CHAïM SOUTINE  (1894-1943 ) 
Biografía

Pintor expresionista, nacido en Lituania (entonces Rusia). De familia judía, siendo el décimo de once hermanos de una familia económicamente bastante pobre. Le gustaba pintar desde joven (desde los 13 años), pero su familia  quería que fuera sastre. Como continuamente  le ridiculizaban para que no pintara, se iba al bosque a pintar y sólo volvía cuando estaba hambriento.

A los 15 años (en 1909) estudia un curso de pintura. A los 16 años (en 1910) estudió arte de 3 años de duración en la Escuela de Bellas Artes de Vilna. Posteriormente, en 1913 (a los 19 años) y habiendo ahorrado algún dinero, deja Vilna y saca un billete de tren a Francia y se fue a vivir en “La Ruche” = edificio construido para Exposiciones y que luego se convirtió en un estudio de artistas. Allí estaban Chagall, Léger, Kisling y Modigliani entre otros. Era un lugar donde vivían y trabajaban. Estuvo viviendo 6 años y se hizo muy amigo de Modigliani. En París pasó mucha pobreza sobre todo durante los primeros años, ello le afectó mucho tanto a su salud física como psicológicamente. Tuvo trabajos esporádicos como de portero en una estación de ferrocarril y otros. En “La Ruche” pintó muchos retratos de artistas y refugiados políticos.

Otros pintores que influyeron en Soutine fueron Rembrandt, Van Gogh, Cezanne (rompiendo la forma en planos y aplanando la figura), Bonnard (que le enseñó a dar consistencia al cuadro, a dar pinceladas fuertes, con mucho peso y propósito).

 Se va a Ceret (en los Pirineos franceses) donde permaneció 3 años aproximadamente y donde pintó muchos paisajes y algunos retratos. De Kooning dijo de sus retratos  “Soutine distorsiona las pinturas pero no a las personas”. Sus paisajes se fueron haciendo cada vez más violentos y convulsivos. Durante su estancia en Ceret tiende a pintar hacia lo abstracto, siempre metido en un estilo expresionista. Pintaba con mucha emoción, era muy intenso y vigoroso. Se le ha considerado el precursor del Expresionismo Abstracto Americano. Su pintura destaca por su enorme vitalidad. La pincelada de Soutine no suele ser con una línea sino un brochazo ancho puesto de una forma muy sentida, con colores tumultuosos, gestuales.  Es el “estilo de Ceret”. Tanto en el estilo de Ceret como en el de Cannes, la pincelada es violenta y las formas están agitadas. Posteriormente pinta de forma más controlada aunque siguen perteneciendo al expresionismo eslavo-judío.

A los 28-29 años (1922-23) es descubierto por un coleccionista americano que le compra muchos cuadros y Soutine empieza a tener una buena reputación y vive bien económicamente. A partir de 1923 se comenzaron a vender sus cuadros y a partir de aquí dejó de preocuparse por el tema económico.

Su vida sentimental es bastante discreta y oculta. A los 31 años (1925) va a Amsterdam y quedó fascinado por Rembrandt. Durante estos años conoce a Debora Melnik con quién según parece se casaron (boda religiosa) y tuvieron una hija. Soutine niega la paternidad y deja a la madre con la niña. Durante los años siguientes (1930-35) estuvo influido por Rembrandt, Corot y Courbet (se inspira en Courbet para sus estudios de animales).

A los 36 años, (en 1930) la característica de sus cuadros era la tristeza y comienza la atracción por los cuadros de Courbet.  Sus modelos están en el suelo y sus paisajes son más tranquilos. Existe una mayor distancia entre el pintor y el tema a pintar. (“hand is the dancer, following the rhythm of the disturbances of the soul”).

Entre 1931-35 su producción disminuye mucho. Le costaba mucho inspirarse, estaba continuamente buscando el paisaje adecuado o el modelo adecuado. Cada vez tenía más ataques de úlcera, estos eran fuertes y dolorosos y frecuentemente tenía indigestiones. 

A los 46 años, (1940) le introducen a Marie-Berthe Aurenche, exmujer de Max Ernst y pronto su compañera.

Por la ocupación alemana, Soutine tiene que dejar París (pues era judío).  En 1943 sufre un grave ataque de úlcera. Para no ser detectados por los alemanes, toma un circuito alternativo a París llegando más de 24 horas más tarde de lo previsto. Se le diagnostica úlcera perforada con hemorragia interna. Es operado muriendo durante la operación en 1943 en París. (Al velatorio acuden Pablo Picaso y Max Jacob entre otros).
 

Soutine pinta la comida como algo que le causa un enorme placer pero también como algo que le produce dolor. Cuando se fue a París también pasó hambre y además tuvo úlceras de estómago que le afectaron  mucho a lo largo de su vida causándole al final la muerte. Aun cuando económicamente estaba mejor, no podía comer, le encantaba comer, pero cada vez que lo hacía  se ponía muy enfermo. La comida que pintaba era carne y pescado, alimentos prohibidos para él. Casi todas sus obras de naturaleza muerta están relacionadas con este tema. De joven sufrió mucha pobreza y hambre y probablemente afectó de forma inconsciente a su empeño en la comida. 

Por otra parte la comida jugaba un papel importante en la familia y en la religión. También en el judaísmo existe una relación entre la comida y la muerte (el animal debe ser matado rápidamente, de forma que le cause el mínimo dolor, es pecado hacer sufrir al animal). Es un tema dominante en Soutine hasta mediados 1925 aproximadamente. Luego le interesaron más los paisajes.

Entre 1925-29 estuvo en París y pintó principalmente naturalezas muertas: animales muertos, conejos, pescado y también. La naturaleza muerta era principalmente comida. En estos cuadros hay que destacar la textura, el pigmento y el color más variado que utiliza un poco reflejo de la mortalidad humana.  Esta percepción de la carne y de la piel estuvo influida por la admiración que tenía de otros artistas como Rembrandt y Chardin. (“Rembrandts Beef”) “Buey desollado”. Soutine pinta algo parecido pero centrando su cuadro sólo en la carne y eliminando el entorno. Pinta la carne muy de cerca del observador.
 

Se identifica mucho con el motivo que va a pintar, por eso a la hora de pintar paisajes le gustaba salir al exterior a pintar fuera de su estudio, le gustaba introducirse más en la luz, el espacio y la atmósfera, de ser otro elemento más del paisaje, una parte de lo que pinta. Así se caracterizan los paisajes que pintó entre 1919-1922 en Céret (en los Pirinéos Franceses). Sus paisajes se conocían como el “Estilo de Céret”: son paisajes inestables, vibrantes, con movimiento, como terremotos.

El espacio está muy comprimido, las formas se aplanan, se fusiona una forma con otra así como el espacio delante y del fondo. Los elementos están unidos entre sí. Todo ello produce como una única forma en el lienzo compuesta de varias formas unidas. En Ceret son paisajes bidimensionales.

Luego durante el periodo de Cannes, el “Estilo de Cannes”, Soutine resalta la identidad de los objetos (en Céret las formas se fusionaban unas con otras) ahora separa un objeto de otro. Resalta el objeto como una identidad (como una autonomía). En Cannes los paisajes son más abiertos y luminosos.

La composición en sus naturalezas muertas, retratos y paisajes más tardíos se refiere a un sólo objeto central que envuelve al paisaje de Céret. También comienza a estabilizar las formas, ya no tienen tanto movimiento.
 

A lo largo de su vida pintó muchos retratos. Retrató a pasteleros, destaca “El Pastelero”, cocineros y camareros (sigue su obsesión por la comida).

Los retratos son normalmente de frente. Sí pintaba la figura, normalmente era de cerca y para que saliera la cabeza normalmente de frente. En muchos retratos, las figuras están mirando de frente y atraen la atención del espectador aunque aparentemente son indiferentes al artista. 

Los retratos son pintados con cierto aire nativo debido a la influencia que tuvo de Modigliani. Sus retratos se parecían mucho a la persona retratada. En sus autorretratos nunca se pintaba las manos. Esto es un hecho importante dado que daba gran importancia a las manos en los retratos de otras personas. Las manos de Soutine eran delgadas y delicadas e impresionaban a aquellos que le conocían. Modigliani hizo muchos retratos a Soutine y sí que le retrató con las manos.

Entre 1923-28, le empezaron a atraer las personas con uniforme ya que el efecto que quería dar con el uniforme era el esconder la individualidad de la persona, es decir a despersonalizar, al anonimato, ej. botones, camareros o niños del coro. Retrata sobre todo a seres de inferioridad física y social.

Nunca pintaba desnudos, solamente lo hizo una vez con una modelo profesional. En esta ocasión la modelo aparece con una pose tímida que realmente refleja lo mal que lo pasaba al pintarla.

Si no les gustaban sus cuadros los destruía. A veces ponía varios cuadros suyos en el suelo (como si fuera una exhibición), los estudiaba durante horas  y con un cuchillo rompía los que no le gustaban. También lo destruía si alguien hacía algún comentario de que no era muy bueno un cuadro suyo o si le decían que le recordaban a otro pintor. Así destruyó gran número de sus cuadros. Algunos cuadros suyos que estaban en manos de marchantes o de otras personas, se los cambiaba por otro cuadro suyo posterior para destruir el cuadro viejo. En otras ocasiones recortaba la parte del lienzo  que le gustaba.