SINOPSIS

ADIOS A LOS NIÑ0S (Francia 1987) Louis Malle

Director: Louis Malle/Libreto: Louis Malle/Producción/ L.Malle/Intérpretes: Gaspard Manesse, Raphael Fejto, Francine Racette, Francoise Negret y Peter Fitz.

Drama de guerra realizado por el destacado director Louis Malle. Ubicada en la Francia ocupada de 1944,” ADIOS A LOS NIÑ0S” es una cinta autobiográfica en donde Malle, de once años, estudia en una escuela católica cerca de Fontainbleu, donde se refugian varios estudiantes judíos.

No obstante, la Gestapo –policía nazi- se entera y los aprisiona enviándolos al campo de concentración de Auschwitz.

La inocencia perdida y el nacimiento de un nuevo horror humano a los ojos de varios niños franceses, en una película de uno de los mas destacados directores del cine galo, fallecido en 1995.(*)

ALFUEGO BOMBEROS (Checoslovaquia, 1968) Milos Forman

Director: Milos Forman/ Guión: Ivan Passer/ Director de fotografía: Miroslav Ondricek/ intérpretes: Jan Vostrcil, Josef Sebanek, Josef Valnoha, Josef Kolb y Vaclav Stockel

Aclamada comedia sobre el departamento de bomberos de un pueblo checoslovaco que vuelven un desastre una fiesta conmemorativa. El estilo de comedia de Milos Forman, creado junto a su guionista Ivan Passer y al fotógrafo Miroslav Ondricek, se basa en la naturalidad de los actores y la casi documental observación de la vida cotidiana. (*)

AMADEUS (Estados Unidos, 1984) Milos Forman

Director: Milos Forman/ Producción: Saul Zaentz/ Guión: Peter Shaffer, basado en la obra de teatro del mismo autor/ Fotografía: Miroslav OndrøÓek/ Editor: Nena Danevic y Michael Chandler/ M·sica: Wolfgang Amadeus Mozart, Antonio Salier y Giovanni Battista Pergolesi / Director musical: Neville Marriner/ Diseño de producción: Patrizia von Brandenstein/ Direcciµn de arte: Karel Cerny, Francesco Chianese y Josef Svoboda / Escenografía: Francesco Chianese, Josef Svoboda/ Efectos especiales: Dick Smith/ Vestuario: Theodor Pistek/ Coreografía: Twyla Tharp/ intérpretes: F. Murray Abraham, Tom Hulce, Jeffrey Jones.

Más que una biografía tradicional sobre Mozart, es un reflexión sobre los motivos de un artista, Salieri, para tratar de destruir al genio nacido en Austria, al que sin embargo admira. Narrada por el mismo Salieri (Abraham) a un sacerdote (y a nosotros) luego de intentar suicidarse, "Amadeus" tiene, entre sus cualidades, la música de Mozart (desde luego), la coreografía de Twyla Tharp, la actuaciones de Abraham, Hulce (Mozart) y Jones (como el emperador Joseph II) y la formidable locación en el centro de Praga, convertida en la Viena del siglo 18.
Ganadora de ocho oscares: Mejor película, mejor director, mejor guión adaptado a la pantalla, mejor dirección de arte, mejor vestuario, mejor maquillaje, mejor actor y mejor sonido.(*)

ATRAPADO SIN SALIDA (Estados Unidos, 1975) Milos Forman

"Cuando vi Atrapado sin salida, de Milos Forman, supe que quería ser cineasta".

- Luc Besson, director de cine francés ("Nikita", "El Profesional")

Director: Milos Forman/ Productor: Saul Zaentz, Michael Douglas/ Guión: Lawrence Hauben y Bo Goldman, que se basaron en la novela "One flew over the cuckooÀs nest" -alguien voló sobre el nido del Cuco- de Ken Kesey, y el argumento de Dale Wasseman/ Fotografía: Haskell Wexler, William A. Fraker y Bill Butler/ Editor: Richard Chew Lynzee Klingman, Sheldon Kahn/ M·sica: Jack Nitzsche/ Diseño de producción: Paul Sylbert/ Dirección de arte: Edwin O'Donovan / Vestuario: Aggie Guerard Rodgers/ intérpretes: Jack Nicholson, Louise Fletcher, William Redfield, Brad Dourif, Scatman Crothers, Danny DeVito, Vincent Schiavelli, Sydney Lassick, Louisa Moritz, Marya Small y Christopher Lloyd.

Excelente versión a la novela de Ken Kesey sobre un rebelde, McMurphy (Jack Nicholson) que es detenido en un hospital siquiatrico donde domina una terrible enfermera llamada Ratched -interpretada magistralmente por Louise Fletcher- que mantiene controlados, tanto física, como psicológicamente a todos los internos.
A veces poderosa, a veces poética, a veces dramática, a veces hilarante, "Atrapado sin salida" es una de las mejores cintas de Milos Forman y una de las favoritas de la Academia de Hollywood que la premio con cinco premios Oscar a la mejor película del año (1975), al mejor director, mejor actor (Nicholson), mejor actriz (Fletcher) y mejor Guión (Hauben y Goldman).(*)

"A QUEDA" ( Brasil, 1978 )

Dirección: Ruy Guerra/Actores: Nelson Xavier, Isabel Ribeiro, Lina Duarte, Paulo Cesar Pereiro, Hugo Caravana.

José, un trabajador del metro, cae de un andamio y moribundo es llevado por sus compañeros al hospital. Mario, uno de sus amigos, recuerda el tiempo que estuvieron prestando servicio juntos, en el ejército, quince anos atrás.(**)

BARBARROJA (Japon, 1965)

Director: Akira Kurosawa/ Guión: Akira Kurosawa,/ Fotografía: Takao Saito/intérpretes: Toshiro Mifune, Uzo Kagama, Tseutomo Yamasaki.

El joven doctor Yasuoto regresa a su lugar de origen luego de estudiar en Nagasaki. A su llegada sufre una fuerte desilusión: él pretendía ser medico del shogunat y en vez de eso lo asignan a una clínica de pocos recursos que dirige un doctor apodado Barbarroja. Disgustado, Yasumoto busca hacerse despedir emborrachándose, rehusándose a vestir el uniforme de trabajo y violando el reglamento metiéndose en una habitación a la que solo puede acceder Barbarroja. En dicha habitación encuentra a una bella paciente que, aunque luce normal, esta loca e intenta matarlo, hasta que Barbarroja acude a salvarlo. A partir de ahí, la vida de Yasumoto tendrá un cambio muy profundo. (***)

BELLISIMA (Italia, 1951) Luchino Viscontti

Director: Luchino Visconti/ Guión: Suso Cecchi d'Amico, Francesco Rosi y Visconti, basado en una historia de Cesare Zavattini. Asistentes del director: Francesco Rosi y Franco Zeffirelli/ intérpretes: Anna Magnani, Walter Chiari, Tina Apicella, Gastone Renzelli y Alessandro Blasetti.

Historia de una madre (Anna Magnani) obsesionada por hacer de su pequeña hija (Tina Apicella) una estrella de cine. Sobre la película -la tercera en la carrera de Visconti- el director dijo que se le había ocurrido cuando, para la realización de otro film, buscaba actrices jóvenes y de pronto se vio rodeado de cuatro mil madres que gritaban, al mismo tiempo: " íLa mía es bellísima! "
Sátira de la vida del mítico estudio italiano "Cinecitta" en donde hicieron su obra directores como Fellini y De Sica, "Bellísima" es una comedia que glorifica la sabiduría de la gente común y que además cuenta con la colaboración de tres de las grandes personalidades del cine italiano como Francesco Rosi, Cesare Zavattini, Francesco Rosi y Franco Zeffirelli. (*)

CAMPANAS ROJAS (Mexico-URSS, 1983)Sergei Bondarchuk

Director: Sergei Bondarchuk/ Fotografía: Vadim Jussov/ intérpretes: Franco Nero, Ursula Andres, Jorge Luque, Sydney Rome, Blanca Guerra y Anatoli Ustlugianinov.

En su primera parte, “Campanas Rojas” narra las andanzas en México, durante la revolución, del periodista norteamericano John Reed.

En su segunda parte, la cinta nos traslada al triunfo de la revolución bolchevique de la cual Reed seria testigo e historiador en su famoso libro “Diez Días que conmovieron al mundo”. (***)

CARA A CARA (Suecia,EU, 1979) Ingmar Bergman

Producción: Paramount Pictures, Dino de Laurentis, Suecia, E.U. ;Dirección y Guión: Ingmar Bergman Fotografía: Sven Nikvist; intérpretes: Liv Ullmann, Erlan Josephson y Gumar Biojrnstrand.

El prestigiado director sueco Ingmar Bergman nos ofrece en cara a cara, una intensa y conmovedora historia sobre la condición humana, a través de la crisis inesperada y desesperada que sufre Jenny ( Ullmann) al encontrar su pasado y los elementos ominosos del mismo representados por la abuela, y por una serie de elementos menores como una serie de fotografías , viejos muebles y las paredes mismas del departamento que la cobijo en su infancia y al cual retorna por intranscendentes azares de la vida.
Abuela y objetos, paredes y emplomados, inmediatamente recuperan la mente de apariencia serena y equilibrada de la protagonista, la condición agresiva y aterradora que poseyeron durante su desgraciada infancia y son capaces de avivarle una angustia existencial impregnada de miedo hacía seres y cosas que yacían de una manera controlada en lo mas profundo del subconsciente.

Un acontecimiento inesperado y crucial, un conato de violación, sirve de detonador a la carga de profundidad, y Ésta hace volar en mil pedazos la frágil puerta que contiene los demonios de la cueva.

Comprendemos que tarde o temprano otro acontecimiento de semejante intensidad la conducirá otra vez a idéntica situación.

La actuación de Liv Ullmann es para rendirle un homenaje ya que alcanzó alturas dramáticas insospechadas. (***)

CASABLANCA (1942) Michael Curtiz

Dirección: Michael Curtiz/ Producción: Hal B. Wallis/ Guión: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein y Howard Koch, con aportes de Aeneas Mackenzie y H.B. Wallis, basado en la obra teatral "Everybody Comes to RickÀs" de Murray Burnett y Joan Alison/ Fotografía: Arthur Edeson/ Ediciµn: Owen Marks, Don Siegel y James Leicester/ Música: Max Steiner/ intérpretes: Humprey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, Conrad Veidt y Dooley Wilson.

Rick (Bogart), dueño de uno de los bares más famosos de la Casablanca de la segunda guerra mundial, administrada por los franceses pero gobernada por los alemanes, es sorprendido por la llegada de Elsa (Bergman), su antiguo amor, que se ha casado con un militante anti nazi, el cual necesita comprar una visa falsa para escapar de las garras del fascismo que ve en Él un peligroso enemigo.
Confundido, Rick debe decidir entre quedarse con la mujer que ama o sacrificarse, renunciando al amor de Elsa, para salvar a un hombre que puede ayudar a derrotar al nazismo.

Ideológicamente, "Casablanca" , más que ser una denuncia al totalitarismo, es una justificación al espíritu intervencionista norteamericano. Sin embargo, y así lo expresan algunos críticos de cine en el mundo, es una película "intocable", debido, sobre todo, a la química que logran transmitir Bergman y Bogart y a la atmósfera claustrofobica que rodea a la trama. (Carlos Avalos Rosado)
Cien años de cine en San Luis Potosí Programa para el instituto de Física

CENIZAS Y DIAMANTES

Dirección: Andrzej Wajda; guión: Jerzy Andrzejewski, Andrzej Wajda; fotografía en blanco y negro: Jerzey Wojcik; música: Jan Krenz, Michal Kleotas Oginski; producción: Film Polski, Polonia, 1958; duración: 104 min.; intérpretes: Zbigniew Cybulski, Ewa Krzyzewska, Adam Pawlikowski, Bogumil Kobiela.

Drama que tiene lugar en un pequeño pueblo polaco a fines de la Segunda Guerra Mundial. La película muestra los destinos de unos jóvenes frente a una Polonia por la cual participan en crudos combates. Ha llegado la hora del angustioso dilema: resistir y combatir por un ideal que se desmorona o integrarse a la vida normal para levantar la patria de las ruinas. Incapaces de adaptarse; en contra de su corazón se plantean una dura consigna y continúan una lucha fraticida que habrá de costarles la vida... (****)

CINE MUDO (México, documental) Alejandro Pelayo

Dirección: Alejandro Pelayo/ Producción: Secretaría de Educación Pública, Dirección General de Medios y Unidad de Televisión Educativa y Cultural (UTEC), 1985/ Narrador: Alejuandro Aura/ Investigación: Alma Rossbach y Leticia Canel

En un principio, la magia del cine consistía en presentar, simplemente, los hechos cotidianos, pero después, con la visión del mago francés Geroges Melies, inició el cine argumental, el cine de ficción...el espectáculo. Sí en Francia, con Melies, el cine nos lleva a conocer la luna en "Viaje a la luna", en México se pretende adaptar obras literarias al nuevo medio de expresión artística, pero no se tiene mucho Éxito en lo comercial, sin embargo, comienza a perfilarse uno de los que será el género cinematográfico nacional por excelencia: el melodrama ranchero.(*)

CRIA CUERVOS (España, 1975) Carlos Saura

Dirección: C.Saura /Guión: Federico Monson /Fotografía: Teo Escamilla / Producción: Eløas Querejeta/ intérpretes: Ana Torrent, Geraldine Chaplin, Conchita Pérez, Mayté Sánchez y Héctor Alterio.

A sus nueve años, Ana es una niña muy inteligente que busca desesperadamente entender el mundo en el que vive. Al ver morir a su madre, unos años antes, culpa a su padre de la tragedia y ella misma es responsable de la subsecuente muerte de Éste. La agonía está presente de una manera tan intensa que se vuelve difícil de creer. hay algunos momentos mágicos con una soberbia Torrent y una espléndida Chaplin que interpreta a la madre moribunda de Ana y después a Ésta última en edad adulta. (***)

"DOÑA FLOR Y SUS DOS MARIDOS" (1978) Bruno Barreto

Director: Bruno Barreto / intérpretes: Sonia Braga, José Wilker, Mauro Mendoza y Dinorah Brillanti.

Doña Flor (Braga) se encuentra entre la disyuntiva de entregar su cuerpo y su alma a su irresponsable marido que después de muerto regresa a la tierra o a su considerado y estúpido nuevo amante. Basada en una novela del escritor brasileño Jorge Amado, ¿Doña Flor es un cinta que desborda sexualidad y fantasía que presenta unas de las mejores actuaciones que haya realizado la hermosa actriz carioca, Sonia Braga. El Éxito de la película fue tal que se llevó a cabo una adaptación norteamericana. (*)

"DOñA HERLINDA Y SU HIJO" (1984) Jaime Humberto Hermosillo

Director: Jaime Humberto Hermosillo / Producción: Manuel Barbachano Ponce / Fotografía: Miguel Ehrenber / Ediciµn: Luis Kelly/ Sonido: Fernando Cámara/ intérpretes: Guadalupe del Toro, Arturo Meza, Marco Antonio Treviño y Leticia Lupercio.

Ramón, joven estudiante de música, tiene una secreta relación amorosa con Rodolfo, un médico de clase acomodada, cuya madre, Doña Herlinda, finge no estar enterada de aquella pasión y encuentra una novia para su hijo.

La manipulación de doña Herlinda alcanza un clímax sorprendente cuando doña Herlinda lleva a vivir a Ramón a la casa que habitan ella, Rodolfo y su esposa, dando pie a insólitas relaciones triangulares, solapadas por doña Herlinda, que de esa manera trata de obtener un objetivo superior: la consolidación de la familia, teniendo como eje, por supuesto, a la madre.

Esta película representó, por un tiempo, un gran escándalo en México, debido, sobre todo a la carga erótica de muchas escenas, entre ellas las de carácter homosexual que mantienen Rodolfo y Ramón. No obstante tuvo mucho Éxito en el extranjero y en particular en la ciudad de Londres donde se mantuvo mucho tiempo en cartelera. (***)

EISENSTEIN EN México (México, documental) Alejandro Pelayo

El gran cineasta soviético, teórico del lenguaje cinematográfico y autor de una de las más grandes películas de la historia: "El Acorazado Potemkin" (1925) llega a México a principios de la década de los treinta para documentar una nación en plena reconstrucción cinematográfica: "íQué viva México!" (1931) que nunca consigue editar él mismo por motivos políticos, pero que si ha sido objeto de montajes -unión de las imágenes en secuencia lógica y expresiva- aproximativos. La estancia de Eisenstein en México marcó una influencia que se nota sobre todo en el trabajo de uno de los mejores cineastas mexicanos: Emilio "Indio" Fernßndez. En este documental de Alejandro Pelayo, podemos observar parte de la labor del director soviético en México. (*)

EPISODIOS DE CHAPLIN (Estados Unidos, 1914-1917) Charles Chaplin

Cortometrajes deliciosos, que no pierden su espontaneidad, imaginación y gracia pese al paso de los años, realizados por un artista que se mantiene en un lugar privilegiado en la historia del cine. Entre algunos de sus mejores cortos se encuentran: "Charlot periodista" y "Carreras sofocantes" de Henry Lehman. también pueden verse algunas de las pequeñas cintas que hizo con el director y productor del cine mudo Mack Sennett como "Charlott en el baile" y "El Romance de Charlott".
también se verán los que Chaplin hizo como actor y co director: "Charlott falso dentista" y "Charlott camarero". Por último, los que realizó como director y actor como "Charlott en el balneario" y "Charlot inmigrante". (*)

EL PIANO ( N. Zelanda, 1993 ) Jean Campion

Dirección: Jane Campion/ Guión: Jane Campion/ M·sica: Michael Nyman/ Director de Fotografía: Stuart Dryburgh/ Decorados: Andrew McAlpine/ Ediciµn: Veronika Jenet/ Vestuario: Janet Patterson/ Producción: Jan Chapman, CIBY 200, con la ayuda de "The Australianj film comission" y "The south Wales film and television office"/ intérpretes: Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill, Anna Paquin, Kerry Walker y Genevieve Lemon.

Una mujer muda es enviada, junto a su hija, a una isla en los mares del sur para casarse con un comerciante. El matrimonio, arreglado por su familia, se desmorona, debido a que el comerciante es de trato difícil y vende el piano de la mujer a un hombre sin educación, pero sensible, al cual la mujer debe dar clases de música, surgiendo entre ellos un romance que desatará la violencia del comerciante.
Ganadora de tres premios Oscar (mejor actriz: Holly Hunter; mejor actriz secundaria: Anna Paquin; mejor guión original: Jane Campion) "El Piano" no sólo es la muestra del trabajo de una directora (Campion) heredera de las grandes realizadoras de antaño como la pionera Alice Guy y Germaine Dullac, iniciadora de la vanguardia francesa, sino también porque la revela al gran público, como lo que es: una gran artista de las imágenes en movimiento.(*)

EL ANGEL AZUL (Alemania, 1930) Josef Von Sternberg

Director: Josef Von Sternberg / Guión: Josef Von Sternberg, Carl Zuckmayer, Karl Vollmoeller y Robert Liebman, sobre la novela "Professor Unrat", de Heinrrich Mann/ Fotografía: G_nther Rittau y Hans Schneeberger / Música: Friederich Hollaender/ Producción: UFA, Alemania, 1930 / intérpretes: Emil Jannings, Marlene Dietrich, Hans Albers, Kurt Gerron, Rosa Valetti y Eduard Von Winterstein.

El profesor Rath asiste al cabaret "El Ángel Azul" donde pretende sorprender a sus alumnos, sin embargo, lo que encuentra son los encantos de Lola Lola, una cantante que lo seduce. El profesor inicia así, un viaje a la degradación moral: abandona sus clases, se casa con la cantante y viaja por el mundo con la compañía de Cabaret.
Basada en una novela de Heinrich Mann, "El Ángel Azul" es la primera película sonora alemana que tiene importancia, debido, desde luego, a la presencia de Marlene Dietrich. "Venga a ver el escándalo" , así se anunciaba en San Luis la proyección de la cinta que catapultó a la Dietrich a Hollywood donde se hizo famosa por el cautivador baile en el que muestra sus piernas, por su sombrero de copa y su envolvente voz ronca. (*)

EL CORAZÆN DE LA NOCHE (México, 1983) Jaime Humberto Hermosillo

Dirección: Jaime Humberto Hermosillo /Guión: J.H.H. y José de la Colina, sobre un argumento de J. de la Colina /Fotografía: Gabriel Figueroa / M·sica: Joaquøn Gutiérrez / Interpretes: Pedro Armendariz (el ciego), Jorge Balzaretti ( el muchacho), Marcela Camacho ( la muchacha ), Luis Rábago (el desorejado), Marøa Rojo (intérprete), Manuel Ojeda (señor Leyva).

Una joven sordomuda que vive y tiene relaciones carnales con un ciego mucho mayor que ella, atrae irremisiblemente a un temido instructor de manejo a un submundo extraño, alucinante, poblado por todos aquellos seres cuyas mutilaciones, impedimentos o diferencias físicas, los han convertido en rechazados de la sociedad normal.
La relación entre ambos jóvenes es violenta, es una fascinación invencible e irracional, un amor loco. la joven cerca, provoca y seduce al muchacho, lo conduce al bosque a punta de pistola, lo hiere con un cuchillo. Cuando hacen el amor sobre unos diarios desparramados -en la mejor secuencia del filme- el ciego los descubre y tras encarnizada lucha (la escalofriante vulnerabilidad de los cuerpos desnudos, amenazados por el estilete del ciego) cae por una ventana. La cofradía de minusválidos de la que el ciego era principal guía (antes era una oscura ¿desbandada de humillados¿) se consagra a la persecución de la pareja ¿homicida¿para someterla a juicio. el veredicto es terminante, la separación o bien el perdón sólo si el joven se decide a ser como ellos.
¿El corazón de la noche¿ podría ser una película fallida, pero este supuesto fracaso de Hermosillo debe colocarse en un justo límite, esto es, dentro de una filmografía que cuenta ya con muy buenas obras y dentro de un panorama cinematográfico nacional que sólo mueve, en su abrumadora mayoría, a la indiferencia o a la indignación. (***)

EL CIUDADANO KANE (1941) Orson Welles

Director: Orson Welles/ Guión: Orson Welles, Herman J Mankiewicz, en colaboración con Joseph Cotten y John Houseman/ Fotografía: Gregg Toland y Harry Wild/ Música: Bernard Herman/ ^Producción: Richard Baer y Orson Welles/ intérpretes: Orson Welles, Joseph Cotten, Agnes Moorehead y Doroty Conmigore

"Rosebud...Rosebud", susurra en su lecho de muerte el poderoso magnate de la prensa y político Charles Foster Kane. La misteriosa palabra despierta la curiosidad en un productor de noticieros para cine que ordena a un reportero que investigue su significado. De esta manera comenzamos a conocer as Kane y a las personas que rodearon su vida.
Narrada con maestría, "El ciudadano" -como se le conoce entre cinéfilos- es una obra maestra del cine mundial que inauguró una nueva forma de ver las imágenes en movimiento y que impulsó, sin duda, una nueva narrativa. Asimismo, es considerada como una de las más grandes películas de la historia: para la mayoría de los críticos es la número uno, para algunos pocos es la número dos.
""En El Ciudadano Kane de Orson Welles el cine encuentra su fecha límite: de aquí en adelante el cine será A.W. o D.W., es decir antes de Welles y después de Welles".

- Guillermo Cabrera Infante, escritor cubano.

""Sin Welles no habría existido El Ciudadano Kane y sin El Ciudadano Kane no existiría el actual cine norteamericano".(*)

EL HALCON Maltés (1941) John Huston

Dirección: John Huston/ Guión: J. Huston/ Producción: Warner Brothers/ intérpretes: Humprey Bogart, Peter Lorre, Mary Astor, Sydney Greenstreet.

"En el Halcµn maltés el espectador no sabe qué va a ocurrir el minuto próximo: a veces, es una nadería llena de humor, otras una catástrofe mortal..."

-G. Caøn, crítico de cine cubano

Basada en una novela de Dashiell Hammett, el filme representa también el debut de uno de los grandes cineastas norteamericanos: John Huston que elaboró una intrincada trama alrededor de una estatuilla que representa a un halcón maltés. Muestra de cine negro y conformación de uno de los iconos del cine estadounidense: el del detective con gabardina y sombrero de ala ancha interpretado por Humprey Bogart.(*)

"EL LUGAR SIN LIMITES¿ (1977) Arturo Ripstein

Dirección: P. Leduc/ Guión: Arturo Ripstein sobre la novela de José Donoso/ Fotografía: Miguel Garzón / Producción: Conacite 2 / Ediciµn: Francisco Chiu / intérpretes: Lucha Villa, Roberto Cobo, Ana Martín, Carmen Salinas, Gonzalo Vega, Fernando soler, Emma Roldán y Julián Pastor.

después de realizar varios documentales entre ellos ¿Lecumberri¿, Ripstein volvió al cine de ficción con esta lograda adaptación de una novela del escritor chileno José donoso. La trama es ubicada en un pueblo mexicano y culmina con el enfrentamiento en un burdel entre un ¿macho¿ (Vega) y un homosexual (Cobo). ¿El lugar sin Límites¿ ganó los Arieles a la mejor película, mejor dirección, mejor actuación masculina y obtuvo además el premio especial del jurado de San Sebastián, España (1978) y el premio al mejor actor (Cobo) en el festival de Cartagena, Colombia (1979). (***)

EL IMPERIO DE LA FORTUNA (1986) Arturo Ripstein

Dirección: Arturo Ripstein/ Guión: Arturo Ripstein y Paz Alicia García Diego, sobre el argumento de Juan Rulfo para ¿El Gallo de Oro¿ / Fotografía: Ùngel Goded / M·sica: Lucía Álvarez / Ediciµn: Carlos Savage / intérpretes: Ernesto Gómez Cruz, Blanca Guerra, Alejandro Parodí, Zaide Silvia Gutiérrez.

Para el pregonero Dionisio Pinzµn (Ernesto Gómez Cruz), la rueda de la fortuna se echa a rodar en el momento en que es contratado para animar las peleas de gallos en su pueblo. Rápida y simultáneamente, tiene lugar la muerte de su madre (que significa la ruptura con una vida miserable y sin atractivo) y la aparición casi divina, del gallo de oro (apertura hacia un futuro promisorio de Éxitos y dinero). Sin embargo, poco más de dos horas de película serán suficientes para que Ripstein acabe con todas las ilusiones del protagonista: la rueda de la fortuna gira, efectivamente, en un circulo, haciendo que los bienes materiales pasen de un porcentaje a otro sin modificar su universo estrecho y limitado.

EL RIO Y LA MUERTE (México, 1954)

Dirección: Luis Buñuel/ Guión: Luis Buñuel y Luis Alcoriza/ Fotografía: Raúl Martínez Solares/ intérpretes: Columba Domønguez, Miguel Torruco, Joaquøn Cordero.

En un pueblo de provincia junto a un río reina la violencia y ni siquiera el ejército ha logrado contenerla. Las muertes se multiplican y sólo hasta el final es que los nietos de los primeros muertos logran la paz haciendose amigos.

"EL AGUILA DESCALZA" ( 1969) Alfonso Arau

Director: Alfonso Arau/ Guión: Arau, Emilio Carballido, Héctor Ortega y Pancho Córdoba /intérpretes: A. Arau., Ofelia Medina, Christa Linder, José Gálvez, Eva Muller, Virma González, Roberto Cobo, Héctor Ortega, Pancho Córdoba, Ernesto Gómez Cruz, Eduardo Rojas y Beto el boticario.

Divertida película, en la que el director de ¿Como Agua para Chocolate¿ hace su debut cinematográfico. En ella Arau da vida a dos personajes distintos: el de Poncho, obrero que se disfraza como el ¿Águila Descalza¿, una especie de Supermán de los pobres (con todo y su camiseta de las chivas del Guadalajara) y el de Jonathan Eaglepass Mascalzzone, un gángster extranjero. (***)

EL PAISAJE Después DE LA BATALLA (Polonia, 1970) A. Wajda

Dirección: Andrzej Wajda; guión: Andrzej Wajda y Andrzej Brzozowski, sobre relatos de Tadeusz Borowski; fotografía en color: Zygmunt Samosiuk; música: Zygmunt Konieczny, Antonio Vivaldi y Frederich Chopin; edición: Halina Prugar; producción: Barbara Pec-Sleisiecka, Grupo Wektor-Film Polski; Polonia, 1970; duración: 109 min; intérpretes: Daniel Olbrychski, Stalislawa Celinska, Tadeusz Janczar, Mieczyslaw Stoor, Zygmunt Malanowicz, Leszek Drogosz.

En 1945, los sobrevivientes de un campo de concentración esperan el momento de ser repatriados a su natal Polonia. Dos jóvenes, miembros del grupo, mantienen relaciones amorosas entretanto. La joven judía es asesinada accidentalemente por un guardia norteamericano.
La primer cinta en que Wajda se basa en un texto literario polaco, adapta los cuentos escritos por Tadeusz Borowski sobreviviente de Auschwitz, quien se suicidó en 1959 a la edad de 29 años.
El lirismo y los colores tenues son el marco en que una reflexión brutal sobre lo humano se desprende de una tierna historia de amor. (****)

ESE OBSCURO OBJETO DEL DESEO (Francia, 1977)

Dirección: Luis Buñuel/ Guión: Luis Buñuel y Jean-Claude Carriere/ intérpretes: Fernando Rey, Angela Molina, Andre Weber, Carole Bouquet y Julien Bertheau.

"Ese obscuro objeto del deseo", una cinta cuya trama se basa en la fuerte obsesiµn sexual que siente un hombre maduro hacia una jovencita. Una odisea pasional que es presentada con pasmosa originalidad por la imaginativa creatividad del genio de Luis Buñuel.

"El cine parece haberse inventado para expresar la vida del subconsciente"

-Luis Buñuel

FRESAS SILVESTRES ( Suecia, 1958 ) Ingmar Bergman

Director: Ingmar Bergman/ Guión: Ingmar Bergman/ Fotografía: Gunnar Fischer/ Música: Erik Nordgren/ Producción: Allan Ekelund/ intérpretes: Victor Sjostrom, Bibi Anderson, Ingrid Thulin, Max Von Sydow y Julian Kindhal.

El profesor Isak Borg conduce su automóvil desde Estocolmo a su ciudad natal, donde recibirá un doctorado Honoris Causa. Durante el trayecto en el que es acompañado por su nuera. El trayecto se convierte para el profesor Borg en un viaje de reflexión sobre su pasado, pero también sobre su presente lleno de soledad, en el que la muerte y una extraña pesadilla lo acosan constantemente.

CLAVES: Reflexión sobre un ser humano solitario en medio de un mundo expresado metafóricamente a través de símbolos, para que podamos comprender mejor nuestra propia humanidad.(*)

FRIDA, NATURALEZA VIVA (México, 1984) Paul Leduc

Dirección: Paul Leduc / Guión: José Joaquøn Blanco y Paul Leduc / Fotografía: Ùngel Goded / Producción: Clasa Films Mundiales / Ediciµn: Rafael Castañeda/ intérpretes: Ofelia Medina, Juan José Gurrola, Salvador Sánchez, Max Kerlow, Claudio Brock, Cecilia Toussaint, Valentina Leduc, Margarita Sanz.

En su primer intento de narrar una historia sólo mediante imágenes, Paul Leduc recurre al lenguaje fílmico esencial y prescinde del lenguaje hablado, más no del sonido, que une a imágenes con astucia. Frida, Naturaleza Viva, es un fragmentado mosaico fílmico no lineal, con mezcla de tiempos, espacios, sueños, realidad, obra y vida. Punto de partida (aunque el film no se lo propone) de la ¿fridomanía¿, que ya ahora alcanza niveles demenciales. Aquí se propone la desmitificación y se busca la esencia de Frida Kahlo y Diego Rivera, la pareja más fotogénica del México artístico contemporáneo. Se destruyen unos mitos, pero inevitablemente se construyen otros, pero la imagen incide felizmente en lo gozoso, caótico, exuberante, sexual -en todos los sentidos- sagrados y auténticos. La cinta muestra a dos seres -Kahlo y Rivera- que se complementan y que se explican, a pesar de todo, el uno sólo en función del otro.
El punto central de la película es el trabajo actoral de Ofelia Medina que lleva a cabo una interpretación casi perfecta, como una Frida cinematográfica revivida, llena de angustia, sexualidad, creatividad, ambigüedad, apetitos y una extraña belleza, la cual incluye un bigote. Frida es una cinta importante, una de las más bellas y emotivas realizadas por el cine mexicano.

JULIETA DE LOS ESPIRITUS (Italia, 1965) Federico Fellini

Dirección: Federico Fellini; guión: Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli y Brunello Rondi; fotografía en color: Gianni di Venanzi; música: Nino Rota; Ediciµn: Ruggero Mastroianni; producción: Angelo Rizzoli, Federiz-Francoriz; Italia-Francia, 1965; duración: 145 min.; intérpretes: Giullirtta Masina, Mario Pisu, Caterina Boratto, Lou Gilbert, Valentina Cortese, Silvana jachino, Sandra Milo.

Giulietta, una mujer casada, siente que su ordenado mundo, poblado de miedos y fantasías subconscientes, se desmorona cuando descubre la infidelidad de su marido y su deseo de abandonarla; sin embargo, a la larga termina resignándose y resuelve encarar su existencia sin las trabas psicológicas del pasado y con nuevas ilusiones.
Este es el tercer filme rodado por Fellini con su esposa Giulietta Masina en el papel protagonico (los otros dos son La dulce vida y 8 1/2). En este caso, el argumento básico es mucho más sencillo que los anteriores, pero el trabajo artístico y fotográfico, y la utilización expresiva del color para presentar un universo de fantasías espectaculares lo coloca entre las obras más fascinantes del polémico director.(****)

KANAL

Dirección: Andrzej Wajda; guión: Jerzy Stefan Stawinski; fotografía en blanco y negro: Jerzy Lipman; edición: Halina Nawrocka; música: Jan Krenz; producción: Film Polski, Polonia, 1957; duración: 94 min.; intérpretes: Teresa Izewska, Tadeusz Janczar, Wienczyslaw Glinski, Emil Karewicz.

Este es un film antibélico que muestra la Varsovia de 1944, Época en la que los nazis intentaban tomar la ciudad con sus violentos ataques. Una compañía del ejército polaco decide tomar la alternativa y escapa por los drenajes para atacar a sus enemigos en condiciones más favorables. Al viajar dentro de los canales del desagüe, entre gases y substancias malolientes, podemos ver una clara referencia a la condición humana imperante en aquel tiempo, y una confirmación de lo nocivo de la guerra. La importancia del tema y el impacto de las imágenes de este film propiciaron el inicio del nuevo cine polaco. (****)

LA época DE ORO DEL CINE MEXICANO (México, documental) Alejandro Pelayo

Debido a la segunda guerra mundial, el cine mexicano pudo tener un mercado amplio en los países de centro y Sudamérica, lo que consolidó a nuestras grandes y adoradas estrellas -que hoy no tenemos- como Pedro Infante, Pedro Armendariz, Marøa Félix, Sara García, Jorge Negrete, Cantinflas, Dolores del Río y los hermanos Soler. Es en esta Época, ( los años cuarentas ) que las compañías productoras de Hollywood disminuyen al mínimo la realización de películas. Esto que permite que en México y en toda América Latina se proyecten solamente cintas mexicanas -en Argentina, la otra gran industria latinoamericana, la producción también se reduce- lo que ayuda a la creación de un "Banco Cinematográfico" mediante el cual se financian los proyectos de los directores mexicanos, entre los cuales destacan Alejandro Galindo, Emilio Fernßndez, Julio Bracho y Roberto Gavaldón. Durante este período también se establece una estrategia de exhibición y distribución y un consabido sistema de estrellas en el que destacan los actores que ya hemos mencionado. Al final de la década llega Luis Buñuel quien da un último respiro a una Época que está muy lejos de repetirse. (*)

LOS OLVIDADOS (México, 1950)

Dirección: Luis Buñuel/ Producción: Oscar Dancigers/ Guión: Luis Buñuel y Luis Alcoriza/ Fotógrafo: Gabriel Figueroa/ Editor: Carlos Savage/ Música: Gustavo Pittaluga/ Director musical: Rodolfo Halffter/ Decorador de escenarios: Edward Fitzgerald/ intérpretes: Estela Inda, Alfonso Mejía, Roberto Cobo, Jesús Navarro, Miguel Inclán y Alma Fuentes

Acercamiento a la miseria y al desasosiego que provoca, sobre todo, en los jóvenes, que además de sufrir la carencia de educación y el hambre, deben aceptar un destino trágico, volviéndose criminales, soportando trabajos injustos o siendo acosados por pederastas.
La comentarista de cine norteamericana Pauline Kael dice de "Los olvidados" que es la cinta mas terrorífica sobre el tema de la delincuencia juvenil que jamás haya visto. Probablemente lo sea, pero lo cierto es que, pese a ser una de las mejores películas de Buñuel, también es una de las más atacadas, tanto por el ala reaccionaria del cine mexicano de aquella Época (Jorge Negrete recriminó a Buñuel por creer que la cinta era un insulto para México, que, de ninguna manera, lucía como en el film) como por los teóricos del cine europeos, de la talla del francés Georges Sadoul, quién adujo que se apegaba a los intereses del estado, debido a que en una secuencia, el director de un orfanatorio menciona que los responsables de tanta degradación juvenil, son los padres que no se responsabilizan de los niños que traen al mundo.
De cualquier manera, "Los Olvidados" es una de las grandes películas de Buñuel, considerada por los críticos mexicanos como uno de los mejores filmes de la historia de la cinematografía mundial. (*)

LA VIA LACTEA (Francia, 1969)

Dirección: Luis buñuel/ Guión: Luis Buñuel y Jean-Claude Carriere/ Música: Luis Buñuel/ Edición: Louisette Hautecceur/ Fotografía: Christian Matras/ intérpretes: Paul Frankeure, Laurent Terzieff, Edith Scob y Bernard Verley.

Herética, divertida y obsesionante "La Vía láctea" es una de las cintas más conocidas del genial Luis Buñuel. Tomando como pretexto la peregrinación religiosa que dos hombres realizan a través de Francia, Buñuel crea una odisea formada a base de humor, visiones surrealistas y metáforas muy al estilo de este brillante cineasta español.

LA PRODUCCIÆN DE CONACINE (México, documental) Alejandro Pelayo

En 1973 se creó la Corporación Nacional Cinematográfica, S.A. (Conacine) empresa filial al Banco Cinematográfico Nacional que se encargaría de la producción de películas, la coproducción de filmes nacionales o extranjeros, con trabajadores de la industria nacional o con empresas privadas. Esto representó, en su momento un impulso, efímero, pero gratificante, para el cine mexicano. (*)

LOS GITANOS VAN AL CIELO (Rusia, 1975) Emil Lontianu

Producción: Moldovofilm, URSS; Dirección y Guión: E. Lontianu ; Fotografía: Sergei Vronski Música: Eugene Doga ; Ediciµn: Felix Yasiukevechich ; intérpretes: Grigori Grigori y Svetlana Toma.

Este film ambientado entre las tribus gitanas de Moldavia, en los inicios del siglo veinte, cuenta la epopeya de un ladrón de caballos llamado Sobar. El joven, herido por sus perseguidores, es curado por polvos de la luna por una bella gitana, Rada, hija de l jefe de una tribu. A pesar de las advertencias y los presagios, Sobar se enamora de la muchacha y para ella roba un bello caballo blanco. Es detenido, consigue huir y vive una romántica noche de amor con la gitana, después de la cual ambos se entregan a la muerte.
Los gitanos van al cielo es una bella cinta en la que el cineasta Emil Lontianu consigue presentar en toda plenitud el folklore gitano. El cuento original de Máximo Gorki es el punto de partida para un film, fundamentalmente contemplativo. El director se detiene a observar las flores, la acción del viento en la naturaleza y a los seres humanos que viven la historia de una pasión amorosa condenada al fracaso por la mutua necesidad de libertad de la pareja. (***)

LA BATALLA DE ARGEL (Italia, 1966) Gillio Pontecorvo

Dirección: Gillio Pontecorvo/ Guión: Franco Solinas, basado en el argumento de F. Solinas y G. Pontecorvo / Fotografía: Marcello Gatti / M·sica: Enio Morricone y Pontecorvo / Ediciµn: Mario Serandrei y Mario Morra / Producción: Igor Film y Casbah Films / intérpretes: Brahim Haggiag, Yacef Saadi, Jean Martin, Mohamed Ben Kassen, Fusia El Kader, MichÕle Kerbash, Tommaso Neri, Franco Morici, el niño Omar y Ugo Paletti.

A través de la historia de Ali La Pointe, Gillio Pontecorvo nos cuenta toda la lucha por el control de la Casbah de Argel, al comienzo de la guerra de independencia entre esa nación y Francia. Esta notable reconstrucción histórica, filmada en el lugar de los hechos, resulta de una objetividad raramente manifestada, por ejemplo, en el cine francés, cuando Éste tocó el tema. (*)

LA AMANTE DE MI MUJER (Francia, 1995)

Después de realizar estudios de arte dramático, entra en la compañía del "Splendid" en 1975. Muy pronto participa en la elaboración de piezas y escribe varios guiones para el cine: "Retour en Force" (Jean-Marie PoirÕ, 1980), "El año próximo si todo va bien" (Jean-Loup Hubert, 1981). Es gracias a su participación como actriz y guionista en "Los hombres las prefieren gordas" (J.M. PoirÕ, 1981) que Baslasko impone su personaje de antisex-symbol regordete, socarrón y devastador, con la réplica y la emoción siempre listas. Continúa escribiendo y actuando para el teatro, participa en las adaptaciones de sus obras al cine y, en 1985, se inicia en la dirección (sin convencer a la crítica) con "Sac de noeuds"; en 1987, filma su segunda película: "Les Keufs", donde ella interpreta a una prostituta que colabora con la policía. (*****)

LOS AMORES DE UNA RUBIA (1969, Checoslovaquia) Milos Forman

Director: Milos Forman/ Fotografía: Miroslav Ondricek/ Guión: Ivan Passer/ intérpretes: Hana Brejchova,Josef Sebanek, Vladimir Pucholt, Jan Vostrell y Vladimir Mensik.

Dulce y conmovedora historia sobre una idealista obrera -interpretada por Brejchova- de una fábrica de zapatos que termina perdidamente enamorada de un pianista, luego de pasar la noche con él. "Los Amores de una rubia" es una comedia-drama muy agradable que, además de entretenida, es reveladora del espíritu humano. (*)

"LA VISPERA" (1982) Alejandro Pelayo

Director: Alejandro Pelayo / Producción: Cine Códice S.A., Difusión Profesional S.A. y Cooperativa Río Mixcoac / Fotografía: Federico Weingartshofer / M·sica: Ricardo Pérez y José Amozurrutia / intérpretes: Ernesto Gómez Cruz, Marøa Rojo, Alfredo Sevilla.

Un día antes de la toma de posesión del nuevo presidente de la República, el ingeniero Manuel Miranda espera, en compañía de algunos familiares y colaboradores cercanos, el llamado que lo confirmara como secretario de estado. La espera, para el ingeniero Miranda, ha sido larga, ya que desde hace doce años, cuando fue ministro en la administración del licenciado Adolfo López Mateos, no se ha vuelto a integrar a la vida pública.
Reflexión sobre el poder, ¿La víspera el debut como largometrajista de Alejandro Pelayo, creador de la famosa serie documental “Los que hicieron nuestro cine”. (***)

"LOS CAIFANES" (1966) Juan Ibañez

Director: Juan Ibañez / Producción: Cinematografía Marte y Estudios América / Fotografía: Fernando Colon/ Guión: Carlos Fuentes y Juan Ibañez /Música: Mariano BallestÕ y Fernando Vilches / intérpretes: Julissa, Enrique Alvarez Félix, Sergio Jiménez, Oscar Cháves, Ernesto Gómez Cruz, Eduardo López Rojas y Carlos Monsivaís.

Después de una fiesta, una pareja de jóvenes, ella una muchacha de sociedad y él, un rico arquitecto, se refugian de una lluvia torrencial en un coche, propiedad de un tipo al que apodan el Capitán Gato. El y sus compas: el estilos, el Azteca y el masacote invitan a los riquillos a una noche de juerga. en el itinerario, la muchacha cambia de actitud hacía la vida y rompe con el arquitecto.
Exhibida profusamente en el extranjero, la película de Ibañez logró muy buenos comentarios por parte de la crítica, sobre todo por la presencia de Carlos Fuentes en la concepción del guión. La cinta también colocó a sus actores como primeras figuras del cine nacional. (***)

"LOS INUNDADOS" ( Argentina, 1962) Fernando Birri

Dirección: Fernando Birri/ Guión: Fernando Birri y Jorge Alberto Ferrando, sobre un cuento de Mateo Booz/ Actores: Pirucho Gómez, Lola Palombo, Marøa Vera, Héctor Palavecino, Julio Omar González.

Los inundados es una mirada a la vida de los sectores populares de la ciudad de Santa Fe, en Argentina, a través de la familia Gaytán, que sobrevive en un ambiente de pobreza. aunque es un film argumental, tiene una base documental, en el que se reflexiona sobre la marginalidad. La cinta misma es marginal, sus intérpretes y la forma en que se produje es marginal, pero no está exenta del humor y la picardía de la picaresca española de la cual desciende el cuento en el que está basada.

Fernando Birri (1925, Santa Fe, Argentina)

Es considerado el precursor del llamado " Nuevo Cine Norteamericano". Estudiante del "Centro Sperimentale di Cinematografía" de Roma, aprendió colaborando con Vittorio De Sica. Su película "Tire DiÕ" es catalogada como la primera cinta latinoamericana de orden social. El director argentino, nacido en 1925, es creador de la Escuela Documental de la Universidad del Litoral, de Santa Fe, Argentina. (*)

LO QUE EL VIENTO SE LLEVO (1939) Victor Fleming

Dirección: Victor Fleming/ Productor: David Selznick/ Producción: Selznick Internacional/Guión: Sidney Howard, basado en la novela homónima de Margaret Mitchell/ Fotografía: Ernest Haller/ Música: Max Steiner/ Montaje: Hal C. Kern/ Vestuario: Walter Plunkett/ Decorados: Joseph B. Platt/ Director de la segunda unidad: R. Eason/ intérpretes: Clark Gable, Vivien Leigh, Leslie Howard, Olivia De Havilland.

"Jamás volverá a filmarse una película como esta", afirma el historiador de cine español Juan Tejero y tiene razón:
Para su realización, el promotor de la cinta, David Selznick trabajo durante tres años y tuvo que echar mano de cinco directores -Geroge Cukor, Sam Wood, entre otros que no soportaron la presión de trabajar con Selznick- , tres operadores y un sinfín de guionistas, como el mismo Scott Fitzgerald.
No obstante las imágenes sorprendentes, los enormes recursos de producción, los efectos especiales y la magistral actuación de Vivien Leigh que ganó el papel de Scarlett O’ Hara a mil cuatrocientas aspirantes, "Lo que el viento se Hara" es una alabanza al racismo. Sin embargo es importante en la historia del cine norteamericano, no sólo por la taquilla recaudada, sino por la perseverancia de un equipo fílmico, comandado por Selznick, que terminó la película de naturaleza titánica pese a los numerosos problemas ocurridos durante la filiación.

Algunas cifras de la cinta describen la labor que puso en sus espaldas Selznick, de quien, dice, es el verdadero director de la película:

El costo total del film fue de $5.250.000 de dólares, cifra récord para aquella Época; para su preparación "Lo que el viento..." necesitó de 250.000 horas; hubo necesidad de utilizar 59 actores con diálogo y a casi 2500 extras; la secuencia del incendio de la ciudad de Atlanta tardó quince días y once noches; En Inglaterra, la película duró cuatro años en exhibición, mientras en Francia se pudo ver hasta 1950 debido a que Hitler la prohibió. El mismo Hitler vio "Lo que el viento se llevó" varias veces en proyecciones privadas debido a que los nazis requisaron el film en un puerto francés. De acuerdo a las cifras oficiales, se filmaron 150 kilómetros de película virgen, pero sólo se positivaron 53 y ya en el montaje final se utilizaron 6.760 metros, equivalentes a 222 minutos.
La película ganó ocho premios Oscar pero su mayor logro artístico fue el eficaz uso del color para enfatizar el drama de los actores. Lo anterior fue logrado por el diseñador de la producción, William Cameron Menzies. Sin olvidar, claro, la excelente actuación de Vivien Leigh. (*)

LA BODA

Dirección: Andrzej Wajda; guión: Adrej Kilojowski; fotografía en color: Witold Sobocinski; música: Tadeusz Wybult, Maciej Putowski; producción: Film Polski/Plan Film Unit. Polonia, 1972; duración: 115 min.; intérpretes: Daniel Olbrychski, Ewa Zietk, Wojciech Psozoniak, Andrzej Lapicki, Franciszek Pieczka. Maja Komorowska.

Stanislaw Wyspianski es un arista a la medida de Jean Cocteau, polifacetco al igual que Éste: poeta, pintor, dramaturgo. En Polonia ha sido, sin duda, el último representante de la variada riqueza de los genios del Quattrocento. La acción se sitúa en las fronteras de la Polonia desmembrada de ese entonces, entre Austria y Rusia, en un pueblo donde se está celebrando el matrimonio de un conocido artista de Cracovia con la hija de unos campesinos. Un matrimonio desigual y un escándalo desde un punto de vista y la moral predominante de la Época.
En términos cinematográficos, principalemente por la puesta en escena y el montaje, La Boda es una de las obras más interesantes de Wajda. (****)

LA MISION (Gran Bretaña 1986) Roland Joffe

Dirección: Roland Joffe/ Producción: Fernando Ghia y David Puttnam/ Guión: Robert Bolt/ M·sica: Ennio Morricone/ Fotografía: Chris Menges/ intérpretes: Robert De Niro, Jeremy Irons,Ray McAnally,
Aidan Quinn, Cherie Lunghi, Liamm Nesson y Ronald Pickup.

En la selva amazónica, dos grandes potencias compiten por las tierras de los indígenas y por convertir a Éstos en esclavos, pero existe otra fuerza, la de los misioneros jesuitas que intentan establecer una misión, donde los indios estén fuera del alcance de los esclavizadores españoles y portugueses.
Fotografiada con maestría por Chris Meneges (que ganó el Oscar) ¿La Misión¿ es importante no sólo por el duelo de actuación que protagonizan Robert De Niro y Jeremy Irons, sino también por el testimonio histórico que presenta.(*)

EL HUEVO DE LA SERPIENTE (1977) Ingmar Bergman

Director: Ingmar Bergman/ Producción: Rialto Films-Dino de Laurentis, Suecia-E.U./ Fotografía: Sven Nykvist/ intérpretes: Liv Ullmann, David Carradine, Gert Frobe.

Ingmar Bergman -un gran maestro del cine contemporáneo- supo reconstruir un mundo de posguerra, desquiciante, inflacionario, anárquico: Microcosmos explosivo, cargado de monstruos en gestación y de nefastas premoniciones, exactamente como el huevo de la serpiente: antiparaíso sombrío, desprovisto de delicias, por cuyos oscuros senderos señoreados por el hambre y la violencia, transita una nueva pareja primigenia, un Adán (David Carradine) y Manuela Rosenberg (Liv Ullmann) que como antaño simbolizan a la humanidad doliente.
Intensa; electrizante reconstrucción creada por Bergman de aquel mundo lejano que jamás abandonará la memoria colectiva, pues entre sus muros se gestó un "nuevo terror" hasta entonces desconocido. (*)

LA TIERRA DE LA GRAN PROMESA

Dirección y guión: Andrzej Wajda; fotografía en color: Witold Sobocinski, Waciaw Dybowski, Eduard Klosinski; música: Wojciech Kilar; edición: Halina Prugar; producción: Film Polski. Polonia, 1974; duración: 178 min.; intérpretes: Daniel Olbrychscki, Wojciech Pszoniak, Anna Nehrebecka, Andrzej Seweryn.

Tres industriales que representan diferente grupos Étnicos en Polonia -un polaco (Olbrychski), un alemán (Seweryn) y un judío (Pszoniak), construyeron una fábrica textil en la ciudad de Lodz. Sin embargo comienzan a tener problemas por el exceso de trabajo y el mal pago a los trabajadores. Basada en una novela de Wladyslav Reymont, La Tierra Prometida, representa vivamente una sociedad en Época de cambio. La representación de un judío despiadado causó el escándalo de algunos grupos judíos en Estados Unidos quienes acusaron el film equivocadamente, de antisemita. (****)

LOS ABEDULES

Dirección: Andrzej Wajda; guión: Jaroslaw Iwaszkienwics; fotografía en color: Zygmunt Samosiuk; música: Andrzej Korzynski; producción: Tor/Zespoly/Filmowe, Polonia, 1970; duración: 99 min.; intérpretes: Olgierd Lukaszewicz, Daniel Olbrychski, Emilia Krakowska, Marek Perepczko, Jan Domanski.

En los comienzos de los años treinta el tuberculoso Stanislaw regresa a Polonia después de haber estado en Suiza. Llega a vivir con su saludable aunque áspero hermano que trabaja de guardabosques. Aquí vuelve a conocer lo que es vivir; conforme pasa el tiempo, Stanislaw se gana el amor de una campesina a quien su hermano secretamente pretende. Forzado por la censura detrás de la puerta, Wajda regresa a la literatura no política. Este film está basado en la novela homónima de Jaroslaw Iwaszkiewicz quien también se encargó de hacer el guión. La mirada general del film deriva de las pinturas del nouveau art Polaco, mientras que la dirección de Wadja es simple e inteligente. (****)

LUCES DE VARIEDAD (Italia, 1950) Federico Fellini

Dirección: Alberto Lattuda y Federico Fellini; guión: Federico Fellini; fotografía en blanc y negro: Otello Martelli; música: Felice Lattuada; Ediciµn: Mario Bonotti; producción: Film Capitolium Italia, 1950; duración: 94 min.; intérpretes: Peppino de Filippo, Carla Del Paggio, Giulietta Masina, John Kitzmiller.

Una joven loca por el teatro Carla Del Paggio, se incorpora a una compañía de vaudeville trashumante, de medio pelo. Ella enamora al director y cómico principal De Filippo y después se va en busca de algo mejor, con un productor hechizado por sus bellas piernas, al mismo tiempo otra guapa jovencita llega a la compa±øa de vaudeville. El director y cómico principal que había abandonado la compa±øa ha sido perdonado por su mujer y los comediantes... pero ante la llegada de la jovencita, reacciona ajustando su corbata y arreglándose el saco. Una vez más, la historia está a punto de repetirse.
Fellini quien escribió en su mocedad canciones y sketches para salones de música, recrea maravillosamente el mundo y la atmósfera del teatro. (****)

LOS BAJOS FONDOS (DONZOKO) (1957)

Director: Akira Kurosawa / Reparto: Toshiro Mifune, Isuzu Yamada, Kyoko Kagawa.

Akira Kurosawa, en esta cinta, se abre a la cultura occidental y adapta la novela del escrito ruso Máximo Gorki. Relato cruel y duro de la vida en un dormitorio público que presenta una sociedad, que pese a su refinamiento cultural, mantiene vigentes la corrupción y la miseria. Anteriormente, el cineasta japonés ya había adaptado a grandes de la literatura universal como William Shakespeare en ¿Trono de Sangre¿ ( Kumonosu Jo, 1957) y Fedor Dostoiewsky en ¿El Idiota¿ (Hakuchi, 1951). (*)

LA INFANCIA DE IVAN ( URSS, 1962 ) Andrei Tarkovki

Director: Andrei Tarkovsky / Guión: Mijail Papava y Vladimir Bogolov, basado en el cuento IVAN de este último/ Fotografía: Vadim Yusov / M·sica: Viacheslav Ovchinnikov / intérpretes: Kolia Burlaiev, Valentin Zubkov, Ye Zharikov y Nikolai Grinko.

Ganadora del "León de Oro" en el XXIII Festival Internacional de cine en Venecia, 1962, "La infancia de Iván" cuenta la historia de un niño de doce años que ve destruido su mundo por la crueldad de la Segunda Guerra Mundial: su familia es asesinada y aprovechando su terrible situación es enviado como espía a territorio nazi.
Primera película de Andrei Tarkovski que ya revela a uno de los genios del cine mundial. Aunque "La Infancia de Iván" no era, propiamente, un proyecto propio ( entra en sustitución de E. Abßlov al poco tiempo de iniciado el rodaje) logra hacerlo suyo y le imprime tal vigor que el Éxito de la cinta lo impulsa para poder realizar su segundo film: Andrei Rubliov, en 1967.

LOS GIRASOLES DE RUSIA ( Italia, 1970 ) Vittorio de Sica

Director: Vittorio De Sica / intérpretes: Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Ludmilla Savelyeva y Anna Carena

Historia de una mujer que busca su amor perdido, esta obra de Vittorio De Sica, director de "Ladrón de Biciletas" (1948), representa un renovado aire a su carrera, luego de algunas obras débiles. Pero ademes, nos permite ver actuando a dos de las más grandes estrellas del cine italiano: Marcello Mastroianni y Sofía Loren, pareja artística favorita de miles de cinéfilos en todo el mundo.

LUCIA (CUBA, 1968) HUMBERTO SOLÙS

Lucía es un clásico del cine latinoamericano. Integrada por tres relatos en torno al mismo número de mujeres y las diferentes etapas históricas de Cuba en las que les toca vivir. En su primera parte, la cinta está basada en ¿Senso¿(1954) de Luchino Viscontti; la segunda se inspira en el cine estadounidense de la década de los cuarenta y el último es una mezcla entre documental y ficción.

CLAVES: Se debe tomar en cuenta el contexto social en que se plantean los tres capítulos que conforman la cinta y también es interesante observar la actuación de las tres protagonistas, que, mediante su interpretación, expresan, de alguna manera, el fenómeno social en el que se desenvuelven. (*)

MATADOR ( España, 1986) Pedro Almodóvar

Director: P. Almodóvar/ Guión: P. Almodóvar/ Producción: ¿El Deseo¿/ intérpretes: Assumpta Serna, Antonio Banderas, Nacho Martínez, Carmen Maura, Eva Cobo, Julieta Serrano y Chus Lampreave.

Comedia desparpajada llena de humor negro que narra las andanzas de Martínez, un torero en el retiro que pasa su tiempo apareciendo en ¿snuff films¿ (cintas sobre muertes reales) y ayudando a su protegido, Antonio Banderas. (*)

"MY FAMILY" (cine Chicano, 1995) Gregory Nava

Realizada en Hollywood con actores latinos en su mayoría, ¿My Family¿ es la historia de una familia de origen mexicano en los Estados Unidos. Sin embargo, lo importante de resaltar en esta cinta es su director, el chicano Gregory Nava. Nacido en 1949, no sólo es un director titulado en la Universidad de California en Los Ángeles, sino también es guionista, director de fotografía y productor.

Desde sus dos primeros filmes, Nava demostró ser un cineasta con posibilidades, al ganar el premio al mejor film de un director debutante en el Festival Fílmico de Chicago con ¿The confessions of Amans¿(1976), que escribió junto con su esposa, la También realizadora Anna Thomas.
La crítica norteamericana lo aclamó cuando estrenó su segunda película, producida con muy bajo presupuesto, titulada ¿El Norte¿(1983), historia de dos emigrantes guatemaltecos en el sur de California. Absorbido por Hollywood, su primer film es ¿A Time of Destiny¿ (1988). El interés de las cintas de Gregory Nava radica en su reflexión en torno a los emigrantes latinos en Estados Unidos, tema que toca de una manera original, pero sobre todo verídica. (*)

"María CANDELARIA" (1943) Emilio Indio Fernández

Director: Emilio Fernández / Producción: Filmes Mundiales, Agustín J. Kink / Guión: Mauricio Magdaleno y E. Fernández / Fotografía: Gabriel Figueroa / M·sica: Francisco Domønguez / Ediciµn: Gloria Shoeman/ intérpretes: Dolores del Río, Pedro Armendariz, Alberto Galán, Margarita cortés, Miguel Inclán y Beatriz Ramos.

Segundo filme de un equipo que hizo Época: Emilio Fernández, Gabriel Figueroa, Mauricio Magdaleno, Dolores del Río y Pedro Armendariz. Palma de Oro (1946) a la mejor película en el festival de Cannes, ¿Marøa Candelaria¿ es un epitome de la imaginación, talento, belleza y sensibilidad de algunos de los máximos creadores de la cultura contemporánea en México. (***)

ORIGENES DEL CINEMATÆGRAFO (México, documental) Alejandro Pelayo

Apenas siete meses después de haber sido presentado al mundo el cinematógrafo de los hermanos Lumiere ( el 28 de diciembre de 1995 ), dos de sus camarografos: Gabriel Vayre y Claude Ferdinand Bernard llegaron a México con el propósito de difundir el invento de sus patrones.
Así, la noche del 6 de agosto de 1896, en una función privada para el presidente Porfirio Díaz, su familia y los miembros de su gabinete, llevada a cabo en el castillo de Chapultepec, se presentó por vez primera uno de los inventos más importantes del siglo pasado.
A partir de esa fecha, iniciaran todas las "primeras veces" del cine en nuestro país: el primer actor, Porfirio Díaz, filmado despidiéndose de sus ministros para tomar un carruaje y la primer función de prensa, hecha por Vayre y Bernard para promocionar el invento entre la sociedad mexicana de aquél tiempo con el evidente objetivo de provocar expectación para presentar la primera función de cine en México, el domingo 16 de agosto de 1896 en un local ubicada en el segundo piso del número nueve de la calle de Plateros.
De ahí en adelante comienza el desarrollo del cine en México, con el trabajo de dos pioneros: Jesús H. Abitia y Salvador Toscano, iniciadores, aquí, del género documental. (*)

OJOS NEGROS ( Rusia-Italia, 1987 ) Nikita Mihalkov

Direcciµn: Nikita Mikhalkov/ Producciµn: Silvia D'Amico Bendico y Carlo Cucchi / Guión: Alexander Adabachian y Nikita Mikhalkov / intérpretes: Marcello Mastroianni, Silvana Mangano, Marthe Keller, Elena Sofonova, Pina Cei, Vsevolod Larionov.

Filmada en la antigua Uniµn soviética e Italia, "Ojos Negros" amalgama algunas historias de Chekhov, "ojos negros es una de esas peløculas entra±ables que uno recuerda siempre.
Marcello Mastroianni - que interpreta a un hombre que se odia a sø mismo- cuenta la historia de su desperdiciada vida: la lamentable relaciµn que tiene con su millonaria esposa, la nostalgia del amor de una bella muchacha a la que sigue a Rusia con el pretexto de abrir una fßbrica; en este punto, la historia da un vuelco y se convierte en una sßtira de la burocracia en la Rusia imperial cuando Mastroianni va de ministerio en ministerio buscando el permiso necesario para instalar su empresa. Por su actuación, Mastroianni ganó el premio al mejor actor en el Festival de Cannes, pero "Ojos Negros" tiene también como cualidad, el hecho de ser un film reflexivo, acerca de lo corto de la vida y de las consecuencias que tienen hasta el más simple de nuestros actos.(*)

"RIO, 40 GRADOS" (Brasil, 1955) Nel son Pereira Dos Santos

Dirección: Nelson Pereira Dos Santos/ Actores: Jece Valadao, Roberto Batalin, Ana Beatriz, Claudia Moreno, Antonio Novais.

Denuncia de las condiciones de subdesarrollo en las zonas urbanas de Brasil, narra la historia de cinco pequeños vendedores de cacahuates que se distribuyen por la ciudad de Río de Janeiro en busca del mejor lugar para la venta de su producto. Esta cinta es la que introduce las técnicas del neorrealismo italiano al cine carioca y es, también, la que da los primeros pasos para la creación del movimiento cinematográfico denominado "Cinema Novo", del cual destacan otras películas como "Antonio de las Muertes" , "Los fusiles de Guerra", "Dios y el diablo en la tierra" de Glauber Rocha,

Nelson Pereira Dos Santos es el que refleja mejor el Cinema Novo brasileño, porque no sólo introdujo las técnicas del neorrealismo italiano a brasil, sino también realizó "Vidas Secas" que es una de las cintas cumbres del movimiento que ayudó a formar.(**)

ROJO AMANECER (1989) Jorge Fons

Director: Jorge Fons /Producción: Valentøn Trujillo, Héctor Bonilla y Cinematografía Sol / M·sica: Karen y Eduardo Roel / Ediciµn: Sigfrido García / Guión: Xavier Robles y Guadalupe Ortega Vargas / Fotografía: Miguel Garzón / intérpretes: Héctor Bonilla, Marøa Rojo, Bruno Bichir, Eduardo Palomo, Jorge Fegan, Carlos Cardán, Martha Aura, Ademar Arau, Odiseo Bichir.

El mismo año del movimiento estudiantil y su sangrienta represión, Leobardo López Aretche realizó un valioso documental de furiosa viseralidad al que denominó ¿El Grito¿, mientras Oscar Menéndez realizó ¿México 68¿. En este sentido,¿ Rojo Amanecer ¿ puede significar para el cine nacional un parteaguas al atreverse a romper el silencio del cine industrial respecto al tema.
El guión de Xavier Robles y Guadalupe Ortega recurre al concepto dramático del espacio cerrado a fin de salvar la limitación que implica el hecho de no poder reconstruir en la pantalla los sangrientos hechos de la noche de Tlatelolco, debido a los altos costos que ello acarrearía, tanto financieros como políticos.

TRONO DE SANGRE (1957)

Dirección: Akira Kurosawa. Reparto: Toshiro Mifune, Isuzu Yamada, Minoru Chiaki, Akira Kubo, Takamaru Sasaki, Yoichi Tachikawa, Takashi Shimura.

Ambientada en el Japón medieval y basada en Macbeth de Shakespeare, ¿Trono de Sangre¿es la historia de un samurai Taketoki, que iniciado por su esposa y por el espíritu de una bruja conspira junto con su amigo Yoshiaki para asesinar al señor del castillo.

UN BUEN MOMENTO DEL CINE DOCUMENTAL (México, documental) Alejandro Pelayo

El documental no ha sido un género abordado con frecuencia por el cine mexicano, debido, desde luego, a que la gran industria no se ha interesado nunca por Él porque no representa una seguridad económica. Por supuesto hay algunas excepciones, sobre todo en el llamado documental histórico como "Memorias de Un Mexicano", montaje de las imágenes tomadas por Salvador Toscano, la obra de los pioneros Jesús H. Abitia, los hermanos Alva y Enrique Rosas, así como los trabajos de los operadores franceses Claude Bernard y Gabriel Vayre enviados por los hermanos Lumiere a México.
Otro ejemplo del cine documental se debe a la clandestinidad de Leobardo López que en 1968 realiza el documental "El Grito", sobre la matanza de Tlatelolco perpetrada por el gobierno de Díaz Ordaz el 2 de octubre de 1968.
Sorprendentemente, es durante el mandato presidencial de Luis Echeverría (uno de los responsables de la matanza de Tlatelolco) que se funda el Centro de Producción de Cortometraje, mediante el cual se realizan diversos documentales.
Sin embargo, el cine documental mexicano siempre ha estado apoyado por los realizadores independientes -tanto en lo económico como en lo ideológico- y por la Universidad Autónoma de México.
El documental de los años setenta es, pues, portador directo de la denuncia y la crítica y plantea un cambio de las estructuras sociales, económicas y políticas.
Entre los documentales destacados en este sentido, durante los años setentas, se encuentran: " Chihuahua, un pueblo en lucha" (1974); "Jornaleros" (1977) que habla de la explotación de los trabajadores del campo; "La marcha" ( 1977) sobre problemas sindicales universitarios; "Violación" ( 1980) acerca de las condiciones de la mujer en México; "Chapopote" (1980) que habla de la política petrolera y "Etnocidio: notas sobre el Mezquital" ( 1976 ) que denuncia las condiciones de explotación e injusticia de una zona indígena del estado de Hidalgo.

NOTA: Actualmente, los realizadores nacionales han optado por el vídeo -que es más barato y más práctico en cuestiones de difusión - para hacer sus documentales. Un ejemplo es el "Canal 6 de julio" que ha producido algunos y muy interesantes documentales tales como "Crónica de un fraude", "TLC: detrás de la mentira", "San Luis Potosí, Lección de dignidad", "Todos somos Marcos" , "A 25 años, México 68" y "La matanza de Aguas Blancas".

UNA NUEVA década DEL CINE MEXICANO (México, documental) Alejandro Pelayo

Pese a las grandes realizaciones que se dieron durante los años sesentas, como "Viridiana" de Buñuel o "Tlayucan" de Luis Alcoriza muchos críticos consideran a esta década como la peor del cine nacional, debido a que el ritmo de producción en la industria decayó a menos de la mitad del que había tenido durante cuarenta años. Asimismo se fabrican estrellas al vapor y tienen su auge las películas del Santo y Blue Demon. Asimismo se dan los primeros pasos hacía el cine de ficheras de los setenta con la aparición de Mauricio García y sus comedias machistas.(*)

UNA EPOCA EN RETROSPECTIVA (México, documental) Alejandro Pelayo

En los años treinta comenzó en México el fenómeno del estrellato, queriendo copiar el "sistema de estrellas" de Hollywood. Durante estos años comienzan a surgir las primeras estrellas nacionales como Lupita Tovar, protagonista de la primera película sonora de México: "Santa" (1931).
Entre las películas que hay que destacar en la década, se encuentran "La mujer del puerto", "Redes", "Janitzio" y "Vámonos con Pancho Villa", las cuales son revisadas y analizadas en este documental del realizador mexicano Alejandro Pelayo.(*)

UNA NUEVA POLITICA CINEMATOGRÙFICA (México, documental) Alejandro Pelayo

Ante la paulatina decadencia del cine mexicano, en los años sesentas se intentó hacer un cine más comprometido y que fuera, de alguna manera, el medio que reflexionara sobre la realidad de nuestro país, lo cual, desde luego, genera problemas: "La Sombra del Caudillo" de Julio Bracho es prohibida debido a que habla sobre la lucha por el poder entre los militares en 1927.
No obstante, en este año, a instancias de Manuel Barbachano Ponce, se funda
la Filmoteca de la Universidad Autónoma de México.
En estos diez años se establece el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM; se funda el grupo "Nuevo Cine" que intenta impulsar el séptimo arte nacional; brilla con luz propia el ex guionista de Luis Buñuel, Luis Alcoriza con tres espléndidas producciones como "Tlayucan", "Tiburoneros" y "Tarahumara"; Luis Buñuel filma "Viridiana" , "El Ùngel exterminador" y su última película en México, que es "Simón del Desierto"; Se convoca al Primer Concurso de Cine Experimental en donde destacan "La fórmula secreta" de Rúben Gómez y "En este pueblo no hay ladrones"; Carmen Toscano apoyada por un grupo de cineasta e intelectuales firman el acta constitutiva de la Cinemateca de México; Juan Ibañez filma "Los Caifanes", Arau "El Águila descalza" , Felipe Cazals "La manzana de la discordia", Raúl Kamffer realiza "Mictlán" y el director chileno Alejandro Jodorwsky dirige "Fando y Lis". Por último, en los sesentas comienza a funcionar la Cineteca Nacional y se publican dos libros claves sobre el cine mexicano: "La aventura del cine mexicano" de Jorge Ayala blanco e "Historia documental del cine mexicano" de Emilio García Riera. (*)

"UN TREN PARA LAS ESTRELLAS" ( Brasil, 1987)

Dirección: Carlos Diegues/ Reparto: Guilherme Fontes, Milton Goncalves, Ana Beatriz Wiligen.

Vinicius, un joven trompetista que vive en un barrio popular de Río de Janeiro, busca a su novia que ha desaparecido sin dejar huella. Ayudado por su amigo Dream, recorren los sórdidos centros nocturnos de la ciudad, así como el submundo de las favelas, tratando de encontrarla. Pero Vinicius y Dream no están solos: Freitas, un duro policía, también está averiguando su paradero.

CLAVES: La música que toca Vinicius, así como las imágenes poéticas, son ricos símbolos que conforman una metáfora sobre los desheredados de América Latina. (**)

Y SANTA HABLO... (México, documental) Alejandro Pelayo

La industria nacional comienza cuando en 1932, Antonio Moreno estrenara la primera película sonora mexicana: "Santa", adaptación de la novela de Federico Gamboa, que abre un nuevo panorama para el desarrollo del cine como industria y que consolida al mismo como espectáculo de masas. (*)

Y LA NAVE VA (Italia, 1983) Federico Fellini

Dirección: Federico Fellini; guión: Federico Fellini y Tonino Guerra; fotografía en color: Guiseppe Rotunno; música: Gianfranco Plienizio; Ediciµn: Ruggero Mastroianni; producción: Franco Cristaldi, RAI-Vides Produzione-Gaumont; Italia-Francia, 1983; duración: 128 min.; intérpretes: Freddie Jones, Barbara Jefford, Victor Poletti, Peter Cellier, Elisa Mainardi, Norma West.

Una gran soprano ha muerto y ha dejado un legado en el que pide que sus cenizas sean esparcidas en el mar Adriático. Acompañado de cenizas, a bordo del trasatlántico Gloria N., van los principales personajes del medio artístico internacional: varios cantantes de ópera, críticos, empresarios, actores y actrices, ricos admiradores de la diva, un periodista.
El filme número dieciocho de Federico Fellini narra un viaje que tiene características rituales. El director juega con una gran cantidad de personajes fascinantes y vuelve a deslumbrar con su apabullante dominio artístico y técnico. Tanto el trasatlántico como el mar, fueron construidos en los estudios de Cinecitta por los artesanos italianos y de alguna manera recuerdan las viejas fotos y grabados de comienzos de siglo.(****)

YOJIMBO (Japon, 1960) Akira Kurosawa

Dirección: Akira Kurosawa / intérpretes: Toshiro Mifune, Kamatari Fujiyama, Takashi Shimura, Seizaburo Kawazu.

Un samurai solitario, atrapado en medio de la lucha entre dos clanes enemigos, se ponse sucesivamente al servicio de cada uno de los bandos, hasta que consigue acabar con ambos grupos rivales y llevar el orden y la paz al corrompido pueblo japonés. (***)

EL PERRO ANDALUZ