carioca. Estudiante de derecho, desde muy joven organiza cine clubes y realiza cintas de aficionado. Participa en la creación del movimiento del Cinema Novo. Debuta con la película colectiva "Cinco Veces Favela" de la que dirige dos capítulos. Otras cintas de interés son "Ganga Zumba", "La gran Ciudad", "Los Herederos" y "Quilombo", entre otras. 
 
 
 
 

NELSON PEREIRA DO SANTOS (Brasil) Nelson Pereira Dos Santos es el que refleja mejor el Cinema Novo brasileño, porque no sólo introdujo las técnicas del neorrealismo italiano a brasil, sino también realizó "Vidas Secas" que es una de las cintas cumbres del movimiento que ayudó a formar. 
 
 

 
SERGEI MIJAILOVICH EISENSTEIN ( 1988, Riga, Letonia; 1948, Moscú, Unión soviética) 
 

 

Estudiante de arquitectura  y bellas artes, entra en la milicia para luchar en la Revolución de Octubre de 1917. Para los soldados dirige obras de teatro en las cuales también actúa y hace la escenografía. En 1920 ingresa en el teatro obrero del cual se convierte director escénico. 
Curiosamente, su primer contacto con el cine es el cortometraje "El diario de Glomov" (1923) que filma por encargo del director teatral Ostrovsky para presentarlo en la obra teatral "El sabio". 
Interesado por el nuevo medio artístico, Eisenstein escribe algunas teorías cinematográficas, las cuales pone en práctica cuando realiza el largometraje "La huelga" (1924). 
Ante el Éxito de "La huelga", Lenin encarga a Eisenstein filmar una cinta conmemorativa sobre el primer intento revolucionario de 1905, cuando el acorazado Potemkin se subleva contra el ejército del Zar, surgiendo así su obra maestra: "El acorazado Potemkin" (1925). Llena de imágenes poderosas, "El acorazado..." es un clásico del cine mundial. 
La siguiente película que dirige es "Octubre" (1927) basada en el libro de John Reed "Diez días que conmovieron al mundo" sobre la revolución de 1917, donde lleva a cabo sus teorías sobre el "montaje de atracción". 
No obstante que "Octubre" es una cinta espléndida, donde perfecciona, en la aplicación, sus teorías sobre el montaje, la censura lo acosa debido a su visión particular de los aún recientes hechos históricos de la recién nacida U.R.S.S. 
también con problemas de censura termina de rodar "La línea general" en 1927 (había comenzado a filmarla antes que "Octubre", pero la interrumpió para filmar esta). 
Poco después, cansado de los problemas políticos que le imposibilitaban continuar su obra en la Unión soviética, firma un contrato con la Paramount Pictures pero nunca llega a realizar ninguno de sus proyectos a causa de que nunca le es otorgada la residencia de trabajo. 
Lo anterior obliga a Eisenstein a viajar a México donde realiza la incompletas "íQué viva México!"(1931), la cual, no obstante, ha sido objeto de diversos montajes, nunca supervisados por él. De cualquier manera, esta obra influye de manera determinante en el cine mexicano, sobre todo en el Emilio "Indio" Fernández. 
A su regreso a la U.R.S.S. tiene la oportunidad de comenzar la filiación de "El prado de Bezhin" -sobre un cuento de Ivan Turguenev- pero después le es prohibido continuar el rodaje "por orden superior". 
Entonces, Eisenstein se dedica a escribir las teorías cinematográficas obtenidas durante toda su carrera que han ayudado -y siguen ayudando- a comprender mejor el séptimo arte a los estudiantes, investigadores, historiadores, aficionados y críticos de todo el mundo. 
Pese a los ataques políticos que sufre, el genial director soviético consigue rodar "Alexander Nevsky" (1938) primera cinta sonora de su repertorio y penúltima de su carrera, que finalizaría con otra gran película "Ivan el terrible", de la cual sólo consigue dirigir las dos primeras partes de las tres que tenía planeadas, de nuevo, por culpa de la censura de Stalin. (*) 
 
 
 

ETTORE SCOLA (Trevico 1931- ) Cineasta preocupado en comunicarse con el público, ha logrado, como pocos, conciliar un discurso crítico sobre la sociedad de su país, mediante un discurso que no padece ninguna ambigüedad ideológica, con las necesidades del espectáculo, cualidades que encontramos de nuevo en una obra ambiciosa. "El viaje del capitán fracasa" (1990), basada en un cuento de Teofilo Gautier. 
Entre las mejores películas de Scola se encuentran "Celos estilo italiano" (1970), "La noche de Verannes" (1982), "El Baile" (1983) y "Splendor" (1989) la cual se presentará dentro de los festejos de los 100 años del cine en San Luis, en el Agora-Dif el 16 de noviembre a las 10:00 Hrs. 
 
 

FEDERICO  FELLINI (Rimini,Italia) 

Fellini comenzó trabajando como periodista, caricaturista y escritor de canciones y gags cinematográficos. A partir de 1939 se convierte en guionista de varios filmes neorrealistas (entre ellos, los clásicos de Rossellini Roma, ciudad abierta y Paisa.  Debutó como director en 1951, con Luces de variedad. Desde ese momento desarrolló una importante carrera como poeta y mago cinematográfico. 
 
 
 

MILOS FORMAN ( 1932, Caslav, Checoslovaquia)  
 
 

Educado por un tío, debido a que sus padres mueren, asesinados por los nazis, en el campo de concentración de Auschwitz, estudia canto, música y dirección en la escuela de cine de Praga. 
En sus principios trabaja como presentador de televisión y colabora como asistente de dirección en el espectáculo "Linterna Mágica" de Alfred Radok. A principios de los años sesenta conoce al guionista Ivan Passer y al fotógrafo Miroslav Ondricek con quienes hace mancuerna en algunas de sus cintas como "Los Amores de una Rubia", la cual llama la atención internacionalmente, debido a su peculiar estilo: escenas muy largas y una visión casi documental de la vida. 
Luego de la invasión soviética de 1968, Forman se exilia en Francia, junto a sus colaboradores, donde  escribe con Jean-Claude Carriere -guionista de algunas de las películas de Buñuelo- "Taking Off" (1971), que es su primera película norteamericana, a la que le siguen "Atrapado sin salida" (1975), "Hair" , sobre la famosa obra de teatro hippy, "Ragtime"(1981) de la novela de E.L. Doctorow, "Amadeus" (1984) y finalmente "Valmont" (1989) basada en la novela de Choderlos de Laclos "Las amistades peligrosas" que sin embargo no tiene mucho Éxito, debido principalmente a que, durante el tiempo que Él rodaba la cinta, el director británico Stephen Frears dirigía su propia versión de la misma novela ("Las amistades peligrosas", Estados Unidos, 1988) que llamó más la atención del publico por las apariciones de Michelle Pfeiffer y Glen Close. (*) 
 
 
 
 

GILLIO PONTECORVO (Gilberto Pontecorvo. Pisa, Italia, 1919) Científico de formación, se vuelve rápidamente al periodismo y se convierte en corresponsal en París de varias publicaciones italianas. Debuta en el cine como asistente de Yves AllÕgret y Mario Monicelli principalmente. A partir de 1953 realiza sus primeros ensayos documentales (Giovanna, 1956). En 1956 , contribuye  a un episodio de "La Rosa de los Vientos", supervizado por  Alberto Cavalcanti. Al año siguiente, Pontecorvo dirige su primer largometraje: "El camino Azul", basada en una novela de Franco Solinas. después en "Kapo", describe el universo de los campos de concentración nazi mediante la historia de una judía que se vuelve auxiliar de los nazis. 
En 1966, realiza su más importante film: "La Batalla de Argel", notable reconstrucción de un episodio fundamental de la guerra de Argelia, que sabe recrear con realismo y objetividad la acción policiaca de la Armada Francesa durante la lucha independencista. Prohibida durante mucho tiempo en Francia, esta película, cuya explotación comercial provocó muchas agitaciones, fue recompensada con el León de Oro del festival de Venecia. 
En "Queimada" (1971), dominado por la interpretación de Marlon Brando, ataca de nuevo al colonialismo, con una evocación de las Antillas a mediados del siglo XIX. Posteriormente, Pontecorvo no ha reencontrado el talento de sus comienzos: realiza un filme secundario llamado " Ogro" (1979) que habla sobre el terrorismo y finalmente colabora en la película " Adiós a Enrico Berlinguer" (1984). En 1992, fue nombrado director del Festival de Venecia. (**) 
 
 
 
 

EMILIO "INDIO" FERNÙNDEZ ( 1904, Coahuila, México) Después de participar en la revolución mexicana, en la cual luchó cuando apenas tenía 19 años, es condenado a veinte años de prisión pero logra huir a los Estados Unidos y regresa a México al comienzo de los años treinta para trabajar como actor de cine, actividad complementaria a la director que no abandona nunca. 
Director de 40 películas, sus cintas de mayor interés, tanto para los críticos mexicanos como para los extranjeros son: "Flor Silvestre" (1943), en donde trabajo con el equipo que se haría famoso en todo el mundo, es decir, con el guionista Mauricio Magdaleno, el fotógrafo Gabriel Figueroa y dos de las más grandes estrellas en la historia del cine nacional,  Dolores del Río y Pedro Armendariz; "María Candelaria" (1943), "Las abandonadas" (1944), "Bugambilia" (1944)  y "La perla" (1945) basada en una novela de Steinbeck. 
El cine del "Indio" como se le conoce cariñosamente, está lleno de folklorismos y de una imagen idealizada del indígena. Otras de sxus películas son "Enamorada" (1946), "Río Escondido" (1947), "Maclovio" (1948), "Salón México" (1948) y "Pueblerina" (1948). (*) 
 
 

KRZYSTOF KIESLOWSKI  (Varsovia, 1941-Parøs 1996) Graduado en 1969 de la Escuela Superior de Cine y Televisión de Lodz, realiza una docena de documentales y luego, a partir de 1973, mediometrajes de ficción para la televisión ("Paisaje subterráneo", 1973; " El primer amor", 1973). Aborda el largometraje de ficción con "El Personal" (1975), al que siguieron "La Calma" (1976) y " La Cicatriz" (1976). Estos filmes critican tan duramente a la sociedad polaca, que le vale al segundo (cuyo tema es el mundo laboral) ser prohibido durante cuatro años. El cineasta conquista una reputación internacional merecida con "El Aficionado"  (1979, Gran Premio en los festivales de Moscú y Gdansk), parábola brillante e irónica sobre el destino de un director de cine amateur de cara al conformismo social y político. Entretanto, dos documentales más: "El Hospital" (1877) y "El Punto de vista del velador" (1979), demostraron la agudeza de la mirada de Kieslowski sobre los individuos y sus actividades. 
"El azar" (1982) y "Sin fin" (1984) confirman la posición de Kieslowski como uno de los líderes de su generación en Polonia. Alcanza fama mundial con "No matarás: película breve sobre un asesinato" (1987) y "No amarás: breve película sobre el amor" (1988), las cuales son versiones cinematográficas de los episodios 5 y 6 de "El Decálogo", conjunto de telefilmes que ilustran un mandamiento divino. Sin embargo, no se trata de una empresa de proselitismo religioso ni de predica moralizante: aquí la religión es un pretexto para observar el mundo de hoy a través de sus reglas, o más bien para constatar que esas reglas son constantemente transgredidas. Estos filmes son pequeñas obras maestras, ásperas, duras, tristes y, quizás por ello mismo, fascinantes. Podemos decir que todas las fábulas de "El Decálogo" se resuelven en la ambigüedad, tortuosa y agobiada, tras haber buscado a tientas las razones para vivir. 
En 1991 el cineasta siguió un itinerario sumamente personal con la producción francesa de "La Doble vida de Verónica", antes de regalarnos una magnífica suerte de testamento fílmico en la trilogía "Tres Colores" (1993) ante la inminencia de su propia muerte. 

NOTA: "El Decálogo" y la trilogía "Tres Colores" pueden comprarse en video, en la ciudad de México. "Tres Colores" puede alquilarse en algunos vídeo clubes de la ciudad y comprarse en algunas tiendas departamentales. (**) 
 
 

DIANE KURYS (Lyon, 1948) Mucho tiempo actriz, Diane Kurys (Lyon, 1948), directora de "El Flechazo", escribe el guión de "Las Colegiales se confiesan", relato casi autobiográfico sobre el despertar de una adolescente en los años sesentas, que llama la atención de la famosa compañía productora francesa Gaumont. 
Producido en 1977, el film obtiene el "Premio Louis Delluc" a la mejor película francesa del año, además de un gran Éxito de público. En 1980, Kurys evoca el mayo de 1968 a trasvés del itinerario sentimental de tres jóvenes en "Cocktail Molotov". Más ambicioso y más logrado, "El Flechazo" (Coup de Foudre", 1983) describe, desde el final de la segunda guerra mundial, el encuentro, la amistad, la evolución social y moral de dos mujeres de medios y de raíces diferentes. En 1987, Kurys realiza "Un Hombre enamorado" (Un Homme amoureaux), historia de un actor ( encarnado por el actor norteamericano Peter Coyote ) que quiere llevar a la pantalla la vida del escritor italiano Cesare Pavese. Le siguen "La Baule-les-PinsÈ" (1990),  "después del amor" (1991) y "Seis días y seis noches" (*)  , con Beatrice Dalle y Anne Parrillaud en los papeles de dos hermanas en perpetua disputa. (**) 
 
 
 

PIER PAOLO PASOLOINI (Bolonia 1922- Ostie 1975) Su muerte en circunstancias particularmente sórdidas (fue asesinado en un terreno baldío en las afueras de roma) confirió un toque supremo  y trágico a la aureola de poeta maldito, de la cual su obra, tanto literaria como cinematográfica, llevaba la huella. 
Esta aureola de mártir se encuentra tanto en las imprecaciones líricas de "las cenizas de Gramsci" (poseía, 1957) como en el canto homosexual de "Teorema" (novela film, 1968). 
Pasolini llegó relativamente tarde a la dirección cinematográfica, cuando su gloria de escritor estaba ya asegurada. Inició con fuerza "Acattone", una fábula neorrealista que reúne las influencias de De Sica y de Visconti, seguida de un melodrama freudiano, "Mamma Roma", con acentos buñuelianos. . El cine se convertirá, según sus propias palabras, en "la lengua escrita de la realidad", permitiéndole buscar los vestigios de los grandes mitos universales a través de sus fantasmas personales. Todas sus cintas tendrán un doble rostro: a la vez simples y complejas, amasadas de realidad y abiertas a la abstracción. 
Además de haber realizado, entre otras, "Acattone", " El Evangelio según San Mateo", "Edipo Rey", " Teorema", "El Decameron", "Los Cuentos de Canterbury", "Las mil y una noches" y "Salo o los últimos 120 días de Sodoma", Pasolini colaboró como guionista con  Federico Fellini, Franco Rossi, Mario Soldati y Mauro Bolognini. (**) 

ARTURO RIPSTEIN (1944, Ciudad de México) A la edad de 21 años, Ripstein debuta con la cinta "Tiempo de Silencio" (1965) en cuyo guión trabajó Gabriel García Marques. Hijo del productor Alfredo Ripstein, Arturo abandona la industria cinematográfica cuando su padre hace cortes a su ambiciosa adaptación de "Los recuerdos del porvenir" (1968) adaptación a una novela de Elena Garro. 
Apartado de la industria, Ripstein realiza la cinta experimental "La hora de los niños" (1969). Escribe al lado de José Emilio Pacheco los guiones de "El Castillo de la pureza" (1972), "El santo oficio" (1973) y "Foxtrot" (1975). 
Entre sus mejores cintas se encuentran "El lugar sin limites" ( 1977), "La viuda negra" (1977), "Cadena perpetua" (1978), "El imperio de la fortuna" (1985), "Mentiras piadosas" (1988) y "La mujer del puerto" (1990). (*) 
 
 ANDREI TARKOVSKI  

"íAmigos, hoy van a ver algo fuera de lo común, algo que hasta el día de hoy no existía en nuestras pantallas, pero me pueden creer, delata gran talento! El director se llama Andrei Tarkovski".  

- Mijail Romm, durante la premier, en 1962, de "La infancia de Iván".  

Andrei Tarkovsky (1932 - 1986)  

Ocupación: Director de cine y escritor.  
Fecha de nacimiento: abril 4, 1932, Laovrazhe, Ivanova, Russia  
Fecha de Deceso: Diciembre 29, 1986, Paris, Francia  
Educación: "Escuela soviética de M·sica", "Escuela de cine de Moscú ·”y el "Instituto de Lenguas Orientales"  

Andrei Tarkovski es uno de los más destacados directores soviéticos de su generación, debido principalmente a la forma poética y profundamente personal con las que realiza sus filmes.  
Hijo del poeta ruso Arseni Tarkovsky -que lo abandona a él y a su madre- estudia música, pintura y árabe. Durante un período trabaja como geólogo en Siberia, para después ingresar a la Escuela de Cine de Moscú.  

Su primer trabajo relacionado con el cine es el cortometraje llamado "El concentrado";  Después escribe un guión titulado "El primer maestro", pero su primer film es "La infancia de Iván" en 1962 a la que le siguen Andrei Rubliev (1967), "Solaris" (1972) historia de ciencia ficción, "El espejo" (1974) logra la más autobiográfica de su obras con la que obtiene el estilo tan personal que lo caracteriza durante el resto de su obra en donde encontraremos su principal obsesiµn: los cuatro elementos, es decir el fuego, la tierra, el aire y el agua.  
Su obra maestra, para los críticos, es "Stalker" (1969) que está basada en una novela de ciencia ficción y que es en donde mejor plasma sus obsesiones y donde recrea con mayor vigor el ambiente de pesadilla que tanto le gusta.  
Debido al tono religioso de sus obras, se le dificulta trabajar en la URSS por lo que opta por el auto exilio y rueda en Italia "Nostalgia" (1983) y finalmente, enfermo de cáncer filma en Suecia -y con una enorme influencia de Ingmar Bergman- "El Sacrificio" (1986), después de la cual fallece en París.  

NOTA: Es posible encontrar en Blockbuster "Nostalgia" y un documental sobre su trabajo denominado "Dirigido por Tarkovski". (*)  
 

FRANCOISE TRUFFAUT ( París, 1932; 1984, Neuilly-sur-Seine, Francia )  

Después de haber llevado una infancia infeliz en la que tuvo que sobrevivir trabajando en diversos oficios, como lo narra en su película autobiográfica y obra maestra "Los Cuatrocientos Golpes", Truffaut descubre el cine y se hace amigo del gran teórico y crítico cinematográfico Andre Bazin. 
Los primeros pasos de Truffaut en el cine los da a través del periodismo en revistas como Arts y Cahiers Du Cinema  para luego realizar sus propias películas dentro de la  Nouvelle vague ( Nueva Ola) en la que, junto con sus compañeros cineastas, impulsa y da frescura al cine francés de los años sesentas. 
Postulante del "cine de autor" -es decir, el director como el creador único de la obra cinematográfica- Truffaut se vio obligado a producir de dos en dos sus películas. La primera de carácter comercial que le permitirá hacer la segunda de carácter personal que de otra manera no hubiera podido encontrar financiamiento. 
De esta forma, y mediante su propia productora "Les films du Carosse" Truffaut realiza algunas de sus más celebradas cintas, como "Antoine y Colette", "El Amor a los veinte", "Besos robados", "El último metro", "La mujer de al lado", "Jules y Jim", y "Las dos inglesas y el amor" que es una de sus grandes cintas pero que fracasa comercialmente. 
Muerto en su plenitud artística, Truffaut además de sus críticas y comentarios en Cahiers Du cinema y Arts, dejó escrito un espléndido libro de entrevistas sobre Hitchcock, llamado " El cine según Hitchcock" y rebautizado después como "Truffaut-Hitchcock". La influencia de Éste enorme cineasta francés trascendió, desde luego, las fronteras galas. Un ejemplo de lo anterior es la veneración que le prodiga Steven Spielberg, quien lo invitó a participar como actor en una de sus más renombradas películas: "Encuentros cercanos del tercer tipo".  (*) 
 
 

ANDRZEJ WAJDA, ( Suwatki, Polonia,  1926) Estudió cine en la ciudad de Lodz donde obtuvo su diploma en 1952. Los tres primeros largometrajes de Wajda fueron: Generación (1954), Kanal (1957) y Cenizas y Diamentes (1958). Estas tres películas representan el itinerario personal de Wajda, la organización de sus ideas (más que de sus medios de expresión), con el propósito primordial, según parece de mostrarse consecuente. Entre sus films destacan: La Tierra de la Gran Promesa (1974), Los Abedules (.1971) y Danton (1982). 
 
 

WOODY ALLEN 

 

Junto a Frank Capra, Jerome Robins y Martha Graham, Woody Allen es uno de los diez miembros honorarios del "Instituto Norteamericano de las Artes y las Letras" al que ingresó en 1987 en sustitución de Orson Welles. 
Pero su importancia trasciende por mucho los reconocimientos oficiales: a hecho reflexionar y -Ìpor qué no?- reír al público desde que en la década de los cincuentas comenzó a vender sus chistes en los diarios de la ciudad que tanto ama: Nueva York. 
Al principio de su carrera, Allen escribe y actúa rutinas para centro nocturno y la televisión y pública divertidos cuentos cómicos en "The New Yorker" y "Playboy", con los que después editaría libros que actualmente se pueden leer en la recopilación "Cuentos sin plumas" -que se consigue casi en cualquier librería-. 
también escribe obras teatrales entre las que destacan "No te bebas el agua", "La bombilla que flota" y "Sueños de un seductor". Su primer película como actor es "ÌQué hay de nuevo Pussycat?" ( 1965) en la que comparte escenas nada menos que con Peter Sellers. 
No obstante, su primer película como actor, guionista y director es "What’ s  up tiger Lily? (1965) en la que parodia la cinta policiaca japonesa " Kagi no Kagi" en la que dos bandas de gángsters se enfrentan a balazos por una receta de comida. 
La primera parte de la carrera de Allen -cuyo verdadero nombre es el de Allen Stewart K–nisgberg- se caracteriza por buscar la risa del público mediante parodias como en "Robó, huyó y lo pescaron" donde utiliza las técnicas del "docudrama" para presentar la vida de un delincuente, "Bananas" ( 1971) (en México se tituló como "La locura está de moda") en la que emplea los métodos de los noticieros deportivos para contar la vida de unos guerrilleros en el ficticio país latinoamericano de San Marcos, en las que aparecen, desde luego, las parodias de Fidel Castro y el Che Guevara. Otras cintas de Este periodo en el que logró captar la atención del gran público, entendido esto como grande en número, se encuentran "El Dormilón" (1973) película  cómica de ciencia ficción, "Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar" (1972) y "La última noche de Boris Gruchenko" (1975) parodia de la novela "Guerra y Paz"de León Tolstoy. 
La segunda parte de su obra se caracteriza por las historias nostálgicas, románticas y autobiográficas donde se delinea mejor el personaje creador por Allen: el hombre inseguro,  que tiene mala suerte con las mujeres, obsesionado por el sexo pero con un conocimiento cultural refinado que da pie a situaciones cómicas. "Annie Hall (1977) es la primer cinta de esta etapa, a la que le siguen "Manhattan" (1979) (para algunos críticos, su obra maestra) y "Recuerdos" (1980) película con un marcado influjo de "8 1/2 " de Fellini. 
después, bajo la influencia de su admirado Ingmar Bergman, Woody Allen filma dramas en los que intenta reflejar el interior de sus personajes mediante sus obsesiones: la religión, la muerte y el amor. Entre ellas destacan "Interiores" (1978), "Hanna y sus hermanas" (1986) "Septiembre" (1987), "Otra mujer"(1988), "Comedia sexual de una noche de verano" (1982) y la excelente "Crímenes y pecados" (1989). En esta parte de su obra las  excepciones son "Zelig" ya que es otra parodia, Esta vez del cine ruso, "Broadway Danny Rose" (1984) que describe el mundo teatral de Nueva York, "La Rosa púrpura de El Cairo" sobre una mujer que se enamora de su actor de cine favorito que se sale de la pantalla para corresponderle y "Días de Radio" (1987). 
Recientemente, Allen ha filmado "Alice”, “Maridos y Esposas", Sombras y niebla", "Asesinato misterioso en Manhattan" y "Balas sobre Broadway". Lo que ha permitido a Woody Allen tener una carrera de primer nivel es, sin duda, su extraordinario talento; la confianza de sus productores, Jack Rollins y Charles E. Joffe; la colaboración en sus cintas de los fotógrafos Gordon Willis (El padrino) , Sven Nykvist (colaborador habitual de Ingmar Bergman) y Carlo di Palma ( fotógrafo de Michelangelo Antonioni ) así como la independencia que le han prodigado las compañías productoras con que ha trabajado: United Artist  y Orion. Casi todas sus películas pueden conseguirse en Vídeo y las que se encuentran descatalogadas son programadas frecuentemente en televisión, desde luego, por el Canal Cuatro del Instituto politécnico Nacional. (*)