Grandes Humoristas

 

BRETÉCHER	DERGATCHOV	FONTANARROSA	LARSON	JOHNSTON	MINGOTE
MORDILLO	NINE	QUINO	SEMPE	WATERSON
SCHULTZ	FEIFFER	GUISEWITE	THOMSON
CATHY	CHARLES SCHULZ	HIRSCHFELD

CLAIRE BRETÉCHER
 

    Cuando a una mujer humorista gráfica se le pregunta por un referente en el dibujo, lo primero que responde  es «Claire Bretecher».
    Claire Bretecher es un mito, un ejemplo, una maestra. Nada mejor en esos días grises y solitarios que todos tenemos en la vida que acurrucarse con uno de los tomos de «  Los Frustrados » para trocar la melancolía por carcajadas, sintiendo que pertenecemos a un gran club internacional de melancólicos que buscan darle un sentido a la vida.
    La autora es una dama  bella , de grandes ojos gatunos y pelo corto, lacio y rubio. Fumadora empedernida , y sin un atisbo de coquetería, la Bretécher  dedicó su vida completa al dibujo, sin hijos que entorpecieran el proceso cretaivo. Porque hay que decirlo : los hijos son un primor, pero a la hora  de la tinta china no se puede tocar un papel hasta que ronquen. Y para ese entonces, la que ronca es una .
    Su dibujo de trazo fuerte , rápido y ríspido, parece veloz y espontáneo. Nada más lejano a la realidad . « Nada de lo que hago es espontáneo »,  dice ella, « Me la paso calcando y calcando mis dibujos hasta que  llego al trazo exacto, y después le trazo las líneas en tinta. Parece que me saliera fácil , pero soy lenta » .Con su obra traducida a decenas de idiomas , Bretécher logró deslumbrar hasta el público más lejano del cómic con su aguda y dura crítica a la sociedad moderna . Por eso mismo  se ligó la perpetua crítica de ser « demasiado parisina », de la que ella se ríe, porque no nació en París.
    Bretecher nació en Nantes, Francia , en 1940. Su carrera  despegó cuando en 1963 ilustró una historia de René Goscinny- el genial autor de «  El pequeño Nicolás » , que ilustró Sempé- llamada  «  El Factor Rhesus »  en la revista L´Os de Moelle..
    En 1965, empezó a trabajar para la revista de comics Tintin. Y con el tiempo publicó sus obras en otreas revistas como Spirou, demostrando que seguía la líena de Will o Franquin, mientras hacía las tiras “Les Gnan-gran” y “ Los náufragos”. En 1968, tranbajó sola para Baratine y Molgaga, en Record. Luego publicó  Robin des Foies, y estuvo en la revista  Pep. En 1969 , en la revista Pilote  nació Cellulite , una antiheroína muy fea , diametralmente opuesta a sus anteriores  heroínas de papel.
    Dos años más tarde, en 1971, la revista Salades de Saison (Ensaladas de Estación) empezó a publicarle sus exitosas sátiras llamadas Frustrés ( Frustrados), que luego compilaría en una serie de varios libros ( Les Frustres 1, 2, 3, 4, 5,6…),traducidos a varios idiomas , mostrando el perpetuo malestar cultural ciudadano, riéndose del psicoanálisis, de los intelectuales , de los adelantos cinetíficos, de los médicos ( «  Dr Ventosa, Bobólogo ») de los lentes de contacto y de la fertlización in vitro.
    Mientras seguía su trabajo en Pilote -, donde siguió publicando cada tanto hasta 1976-  fundó la revista El Eco de las Sabanas ( L´Echo des Savanes) en 1972, junto a sus amigos dibujantes Gotlib y Mandryka. Desde entonces su trabajo fue pareciendose más y más en estilo al de Jules Feiffer ( el cartunista americano que más duramente critica a los  conflictos sociales modernos) y al mordaz Reiser, de trazo fuerte.
    Para ubicarnos acerca de su compañías , Gotlib es uno de los artistas cómicos más talentosos de Francia , ganador del 'Grand Prix¨ del Salon International de Dibujo Animado de Angoulême.
Y el tunecino Nikita Mandryka,es el creador  de la serie 'Le Concombre Masqué' ( El pepino enmascarado)  y editor jefe de  Charlie Mensuel (1982)  and Pilote (1984).
    Bretécher dejó  l'Echo des Savanes para empezar a trabajar en 1973 en el periódico Le Nouvel Observateur, reviviendo su comic anterior 'Los Frustrados',que para ese entonces ya eran un enorme éxito en toda Francia .
En 1973 aparece Le Bolot Occidental, una parodia ecológica. En 1979  aparece la Vida Apasionada de  Santa Teresa de Avila, en 1980 Las Madres, en 1982 El Destino de Monique y en 1984 Doctor Ventosa, Bobólogo. Pocos autores fueron tan prolíficos en obras extensas.
    El descubrimiento del "fenómeno Bretécher" coincide con su  entrada  por la puerta grande de la prensa de información masiva, ya no en las revistas de comics solo para fans.
De hecho, esto le llevó a ser la primer mujer en  hacer un dibujo animado  con la serie Los Frustrados , que salió  en el espacio de Telematin a  las 7 y 30 de la mañana  por Antena 2 , pero que debido a su exito reemplazó a Los Simpsons en horario central .
    Ahora se dedica  a la pintura , y sigue desarrollando la « serie geriátrica » , lanzada  en 1998 , llamada  “Agrippine et Zonzon,«l'ancêtre», donde narra la relación entre cuatro generaciones de mujeres rodeando a Zonzon , una abuela  narcisista y despótica de  95 años . Publicó esta tira en forma de libro  y poco después  salió su libro «Moments de lassitude», ambos como edición de autor, que le arrojaba mejores ganancias que  lo que obtenía con los derechos de autor de  la editorial Dargaud.

 ¿ Dónde está el éxito de Bretecher?  No reside en la estética de su dibujo , grotesco y sin globos, rodeados de letras cursivas manuscritas a la apurada como un médico cansado, sino en mostrar una visión aguda de sus contemporáneos, criticando sus pretenciosos discursos de izquierda,  sus temores , sus sueños inútiles ...todo aquello que representa a  una sociedad insatisfecha , como somos todos.

Ahora habla ella :
 

LA VEJEZ COMO TEMA DE HISTORIETA :
    « Cuando un tema cualquiera me interesa,  me entusiasmo. Las viejas más viejas  son las que más me entusiasman. Hasta estuve frecuentando un geriátrico para charlar con ellas , lo que fue un shock muy positivo , que me permitió  meterme en un mundo desconocido del que nadie habla, un tema inexplotado, el de la gente olvidada, anacrónica  que se cruza y multiplica fantásticamente. .De ahí salió Zonzon , la anciana de mi libro .
La vejez no me asusta. ¿ Conocen la canción de Juliette Gréco que dice : «…au fond, s'éveille  en moi le désir de devenir vieille» ( « al fondo, se despierta en mí el deseo de volverme vieja »)? Envejecer te da una libertad formidable. Eso, si uno no tiene grandes problemas de salud,  claro. Yo siempre estuve un poco achacosa, por eso estoy habituada. Las cosas que nos hacen felices no son las que nos cuentan como fórmulas de éxito : ni los  romances, ni la eficacia,  ni la belleza. Pamplinas : las revistas están sólo llenas de consejos para adelgazar. En lo que a mi concierne, será la edad la que deberá adaptarse a mí, no al revés . Hay que resistirse absolutamente a la pavada. »
 
 

DE DONDE SACA LAS IDEAS :
     « Para crear una historia, necesito que madure dentro mío hasta que encuentre ( o no), una manera de que salga a la luz. Yo pienso todo el tiempo y las cosas se organizan de un modo inconsciente. Al final , se hace conciente para que yo pueda atacar al tema . A veces no logro hacer evolucionar un tema que me obsesiona. Después de hacer la historieta mística  con la vida de Santa Teresa de  Avila, quise hacer la biografía de Virginia Woolf. Su personaje me exasperaba, y no logré definirlo jamás. Fue mi gran frustración . A Santa Teresa llegué después de leer la novela biográfica de Marcel Auclair, un romance nada intelectual , que me gustó por el tipo de los personajes que planteaba: dos estrellas impecables, sin tacha. Eso me estimuló . Leo mucho y me llueven ideas de los libros.Tengo una inmensa cantidad de libros de bolsillo, pero hago mucho zapping : leo tres hojas y los dejo. Lo que me da ideas es  lo que me divierte : todo lo que afecte nuestros comportamientos y cambie nuestra manera de pensar.
Me interesa mucho la genética, aunque vulgarizamos  noticias que no son más que hipótesis. Pero la clonación , por ejemplo, no s un sistema de hacer gente igual : es un método de reproducción como cualquier otra , que  tira abajo el tabú de la familia. “
 

NO A LA TELEVISIÓN:
    “Ya no miro televisión. Cuando había solo tres canales, me pegaba a la pantalla. Ahora, con 160 canales, no hay nada para ver. El exceso de elección mató todo. Debería estar informada, pero creo que no informarse es una medida más saludable. Uno tiene el deber de ocuparse de su propia vida no el de estar informado. Además, demasiado es demasiado. Pareciera que lo que no se comenta no existe, pero que algo esté en los medios no indica que sea más importante. Hay cosas fundamentales de las que no se hable en la televisión”.
 

CÓMO DIBUJA:

    “Yo hago croquis en una pantalla, sobre papel de calcar . Cuando llego a una buena imagen o actitud del personaje, la traspaso calcándola por transparencia . Por lo tanto, nunca tengo una verdadera espontaneidad. A los primeros dibujos no me animo a verlos ni a a mostrarlos . Reiser se animaba : haciendo 18 páginas por día, no podía tirar nada . Muchos atraparon su estilo a la fuerza de presión  por entregar rápido al editor. Yo no: soy tan lenta que me desespero.”
    “ Pude hacer una muestra de dibujos llamada “ Moments de lassitude», con cosas muy diferentes al estilo por el que se me conoce, porque un agente vino a casa , miró mis cosas y me dijo que tenía que mostrar todo aquello que yo pensé que no era de ningún interés.”
    Hace treinta años que trabajo dibujando. Hay gente que trabaja toda su vida con esto, pero yo no estoy segura de que ese sea mi caso. Cada vez que publico algo, pienso que es la última. Además, conviví siempre con la trágica angustia de la página en blanco...que ahora pasó a ser una vaga melancolía. Siempre pienso qué haré cuando n tenga más ideas. Y creo que cuando ya no tenga más ideas , me dedicaré a vender mis muebles y mis cosas” .

ARTISTA PEREZOZA:
    “Siempre fui tremendamente vaga, espantosamente perezoza. Me lo dijeron desde chica y nunca me pude deshacer de esa idea, me quedó grabada a fuego. Muchos creen que no hacer nada es casi inmoral . La improductividad no está bien vista. Pero yo no tengo ningún problema en pasar largos períodos sin hacer nada de nada. Me cuesta sentarme a trabajar.”
 
 

SUS TEMAS:
    “En los años 70 , uno de mis personajes,  Jeannine Lemercier, quería realizarsse como ser humano  y ese era mi tema entonces, Pero las  aspiraciones de las mujeres no me interesan para nada , es un tema completamente pasado. A mi edad, ya estoy jugada: si he resuelto o no ciertos temas, es caso cerrrado. La angustia ya fue. Me convertí en una fatalista.
    Tampoco hablo de los hombres en mis historias, porque no se nada de ellos. Nunca los entendí ni entenderé jamás nada de ellos.La sexualidad ahora es un tema tan remanido que tampoco me interesa. Trato de hablar de lo que otros no hablen. ”

DIBUJAR EN EL 2000:

    “Algunos me  critican que esté haciendo publicidad de baños o de productos cosméticos, pero en los años ´70 también lo habría hecho si me lo hubieran propuesto.  Ganar dinero no está nada mal.Y me encantan las cremas y los cosméticos.”
    “Tuve la suerte de dibujar en los 70, porque fue una época más fácil de percibir y absorber. Los tiempos actuales son más difíciles de entender. En los 70, el consenso izquierdista creó un estado espiritual simplista  de trazo grueso: el idealismo imbécil, la certeza de tener razón, la contradicción entre la manera de vivir muy confortable y las ideas de izquierda.  La gente de ahora ya no cree más en grandes cosas, está más diferenciada y desperdigada. No es fácil entender qué está pasando ahora. Pero igual, yo no me propongo para nada captar la actualidad, comentar los tiempos que pasan , ni nada por el estilo. Yo me fijo en lo que me pasa a mí. No soy periodista.
    Y mi problema actual es llenar páginas. Punto final. Cuando digo esto, nadie me cree , pero juro que es cierto. Mi salida es encontrar pequeñas historias que me diviertan. No analizo mucho lo que hago, y menos en un ambiente simple y ligero como el dibujo humorístico. Estar actualizada no me preocupa. Evidentemente, mi trabajo debe estar situado en esta época porque yo estoy situada en esta época.”
 

( Traducción de Ana von Rebeur en base a una entrevista de  Elisabeth Gilles )
 
 

OLEG DERGATCHOV
 

    Conocí a este artista de mostachos  renegridos y curvados como cimitarras en  Ankara, Turquía, en noviembre del 2001, cuando viajé a recibir el Award of Success del Aydin Dogan. El recibia otro premio igual . Casi me desmayo de la emoción cuando me besó la mano al saludarme, al estilo ruso. Serio, casi circunspecto, no hablaba demasiado, pero estaba atento a todo lo que sucedía  Habla inglés con la misma fluidez que el ruso, y en su conversación, deja sentado que él no se siente humorista sino pintor, grabador  y artista. En su página web, no posa delante de sus dibujos, sino delante de sus esculturas de metal ,  de estilo cubista . Sabe que es muy bueno, cosa que delata sin disimulos en la entrevista  que transcribimos más abajo Como muchos artistas que soñaban con vender grandes cuadros,  Dergatchov encontró que la difusión a través del papel es más masiva  y llega a más miradas. Y si en ellas hay una mirada crítica de la sociedad, satírica y de denuncia de la injusticia, llega más lejos aún. Sus trabajos hablan del poder de la autoridad sobre el sometimiento de la gente . De la  obsesión por el poder y la competencia entre poderosos absurdos que  intentan ser más fuertes unos que otros, y sólo logran ser más patéticos. Su dominio de diversas técnicas demuestran que pasó por todos los materiales antes de llegar a la acuarela  y el lápiz de color . La  tinta china no tiene secretos para él. Estudiamos juntos el extenso catálogo- libro del premio Aydin Dogan y coincidimos en  el disgusto ante el primer premio, nuestra intriga ante la obra incomprensible de un colega ganador que nunca entendimos qué había querido decir, y nos reímos ante el mismo encantador  cartoon de un colega chino que dibujó a  unos obreros chinos candados de levantar el último tremo de la Muralla China  dibujando con ladrillos en el piso la internacional abreviatura “ Etc,. Etc.”
    Dergatchov nunca está en su casa en L´viv . Se la pasa viajando de acá para allá  recibiendo y entregando premios de humor gráfico.
    Debo reconocerlo: lo envidio profundamente. No por los viajes, sino por su manera de dibujar, sus composiciones que saltan del blanco y negro al estallido de colores , sus trazos con el lápiz, sus esfumados a rayas. Cualquier catálogo suyo te deja boquiabierto.  Es de los que me hacen preguntar : “ ¿ Cómo lo hace?” . Dergatchov es de los que dibujan un fósforo en un papel – si , un fósforo-, y te dan gana de enmarcar el papel y colgarlo en la pared  Sus obras se destacan en cualquier muestra Acá publicamos una rara entrevista  publicada en www.avantart.com.

Ana von Rebeur
 
 

Como un ave en invierno

Por  John A. Lent, escritor, editor y professor de la  Temple University, Philadelphia
 

Alguna de las cosas que se saben de  las muestras de humor gráfico de Europa Central y Oriental ( y avanzando hacia Occidente ) es que allí habrá alguna obra del  artista ucraniano  Oleg Dergachov y que lo más probable es que el gane un premio.

Realizó más  de una docena de muestras individuales, integró más de 150 muestras colectivas  y ganó 40 importantes premios  internacionales, incluyendo el  Grand Prix del Satyrykon de Polonia.
 

Nacido el 18 de Julio de 1961, en Rostov-on-Don, Russia, de padre ruso y madre ucraniana, Dergachov se mudó a Ucrania en  1979 para estudiar impresiones técnicas  y diseño de libros  en la Academia de Impresión de Ucrania . Sus cinco años de estudios se le mezclaron con el trabajo de ilustrador de libros en la anterior Unión Soviética , Moldova y Ucrania. En 1989, cansado de  hacer tratar con editores, puso una imprenta propia en su propia casa en la ciudad de L'viv ,  de donde sacó 35 ediciones limitadas de  libros de artistas, algunos que combinan sus grabados  y dibujos con  poesía que él mismo hace .

Afirmando que acostumbra a dibujar desde su más tierna infancia  como una  manera de ganar libertad y de meterse en un estado bendito , su Nirvana personal , Dergatchov gusta de  pensar de sí mismo como un “ dibujante que es al mismo tiempo un maestro de la línea , un mago y un poeta “ , y además un pensador, un filósofo y un creador” . El afirma que “ Mi línea es mi manera de viajar . Se extiende en el papel y en mis recorridos y viajes  a través de la imagen . la magia de  dibujar se abraza  con las eternas fascinaciones de lo misteriosos y desconocido “.

Los chistes dibujados de  Dergatchov  con lanzamientos inteligentes de fobias sociales , cerebrales en el significado  y de gran maestría artística en la ejecución. Algunos hasta parecen fuera de  lugar y  desperdiciados en papel  impreso,  quedando mejor  en las paredes de  un  museo o de una galñería de bellas artes .
 
 

Entrevisté a Dergachov en  1996, en el  Archikatura Cartoon Festival in Bratislava, Slovakia, y otra vez en mi casa en 1997.
- ¿ Qué es el humor gráfico para tí? ¿ Un hobby, una ocupación , una pasion?
- No soy solo un humorista grafico. Amo al humor, y creo que es la única manera de sobrevivir este mundo cruel y triste lleno de política. Me gusta que me etiqueten artista pero el cartoon fue mi primer amor desde mi infancia. Hacer libros, pintar, hacer diseño gráfico vinieron después en mi vida . Mi primera atracción fue hacia al línea y el color, y debo agradecer por esto a mi abuelo,  un arquitecto que murió con el lápiz en la mano.

- Tu primer amor  te hizo ganador en infinidad de competiciones  internacionales. ¿ Qué características hacen que tu dibujo sea tan apreciado en países tan distintos?
-Yo nunca hice un dibujo pensando en ganar una competencia. Los hago por mi propio placer , y creo que es la única manera de  enviar un mensaje que llegue al corazón de  los que lo vean .

- Algunas  veces tus cartoons no son para reírse , sino que son  más tristes que graciosos.
 ¿ Cuales son tus motivaciones para hacer algo así?
-No trato de hacer reír a la gente . Trato de  transmitir mis propios pensamientos y las situaciones de la vida cotidiana , nada más .

- ¿Cuál es el elemento principal de tus cartoons?
- La idea, claro.

- ¿De dónde sacas las ideas?
- La mayoría las saco de mis viajes. Me paso la mitad de mi vida en aviones, colectivos, trenes, . cada vez es más difícil hacer muestras en donde vivo, y eso me llevó a viajar mucho en los últimos siete años . Me llegan montones de invitaciones del exterior para  dar conferencias, hacer exhibiciones y  formar parte de jurados.

- Aparecen muchas gallinas y gallos en tus dibujos . ¿ Te gustan las aves?
-Me gusta  observar sus vidas , y creo que el gallo es más inteligente que  cualquier político, y que la gallina es sagrada : siempre está lista  a darnos todo de sí : plumas , carne , huevos...hasta nos permite  robarles sus bebés no nacidos. La gallina no tienen idea de matar a alguien , cambiarle los nombres a las calles , y esas estupideces humanas . la gallina no mata a nadie .

-¿Cuál es la típica situación que  se refleja en los cartoons ucranianos?
-Los ucranianos aman el humor negro que sale de los absurdos de la vida , que parece un teatro del absurdo. Nuestro parlamento es  usualmente la fuente de temas  y personajes que uso en mis  dibujos. Por eso estoy muy agradecido al gobierno de Ucrania por la cantidad de premios que me permitió ganar . Mil gracias .

-¿Pero como sobrevives tú y tus colegas la dura vida en Ucrania?
-Con gran esfuerzo, y duramente, como un pájaro en invierno . Pero todavía damos huevos. Y los pintamos.
 

Publicado en www.avantart.com

Oleg Dergatchov es miembro de :

Pennsylvania Watercolor Society, PA
California Society of Printmakers, CA
UkrainianArtist's Union
International Editorial Board of INTERNATIONAL JOURNAL OF COMICART, PA, USA

ROBERTO FONTANARROSA
 

    Roberto Alfredo Fontanarrosa nació el 26 de noviembre de 1944 en Rosario,  ciudad, donde aún, empecinadamente, vive. La finalización de la Segunda Guerra Mundial, menos de un año de la fecha de su nacimiento no puede atribuirse a otra cosa que una simple coincidencia, pese a que, algunos historiadores, han tratado de asignarle a esta concatenación de hechos características francamente mesiánicas.
    Fontanarrosa cursa la escuela primaria y abandona los estudios secundarios prolijo, donde los había encontrado (Segundo año).
    Trabaja después varios años en publicidad, donde advierte que el humor y el sexo son los temas más vendedores. Totalmente, se dedica al humor. En el año 1968 comienza a publicar humor en la revista "Boom" de Rosario. A partir del año 1972 lo hace también en la revista "Hortensia" de Córdoba y un año  después en el diario "Clarín" de Buenos Aires. Actualmente, tiene publicado trece libros de su personaje  "Inodoro Pereyra", ocho su personaje "Boogie, El Aceitoso" y tan solo uno de "Superman", personaje donante de esperma que, por sus mismas características se agotó rápidamente... Ha hecho selecciones de sus chistes sueltos en los libros "Quien es Fontanarrosa' "Fontanarrisa". "Fontanarrosa de penal",  "Fontanarrosa y la política", "Fontanarrosa y la pareja", "Fontanarrosa y el sexo", "El segundo sexo de Fontanarrosa" y "Fontanarrosa y los médicos". También publicó historietas sin tema fijo en "Continuará". Ha publicado dos novelas, "Best Seller" y "El área 18", y cuatro libros de cuento cortos, siempre en tono humorístico: "Los trenes matan a los autos", "El mundo ha vivido equivocado", "No sé si he sido claro" y  "Nada del otro mundo". Trabajó para las revistas "Humor" y "Fierro" y en el diario "Clarín". Lo hizo también en la revista "Proceso" de México, "Dedeté" de Cuba, "La Semana Cómica" de Nicaragua y  “L'eternauta" de Italia. Colabora con otras revistas, comprándolas. Asiste, como colaborador creativo, al  grupo humorístico Musical, Les Luthiers.
 

LYNN JOHNSTON
 

La artista  canadiense  publica  su tira “ For Better or for Worse” desde hace 22 años en Estados Unidos y en 23 países del mundo, traducidos a 8 idiomas . Tiene 20 libros publicados  y traducidos.
Fue en 1986 la artista más joven en ganar el Reuben Award , la primer mujer y la primer canadiense en  ganarlo : tres records al mismo  tiempo.
Fue nominada otras 5 veces al premio. En 1987 ganó el Gemini Award (versión de Canadá del  "Emmy Award") por el mejor programa de televisión  infantil  por “The Bestest Present” .
En 1992 recibió la  Orden de Canada, el más alto honor civil que puede recibir un canadiense .
Fue nominada al Premio Pulitzer en  1993.

Nací con el nombre de Lynn Ridgway en Collingwood, Ontario, Canadá, y crecí en la Columbia Británica .
Mi padre era joyero y mi madre era calígrafa y bibliotecaria. Ambos eran personas musicales, artísticas y creativas. Eramos una familia que adoraba reírse juntos.
Mi hermano se hizo trompetista profesional y se fue a la  vivir a la Vancouver
School of Art, esperando hacer una carrera artística . Mi primer interés fue la animación, y luego de 3 años de estudios en el Art College, entré a trabajar en un estudio de animación en Vancouver, donde trabajé en el departamento de tinta  y pintura . Me casé con un cameraman de televisión y en 1969 me mudé a Ontario con mi marido porque  había mayores oportunidades de trabajar en los medios ahí .

Como no pude conseguir trabajo en animación , conseguí  un trabajo como artista médica  en la Universidad  McMaster . Fueron  5 maravillosos años de aprendizaje, y gané un respeto  por la vida y el cuerpo humano  que solo un ambiente de hospital puede transmitir .
En 1972 descubrí que estaba embarazada de Aarón , y dejé mi trabajo en  McMaster para trabajar en casa . Mi obstetra me desafió a que le haga unos dibujos para los paneles sobre su Camilla, y durante mis ocho meses de  visitas mensuales le hice como 80 dibujos humorísticos acerca de mi visión del embarazo, que logrñé luego publicar en un libro que se llamó "David, estamos embarazados" y que hasta la fecha vendió más de  300.000 ejemplares..
Poco después de la publicación de ese  primer libro, me divorcié y trabajé como una madre sola , trabajando como colaboradora freelance desde un  invernadero  en el fondo que transforme en un estudio de dibujo. Fueron tiempos difíciles, pero un buen entrenamiento porque hice de todo: pegar letras,  diseñar cajas de cereales, panfletos, posters, programas, folletos, e ilustraciones varias. Aprendí más del dibujo publicitario en casa que en  3 años de estudio.
En 1975, "Hola Ma, Hola Pa " fue publicado como secuela de "David", y por este tiempo conocí a Rod Johnston, que era un estudiante en el segundo año de Odontología  en Toronto. Me casé con él, y seguí haciendo trabajos freelance en casa  hasta que  nació Kate y Rod se recibió de dentista.
. "¿Crecerán algún día?" fue el tercer libro en la secuencia de la familia . Y  supe que mi estilo era una visión humorística pero realista, y  con los pies sobre la tierra de la paternidad y maternidad.
En 1978, Rod y yo , Aaron y la beba Katie nos mudamos a Lynn Lake,  Manitoba, donde el Universal Press Syndicate me preguntó si estaba interesada en hacer una tira diaria para los periódicos . Les mandé veinte ejemplares de “ Los Johnstons" – una serie basada en mi propia familia – porque éramos la única gente que yo conocía y a la que podía dibujar y dibujar otra vez con cierta consistencia. Esperando ser amablemente rechazada , recibí y firmé un contrato por veinte años , y empecé a trabajar .
En 1979, cuando la fecha de publicación se acercaba , los personajes eran los mismos, pero los nombres fueron cambiados por nuestros segundos nombres (Aaron Michael, Katherine Elizabeth, Roderick John) excepto por Elly, mi alter ego, la madre de la tira, que era el nombre de una amiga querida fallecida. Mi editor  sugirió el nombre  "For Better or For Worse" ( “ En las buenas y en las malas” ) y parece que fue buena idea, porque no todos eran rosas en la tira.
En 1991, quise tener otro bebé. Como no pude  quedar embarazada  en la realidad, ¡me inventé un bebé nuevo en la tira!. La beba April apareció el 1º de  Abril de ese añoy agregó mucha diversión a la tira .

“For Better or For Worse” aparece ahora en más de  2000 diarios de Canadá, Estados Unidos  y otros 23 países. Se traduce en otros ocho idiomas además de ingles. Hay  23 libros imprimiéndose . El álbum del 20º Aniversario titulado "The Lives Behind the Lines"( “ Las vidas detrás de las líneas”) publicado por Andrews y McMeel (Otoñol 1999) revela historias nunca antes  dichas acerca de los personajes.
Mi ultimo libro,  "The Big 5-0" (Otoño de  2000) es una colección  de cartoons  de agosto 1998 a  junio 1999. Este libros sigue el  naciente romance del Michael y su novia, Deanna, el ultimo año de secundaria de la hija  Elizabeth y  el hecho de que John , el padre , cumple 50 años .

Ahora vivimos en el campo, al norte de Ontario muy apartados de todo  y muy íntimamente, porque preferimos considerar a la familia como la parte más importante de nuestras vidas.

Muchos dibujantes comienzan como yo lo hice: garabateando cualquier cosa desde el momento en que pudieron sostener una lapicera  en la mano. Bueno, yo siempre  adoré dibujar, y siempre tuve una veta tonta en mí  que casi  siempre  me mete en problemas.  Otra gente se amarga o acompleja  si se equivoca. Yo no. "For Better or For Worse" me permite darle un buen uso a mis errores.
 

SECRETITOS  Y ANÉCDOTAS DE LA AUTORA:

· Lynn nunca pensó que terminaría haciendo la historia de una familia paralela a la suya  misma, en tiempo real. No eligió hacerlo, es algo que sucedió. “Muy a menudo pasa que una tira toma vida y se va en su propia dirección, que no era la planeada” , afirma ella.

· Gustos de la  autora:
Episodio favorito: Cuando a John se le cae el pavo navideño en el pie.
Episodio más odiado: Cuando a la familia entera se le llena la cabeza  de piojos. Tuvo dudas acerca de publicarla o no, porque tanta gente rascándose era casi desagradable de ver. ¡Pero fue la  que  obtuvo más llamados y cartas de lectores!

· ¿ Cuál es  el personaje que menos le gusta dibujar?
  Elly, que viene a ser ella misma .

· Lynn vende videos con las historias de los Patterson (  ex Johnston).
El primero fue "The Bestest Present" hecho en 1985. Hay una serie de  6 videos vendidos a HBO y a Disney hace pocos años. Ahora, una nueva serie de 13 capítulos  animados se pasan en el canal Canada'sTeletoon .

· ¿ Cuál es la parte más difícil del trabajo?
Tratar de tener ideas a la vez que hay que hacerse  cargo del staff que la ayuda a dibujar. Ella afirma :  “ Ellos necesitan la guía de alguien que tenga una personalidad pareja, centrada y estable, y yo no soy así!”

· Los comics favoritos de Lynn :
Rose is Rose, Luanne, Chickweed Lane y Mother Goose & Grimm. Le encantan las tiras y sus autores.

· ¿Qué materiales usa para trabajar ?
Usa tinta negra Windsor & Newton , papel Strathmore Bond  - 2 ply satinado, Rápidografos  y una pluma  C-6 Speed Ball nib para ilustraciones . Los colores y sombras se hacen con computadora.

· ¿ Escribe y dibuja todo sola?
Escribe , dibuja a lápiz y pasa tinta a los personajes . Las letras la pasan a tinta los empleados  letristas y las tiras son pintadas en computadora por sus empleados.

· ¿ Qué queja tiene contra el Syndicate que la emplea?
Que insista siempre en “ americanizar “ la tira,  cuando ella es canadiense, vive en Canadá  y la tira  sucede en Canadá. Pero  sus editores quieren hacer creer que ella es de Estados Unidos, cosa que ella intenta negar en cada tira, para confuisión de sus lectores . Ella  vive en Ontario del Norte, y la familia  de la tira vive en Ontario del Sur ( N.de la T.:Esto en Canadá- y en cualquier parte del mundo- hace una diferencia importante  y marca un estilo y un cambio de ambiente muy marcado. )
Las  diferencias canadienses de esta  tira también son palabras que se  escriben distinto en  americano y en canadiense, como "Colour" ( color en USA), "Labour" y "Favour". También hay feriados que tienen Canda´y que Estados Unidos no, como el "Boxing Day" ( Día de las Cajas,  26 de Diciembre)Dec. 26 y el Día de Canadá, el 1º de Julio. El Día de Acción de Gracias lo tenemos cambiado: Segundo lunes de Octubre (Canada) y cuarto jueves de Noviembre (USA).
Otro tema confuso es el de la leche. En la casa de los Patterson hay niños, y hectolitros de leche. En Ontario la leche se venden en sachets  de plástico, que e meten en una jarra de  plástico estrecha, se le corta la punta  y voilá! En  una tira, la gracia era justamente, que un chico muy torpe corta mucha punta y derrama la leche por toda la casa. Recibí centenares de cartas preguntando: “ ¿ Qué cuernos pasaba ahí? ¿ Cuál era la gracia?” . ¡La mitad de Canadá  y todo Estados Unidos, donde la leche se vende en cartones  o tetrabricks , no entendió nada de ese episodio!
 

¡SOCORRO, GARY LARSON INVADE EL PLANETA!

Por Ana von Rebeur

    En Noviembre pasado estuve en Nueva York , y los únicos almanaques que no mostraban la triste imagen de las desaparecidas Torres Gemelas, eran calendarios de chistes gráficos de Gary Larson.
    Hace cuatro meses viajé  a Nueva Zelandia y quedé impactada al ver miles y miles de regalos navideños y todo tipo de objetos repletos con la figura de los extraños animales creados por Gary Larson Inc.  Las librerías, jugueterías , papelerías y supermercados mostraban una increíble cantidad de posavasos, tazas de café, servilleteros, manteles individuales de vinilo, agendas , anotadores , carpetas y cuadernos todos impresos con los personajes de  “The Far Side”, como si no existiera otro motivo digno de decorar nada .
    El año pasado hice un viaje que me debía a la patagonia argentina. Quería conocer a esa maravilla que es el glaciar Perito Moreno, en la Provincia de Santa Cruz: miles de  kilómetros cuadrados de hielo eterno rodeado de bosques maravillosos. Los minibuses que partían de la cercana localidad de Calafate llevando a los turistas al borde del glaciar estaban equipados  con libros de Gary Larson para entretener a los pasajeros de todo el mundo que venían a ver ese paisaje maravilloso.
    Trabajando como periodista especializada en turismo, un diario me envió de viaje a las regiones de Puglia y Basilicata . Sobre el bus que nos llevaba a todos, vi dos periodistas pelearse por un libro de humor que había traído Angela, nuestra gentil y animosa guía italiana. ¿ Adivinen de quién era el libro? ¡ De Gary Larson , otra vez!
     Fue entonces que , casi alarmada , empecé a preguntarme quién ese Gary Larson que está invadiendo el planeta , y lo que sigue es lo que conseguí saber acerca de este genio de 52 años, que parece que tienen todos los secretos de la autopromoción :
    Gary Larson nació en Tacoma, Washington, en 1950, y estudió Comunicaciones en la Universidad Estatal de Washington en 1973, con poca idea de cuál sería su futuro profesional. Luego de graduarse, se mudó a Seattle.Fue un ávido lector de libros de comics en su infancia, y tenía mascotas como culebras, sapos y tarántulas. Larson empezó a dibujar animales como diversión propia. Al terminar la secundaria en 1972, se dedicó a tocar guitarra y banjo en bandas de jazz que tocaban en clubes nocturnos. Trabajó en negocios de venta de  discos durante años antes de concentrarse en el dibujo . De repente y por impulso, en 1976 dibujó seis chistes de humor gráfico distintos a todo lo conocido. Los ofreció en una revista sobre naturaleza llamada "Pacific Search."  Para su asombro, todas fueron aceptadas y publicadas con el título de “Nature´s Way” ( “La manera de la naturaleza”. Recibió un pago de 90 dólares, lo que lo estimuló a repetir el experimento.
    Pese al bizarro estilo de sus cartoons, en 1978  logró vender al “Seattle Times" una serie semanal de dibujos llamados "Natures Way". Luego de dos años de  publicación continua, Larson fue despedido a causa de quejas sobre la "selección antinatural del tema “ .Entonces ofreció sus trabajos al "San Francisco Chronicle"  y en 1979, firmó un contrato de cinco años con el Chronicle Features para registrar  su espacio diario como “Gary Land”, un nombre que pronto se cambió a "The Far Side." Aunque algunos lectores encuentran a sus cartoons ofensivos, la mayoría estaban deleitados con su clase de humor fuera de serie, sardónico y a veces macabro.
    Universal Press Syndicate distribuyó sus obras desde 1984, agregando una página a color cada domingo. En 1985 los dibujos de Larson  aparecieron en más de 200 periódicos, tazas de café, posters, calendarios, remeras y llaveros.
    Larson recibió el National Cartoonist Society's award por mejor dibujo humorístico en 1985 y en 1988, el Reuben Award por dibujante humorístico destacado en 1991 y en 1994, y  fue premiado con el Premio Max and Moritz Prize por mejor dibujo cómico internacional en el Salón Internacional del Comic en 1993.
    Sus dibujos fueron publicados en libros que fueron best seller , y en 1994 , la compañía de Larson -, FarWorks, Inc.- produjo y animó un especial de televisión llamado "Gary Larson's Tales from the Far Side." Internacionalmente populares, los cartoons de "The Far Side" fueron publicados en más de 17 idiomas  y aparecieron en 1900 periódicos de todo el mundo . Otras fuentes hablan de  que desde 1988 Larson publicó en 700 periódicos. De todos modos, ambas cifras son enormes.
    “The Far Side" trepó a alturas mayores, apareciendo en ediciones especiales, galerías, exhibiciones en todas  partes  y un torrente de merchandising. La retorcida y graciosa serie se hizo famosa  y logró críticas y comentarios muy favorables de casi todos los más prestigiosos medios de Estados Unidos.
Algunos decían:  “El estilo crudo de Larson dice mucho con línea simple. Su ingeniosa sabiduría, muestra las infinitas variaciones de  humanos y animales con los roles intercambiados, han sido descriptas como macabras, raras, mágicas, retorcidas, extrañas, rebuscadas  y   producto de una imaginación demencial “. Pero su belleza reside en la sencillez de la idea.
    La revista "People" describió su obra como “los trabajos internos de su mente extrañamente  anticonvencional"
La revista “Rolling Stone” lo definió como “ una isla de  locura que nos ofrece la perspectiva de un mundo en el que lo irreal es normal y viceversa. Su profundo mensaje es bien oscuro: algo acerca de tomarnos demasiado en serio mientras damos vuelta por nuestro territorio”.
    Como todas las personas exitosas, Larson fue muy criticado y demandado legalmente .
Larson declaró una vez a un entrevistador: “Honestamente, nunca fue mi intención ofender a nadie al hacer un dibujo” . Sin embargo, "The Far Side" cosechó toneladas de quejas de pedagogos, lectores, políticos de izquierda y derecha, biólogos, religiosos, abogados, compañías tabacaleras y hasta de Amnesty International.
    Defensores de mascotas  y de los derechos del animal lo han atacado ferozmente cuando vieron dibujos de Larson con gatos colgando de la cola, coyotes despellejados,  perros rodeados de gatos salvajes...Los animales de sus dibujos también a menudo se  vengaban de los humanos.
    Un loro quería ser "La Cotorra de los Baskervilles", mientras un grupo de pececitos discuten seriamente si el castigo corporal debe aplicarse en la escuela.
    Las vacas son el tema predilecto de Larson , que las encuentra “ la quintaesencia del animal absurdo” . Las dibujó posando para una foto frente al Gran Cañón del Colorado,  subiendo a una nave espacial, discutiendo cálculos matemáticos, y burlándose de los humanos mientras fingen vivir comiendo pasto. Hasta unió sus dos temas favoritos dibujando un grupo de cavernícolas arrojando una vaca por el aire para hacer un “milkshake”.
Obsesionado para que se entiendan hasta sus obras más crípticas y oscuras, Larson inventó toda clase de sistemas explicativos: globitos con letras, explicaciones manuscritas dentro del cuadro, explicaciones escritas a máquina fuera del mismo y más... Y siempre nos sigue deleitando con la republicación de los dibujos que hizo anteriormente, que tan claramente hablan los absurdos de la vida misma.
    En una actitud inesperada, y estando en la cima de su éxito, Larson decidió terminar de publicar su humor con la última publicación del 1 de Enero de 1995, para dedicarse a proyectos nuevos, como el estudio de la guitarra de jazz, y libros infantiles como “¡Hay un pelo en mi tierra!”. Tal vez debamos dar Gracias a Dios de que Larson está retirado. Ya está tan bien promocionado  y reconocido, que supongo que si hubiera seguido dibujando indefinidamente, todos nos veríamos obligados a gritar: “¡Mozo, hay un Larson en mi sopa!”
 

(Información basada en los libros ,"The Encyclopedia of American Comics," editado por Ron Goulart,y  "100 Years of American Newspaper Comics", editado por  Maurice Horn, Enciclopedia Microsoft Encarta 2000 , Lambiek Comiclopedia, www.thefarside.com, AskART.com.)

ANTONIO MINGOTE
 

Humorista y gran erudito, Antonio Mingote (Sitges, 1919) se inició como dibujante de humor en 1946, publicando en La Codorniz los chistes de una pareja que pronto se hizo popular. Desde 1953 hasta hoy mismo, ininterrumpidamente, publica un chiste diario en ABC de Madrid.
Al principio no se sabía muy bien si nació para  maestro del humor gráfico o para miembro de la Real Academia. Luego el tiempo demostró que había nacido para las dos cosas. Cuando en enero de 1987 le eligieron académico, Mingote llevaba  muchos años siendo la conciencia irónica de la España contemporánea. No nació en la Florencia del Renacimiento sino en el Sitges del 17 de enero de 1919, y a esa posible decepción se han sumado las de no haber llegado a campeón mundial de salto con pértiga, no dominar el baile de salón como Fred Astaire y no haber alcanzado la gloria como falsificador de obras de Modigliani. A guisa de compensación, los dioses le eligieron para genio del dibujo y del mus. En su día colaborador de La Codorniz y director de Don José, también ha escrito novela, comedia musical y guiones de  televisión. Mingote cuenta con premios como el  Nacional de Periodismo (1981) y el Formentor de Humor y Tolerancia (1984). Es famoso en toda España por su chiste diario en ABC y en Círculo de  Lectores por haber publicado, además de la   Historia de la Gente, Hombre solo, hombre atónito  (1989), Historia del Traje (1990), El Conde  Sisebuto (1993) y La venganza de Don Mendo (1994).
En el acto estuvieron el ministro de Educación y Cultura, Mariano Rajoy, Alberto Ruiz-Gallardón y algunos de los compañeros de Mingote, como Forges, Gallego y Rey, Chumi Chúmez, entre otros.
Autor de las novelas: Las Palmeras de Cartón (1948), incluida en la colección "Las Mejores Novelas  Contemporáneas" de Planeta, dirigida por el profesor Entrambasaguas. En 1991 publicó una segunda novela, Adelita en su Desván (Planeta). "Prensa Española" instituyó en 1967 el Premio "Mingote para Humor y Periodismo Gráfico". Entre otros premios alcanzó el "Nacional de Periodismo" en 1980. Ha escrito algunos guiones de películas, libretos de comedias musicales, textos para radio, una serie para televisión…
Fue elegido Miembro de la Real Academia Española en enero de 1987, leyendo el discurso de  ingreso el 20 de noviembre de 1988. Fue elegido Miembro de la Real Academia Española en enero de 1987, leyendo el discurso de  ingreso el 20 de noviembre de 1988.
Antonio Mingote recibió el premio «Quevedos» en 2001, de manos de Sus Majestades los Reyes el Premio Iberoamericano de Humor Gráfico Quevedos, que en su primera edición ha querido reconocer la trayectoria  profesional de este humorista.
Antonio Mingote, aunque agradecido por el galardón, fue crítico con los profesionales del humorismo gráfico en España: «Este premio significa un reconocimiento,un estímulo y hasta puede que un soborno para los dibujantes de humor (...), porque espero que empuje a los dibujantes a hacer verdaderos dibujos de humor y no sólo chistes».
En 2001, Antonio Mingote junto a  Alfonso Ussía hizo el libro “Patriotas adosados, Diez años de nacionalismo en el País Vasco” , valiente alegato con viñetas de  Antonio Mingote publicadas previamente en el diario ABC y un conjunto de artículos de Alfonso Ussía referentes al problema nacionalista en el País Vasco. Y en él aparece una viñeta por la que querellaron los nacionalista a Mingote en junio de 1994. Acerca de él nos cuenta Castro Bombilla en las paginas de http://www.tebeosfera.com: “En ella, con un demoledor collage, nos mostraba el grandísimo humorista unos dibujados ciudadanos, perplejos ante la visión de la última víctima de los terroristas. Sobre   la tétrica imagen aparecía el eslogan turístico que por aquel entonces usaba el gobierno vasco: «Ven y cuéntalo.» Por supuesto no prosperó. Qué suerte poder querellarse contra los dibujos o  escritos que molestan u ofenden. La víctima de aquella foto no pudo hacerlo...Qué lástima que los asesinos no sepan dibujar ni escribir.”
 

 [ Más información sobre Mingote y Ussía en la red internet: ]
Artículos
http://www.fgua.es/Museo/Humorista%5CMINGOTE.htm
http://www.circulolectores.com/Contenido/Autores/Autor.asp?Codigo=8337
http://servicios.nortecastilla.es/pg011220/suscr/culturf05.htm                  http://www.abc.es/cultural/semanal/semana/fijas/libros/escaparate_023.asp+antonio+mingote&hl=es                   http://www.cyberpadres.com/tiempo_libre/carteleras/fetiche/mingote/1parte/mingote.htm
http://www.larazon.es/ediciones/anteriores/2001-12-20/noticias/noti_cul05.htm
http://es.news.yahoo.com/011219/4/1o79w.html
http://www.estrelladigital.es/suplementocult/secciones/libros/docs/libro6.htm  http://www.planetadeagostini.es/noticias&id=64936              http://ssl.canalpyme.com/pedicionesb/ASPS/notasprensa.asp?codlibro=2086&codnotaprensa=3
http://www.correos.es/30/10/3010_n5.asp?op=3010n5
http://www.fundacionoperaprima.org/asesoria/as_present2.htm
http://www.arrakis.es/~infanzon/burgo653.html

Entrevistas
http://www.el-mundo.es/motor/MVnumeros/97/MV006/MV006mingote.html
www.el-mundo.es/motor/MVnumeros/98/MV077/MV077chumy.html

Cursos, conferencias, exposiciones
http://www.clubcultura.com/clubhumor/quino/prehome/quevedo.htm
 http://www.leandro-navarro.com/publicaciones.html
http://www.el-mundo.es/1999/10/28/cultura/28N0111.html
http://www2.alcala.es/asi/stereo/tiosam.htm
 http://www.asenmac.com/galeriammacias/index2.html

 Otros
http://www.elmundomotor.com/elmundomotor/2001/06/26/seguridad/993572131.html
http://www.cnice.mecd.es/mem2000/mitologia/Mitologia/1mingote.htm
http://www.udel.edu/leipzig/texts/abb03076.html
http://www.iies.es/montes/publicaciones1.htm
http://www.cwquijote.com/Otras_Secciones/La_Coleccion/Coleccion.html
http://www.g-santalla.com/Pt1h1m01.asp?or=447

Cinematografía
http://www.granavenida.com/labutaca/creacion/losmayor.htm

GUILLERMO MORDILLO
 

Guillermo Mordillo nace el 4 de Agosto de 1932, en Argentina, hijo de padre español. Vive  su infancia  en Villa Pueyrredón, en la ciudad de Buenos Aires.
Desde los 6 años, sus familiares lo consideran "el dibujante de la familia".
Más tarde, empieza a dibujar tomando como modelos a maestros como Eduardo Ferro (creador de personajes inolvidables como "Langostino", Bólido", "Chapaleo"), Dante Quinterno ("Patoruzú"), Divito ("El otro yo del Dr. Merengue"), Oski ("Las Tablas de Salerno") Lino Palacio ("Don Fulgencio") y José Luis Salinas.
En 1944, se hace ferviente hincha de FerroCarril Oeste, y el club de sus amores honra su carrera elogiando al dibujante en la página web de Ferro.
En el ámbito profesional, Mordillo trabaja en ilustración, historietas y en publicidad, e ilustra cuentos de Charles Perrault..
Algunos de sus trabajos son publicados en la revista "Peter Pan", de Editorial Codex.
Allí realiza las ilustraciones de las tapas (luego las dibujaría otro grande de la historieta argentina: el uruguayo Alberto Breccia), y las historietas "Hociquito Peter" y "El Conejo Fosforito", con guiones de Aldo Camarotta.
Trabaja también en "Producciones Ubaldo Galuppo", estudio de dibujos animados publicitarios, en el barrio de Caballito.
En este período ilustra 4 libros de cuentos infantiles.
En 1955,un amigo le consigue un trabajo de publicidad en la ciudad de Lima, en Perú. Mordillo planea trabajar allí por tres meses, pero se queda cinco años.
Siguiendo un viejo sueño suyo de realizar dibujos animados "a la manera de Disney",
en 1960 parte de Lima a Nueva York. Mordillo cuenta con 28 años de edad.
Trabaja un año empleado en los estudios de animación de PARAMOUNT PICTURES,  desempeñándose como "in betweener" (o "asistente de animación": su función consiste en realizar los dibujos "intermedios" entre poses extremas. Esos dibujos una vez filmados "cuadro a cuadro", dan el efecto óptico de movimiento)
No es lo que él espera, ya que la "manera Disney" es reemplazada por una animación
limitada, menos cuidada y más pensada en la "producción" que en la "calidad".
Abondona la PARAMOUNT PICTURES luego de trabajar en la película de Popeye , y se dedica a ilustrar tarjetas de felicitación.
En 1963, si bien posee la "Green Card" (permiso para trabajar en USA) y una buena posición  económica, Mordillo decide probar suerte en Europa.
El 26 de agosto de 1963, aterriza en Madrid. Se queda unos días allí, pero mucho no le gusta, la  España franquista. Decide viajar a Francia, con planes de saltar luego a Londres. Llega a la "Ciudad Luz", a París, en tren. Se aloja en un cuarto pequeño, sin demasiadas comodidades ni lujos. Presenta sus "tarjetas de felicitación orteamericanas" en una editorial francesa, y no lo aceptan. Sin perder las esperanzas, se presenta en otra editorial: consigue un trabajo dibujando tarjetas de felicitación.
Pasados 3 años, decide pedir un aumento de dinero por sus dibujos, no se lo dan
y encima queda en la calle.
Un amigo le sugiere dibujar chistes para la prensa.
Como no habla muy bien el francés, realiza chistes mudos.
Sus trabajos cada vez adquieren mayor éxito, y comienza a publicar en diversas revistas, como "París Match", "Lui","Marie-Claire", "Pif Gadget", etc. Al pasar al ámbito de la revista, comienza a utilizar su "fuerte", que es la aplicación del color en sus obras.  Sus personajes son blancos, para que contrasten con el color del fondo.
De esta manera, nace el "Mordillo humorista", que se destaca porque su obra llama la atención con redondeles por todas partes, forma emblemática de atracción , según la teoría de la Gestalt aplicada al arte.   En idioma francés, pubica obras en las editoriales  "Kangourou", "Glénat", "Harlin Quist", "Vents d'Ouest",etc.
En París, Mordillo conoce a Amparo, su mujer, y tienen dos hijos: Sebastián y Cecilia.
Entre 1974 y 1975, algunas de sus páginas se publican en Argentina, pero su
nombre se pierde entre la gran cantidad (y calidad) de colaboradores.
Una de esas revistas es "Mengano", en donde comparte cartel con Quino, Oski,
Roberto Fontanarrosa, Carlos Trillo, Alejandro Dolina, etc.
La otra es la revista "Media Suela", y allí vemos a Mordillo junto a Alberto Breccia, Patricia Breccia, Geno Díaz, Oski, Viuti, Maicas...
Tras haber logrado un techo profesional, y cansado del mal tiempo parisino,
Mordillo emigra a España. Se muda a una casa en una colina, frente al mar,
en Palma de Mallorca. Pero en la actualidad, reside en Mónaco.
Sus dibujos (con sus referencias al club Ferro y a la parcialidad verdolaga) son publicados en revistas de todo el mundo, como: Italia, Francia, Inglaterra, Alemania, España, Portugal, Bélgica, Rusia, Grecia, y el resto de Europa; en Japón y diversos lugares de Asia; Australia; Estados Unidos, Canadá, México, Brasil y toda latinoamérica.
En Argentina, sus trabajos se publican (desde 1997) todos los domingos en la revista del diario "La Nación". De esta manera, sus dibujos llegan por primera vez al público masivo argentino.
Con anterioridad, fueron publicados también en una revista de poca duración
 llamada "Magazine" (de Editorial Perfil), junto a Quino, Carlos Nine, R.Fontanarrosa, Tabaré, Rep, Carlos Ulanovsky y otros, en 1985.
Un estudio de animación alemán, realiza una serie de cortos animados basados
en sus chistes. En Argentina se conocen en 1988, como separadores
en un canal de televisión abierta. La gente en la calle se pregunta:
  "¿Qué es Mordillo?".
Libros que recopilan sus trabajos, "Puzzles" ("Rompecabezas"), muñecos de peluche,
posters, tarjetas de felicitación, agendas, anotadores, señaladores, llaveros
de sus personajes anónimos son más que populares en Italia, Alemania,
Francia e Inglaterra. En Argentina no se conocen...
El libro "Mordillo Football", que recopila sus trabajos referentes al Fútbol,
fue lanzado con motivo del Mundial de España de 1982. El libro se encuentra prologado por Pelé (un gran admirador de su obra). Mordillo les dedica el libro a los que él considera sus grandes maestros: Al maestro Eduardo Ferro (ver al comienzo de la biografía) y a otro  gran dibujante argentino: a José Luis Salinas (dibujante de "Cisko Kid" para  la KING FEATURES SYNDICATE, y de numerosas ilustraciones con tintes históricos).

Mordillo admira la obra de Carlos Nine,Quino ("Mafalda"), Sempé ("El Pequeño Nicolás"), Bill Waterson ("Calvin & Hobbes"), y el recientemente fallecido Charles Schulz ("Snoopy").
Mordillo tiene una gran cantidad de seguidores de su estilo entre los dibujantes
en Argentina, muchos de ellos surgidos de la cantera de la "Escuela de Dibujo Humorístico Carlos Garaycochea".
El dibujante Matt (que también publicó en su oportunidad en "La Nación")
y el dibujante Gelmi son los que más se acercan al estilo del maestro.
Una vez al año, Mordillo regresa a Buenos Aires para visitar a su familia argentina
...y para ver algún partidito de Ferro.
Fue el  dibujante de humor más publicado del mundo en la década del ´70. En  los últimos 20 años , se dedicó casi exclusivamente al humor gráfico  y  las ilustraciones infantiles .

Entre sus distinciones , se encuentran :
Yellow Kid, Italia, 1974.
 Premio Nakanoki, Tokio, Japón,  1977.

Condecoraciones recibidas:
Palma de Oro, San Remo, Italia, 1978-1983.
 
 Libros publicados:
"El Galion" - 1970.
"Crazy cowboy" - 1972.
"Crazy Crazy" - 1974.
'Les Girafes'
'Mordillo Cartoons Opus I y II y III.
 

Nota basada en los "Apuntes para una biografía de Mordillo" publicada en "Mordillo: Ferro Toons"
(http://ferrotoons.8k.com), un sitio dedicado a Mordillo y su pasión por Ferro Carril Oeste, realizado por el dibujante César da Col.

Fragmentos de entrevistas a Mordillo:

INCONCIENCIA TRANQUILA

 "Hasta muy entrado en años yo tuve lo que llamo la  inconciencia tranquila.
  Yo hablo de inconciencia tranquila, porque nunca  supe bien por qué me fui de aquí a Lima y de Lima  a Nueva York. Me dejaba llevar por el viento, nada más, pero no me detenía a pensar. Ahora, a  distancia, me parece una locura .
  En Estados Unidos pensé que La Meca era Europa. Yo soy hijo de español, y no sé si la sangre tira, pero se me dió por cruzar el Atlántico e irme a la aventura.
Como en Argentina y en Perú, volví a dejar una buena situación económica. Cuando les dije a mis amigos norteamericanos que me iba a Europa para quedarme pensaron que estaba loco. No, pero yo seguía teniendo la inconciencia tranquila."
Guillermo Mordillo, La Maga, 1992
 

CÓMO IDEA CHISTES MUDOS

"Yo hablo (mal, con acento) cuatro idiomas: italiano, francés, inglés y castellano. Pero hay un quinto idioma, el de la escritura en imágenes, que lo hablo a la perfección. Escribo con imágenes y, sin haberlo premeditado, me entienden los turcos, los soviéticos, los americanos, los argentinos.
Primero escribo mis ideas en un cuaderno y las enumero. Estoy por llegar a la idea número 3500, pero sólo realicé 750. A medida que las dibujo, voy tachando y algunas no las haré porque no me parecen buenas.
¿Cómo se escribe una idea para dibujar? Como si me enviara un telegrama a mí mismo...."pareja recién casados sale de iglesia, descienden escalinatas; al pie de la escalera se dan la mano y cada uno se va por su lado". Es un ayudamemoria."
(Entrevista de Carlos Ulanovsky, 1988)
 
 

ANTÍDOTO SOLEDAD DE NAÚFRAGOS

"Tengo una varita mágica con la que puedo realizar el más viejo sueño de cada ser humano: comunicarse y hacerse querer. Los que analizan mis dibujos dicen: "Mordillo nos aborda la actualidad". Pienso que se equivocan, que hago una actualidad más permanente: el tema de la soledad. Hablar de la soledad del ser humano es hacer actualidad. Diez  mil años para atrás y 10 mil para adelante va a ser un tema vigente. Y porque también como individuo que estuvo a 15 mil kilómetros de distancia de su país y sin conocer el idioma, sentí mucho la soledad. Además, no sentirse solo en el mundo de hoy es un acto de inconsciencia.
Suelo decir que el humor es la ternura del miedo. Del miedo a la soledad, miedo a no comunicar, miedo a no entender el sentido de la existencia, miedo a ser injusto con los demás.
Posiblemente se piense que hacer chistes de naúfragos es una solución fácil. Yo hice algunos pero le conferí ciertas cartas de nobleza. Por ejemplo, hay uno en el que el naúfrago se imagina que su isla son las rodillas de una mujer hermosa que duerme bajo el mar. Y aún para un naúfrago vale esto: un hombre no está solo si lo acompaña su imaginación.
Cualquier muchedumbre evidencia la soledad."
(Entrevista de Carlos Ulanovsky, 1988)
 

CARLOS NINE:
Magia en el papel
 

Cuando uno encuentra una ilustración que sorprende, asombra, y se parece más a algo que hemos soñado que ha algo que hemos visto, es que se  trata de una obra de Carlos Nine. Hay ilustradores  humorísticos que se destacan por sus ideas brillantes, otros  por su manera de colorear, otros por su prolijidad, otros por su técnica. Nine descolla en todo esto, pero impresiona más aún con la maestría y soltura del dibujo – líneas curvas y elásticas como juncos - y por su manera  tan personal de colorear sus obras, con brillos vivos,  volúmenes voluptuosos, halos y volados desplegados.
Nine  te meted cabeza en un universo mágico y surrealista, raro, que no es de este mundo.
Nine aprovecha la  textura del papel, del lápiz , del pincel y de la tinta para ponerle color a sus cosas. Como resultado, salen personas, personajes y animales absolutamente delirantes, oníricos, como si el mundo interior de Nine se pareciera más a las doradas bambalinas de un antiguo teatro barroco que al mundo lleno de sol e hijos del arbolado suburbio del norte de Buenos Aires que habita.
Su currículum es tan frondoso que impresiona. Todo parece indicar que Nine no come ni duerme y que dedicó cada minuto de su vida a dibujar. No es tan así : sucede que dibujar le sale tan fácil como respirar. Eso se percibe tanto en la calidada de su obras, como en su fantástica producción internacional.
Es uno de los pocos argentinos que publicaron en la  prestigiosa revista The New Yorker, y uno de los  pocos latinoamericanos que publica asiduamente en Taiwán,  con excelentes resultados.
Autor de sus propios guiones, busca una línea de guión negro, satírico y duro que suele adaptar a los requerimientos editoriales del país que lo contratan.
Fui su alumna en un curso de acuarela que dictaba en la escuela  de arte de Hermenegildo Sabat en San Telmo, barrio antiguo de Buenos Aires , y la verdad es todos íbamos soñando con verlo trabajar en vivo, cosa que nunca accedió a realizar.
Nine es un indiscutido artista del pincel, reconocido por legos y colegas, que usó el arte para meterse en el mundo del cartoon , y que llegó a ser popular, ya que no hay ni librería ni kiosko argentino que no exhiba alguna de sus obras.
Selecto y popular, fantasioso pero realista, reconocido internacionalmente pero modesto y accesible , Carlos Nine es alguien que talló su  estilo propio como una marca en el orillo : sus dibujos son tan  personales que firmarlos sería una obviedad: “Un Nine es un Nine es un Nine” .
Este es su propio currículum personal, que no para de crecer. Aunque sus obras no son de este mundo, su currículum abarca el planeta :

Carlos Nine nació en Buenos Aires, Argentina, el 21 de Febrero de 1944.
De formación académica, estudió en las Escuelas Nacionales de Artes Visuales Manuel Belgrano y Prilidiano Pueyrredón, respectivamente.  Ha hecho ilustraciones, comics, cine de animación, pinturas, esculturas y es también autor de libros y obras de teatro.
Su obra ha sido publicada en la Argentina, el Brasil, México, Estados Unidos, España, Italia, Francia, Inglaterra, Bélgica, Alemania, Taiwan, Hong Kong y Macao.
Ha tomado parte en numerosas exhibiciones (tanto colectivas como individuales) en Buenos Aires, Córdoba, Mendoza, Rosario (Argentina), Treviso, Lucca, Milán, Roma, Nápoles y Boloña (Italia), Barcelona, Madrid, Sevilla (España) y Bruselas (Bélgica).
Se cuentan entre las más célebres las de Sátira Política (Italia, 1983),  Primer Encuentro de Humoristas Gráficos Latinoamericanos en España (1984) y la Sexta Muestra de la Historieta en Nápoles (Italia, 1984).
Ha recibido variedad de premios:  en la Quinta y Sexta Bienales de Humor Gráfico e Historietas de Córdoba (Argentina, 1984 y 1986), Mejor Dibujante Extranjero en el Salón Internacional del Comic en Barcelona (España, 1988),  Primer Premio Adquisición en el Concurso Internacional Gianduja (Turín, Italia, 1988),  Primer Premio Adquisición en el Concurso Internacional organizado por la Escuela Panamericana de Artes (Buenos Aires, 1989),  el Premio Pleyade (otorgado por la Asociación Argentina de Editores de Revistas, 1990),  Silver Clio, ilustración (International Clio Awards, Nueva York, Estados Unidos, 1993), Caran D’Ache al mejor ilustrador (Roma, Italia, 1995).
Ha realizado exposiciones individuales en galerías y salas de Argentina, en las ciudades de Buenos Aires, Rosario, Mar del Plata, y Córdoba.  En Europa, en la galería Nuages (Milano, Italia), Lizard (Roma, Italia), en la galería Sans Titre (Bruselas, Bélgica), y en las Ecole Superieur de L’Image de Poitiers y de Angouleme, ambas en Francia
Sus ilustraciones para público infantil fueron seleccionadas y expuestas en cuatro ocasiones (durante los años '90, '94, '96, 2000) en la Feria de Ilustración Infantil de Bologna, Italia.
Sus historietas han sido publicadas en las revistas "Fierro" y "Humi" ( Argentina)
"L' Echo des Savannes" (Francia), "Il Grifo", "Comic Art", “Blue”, (Italia), "U-Comix"
(Alemania), "Zona 84" y "Co & Co" (España), “Heavy Metal” (USA).
Ha publicado, como autor : "Meurtres et Chatiments" (Albin Michel, Paris 1991),
"Fantagas" (Delcourt, Paris 1995),  "Keko el Mago" (Colihue, Buenos Aires 1996),
“Saubon, le canard qui aimait les poules”” (Albin Michel, Paris, 2000), “Gesta Dei” (Amok, Paris, 2001), “Oh merde, le lapins!” (Les Reveurs des Rhunes, Paris, 2002).
También ha ilustrado gran cantidad de libros infantiles, entre ellos "Much Ado About Nothing" (Grimm Press, Taiwan), “Swan Lake” (Grimm Press, Taiwan), "El Topo Amable" (Aike, Argentina),  "¡Que Animales!" (Sudamericana, Argentina), “El Príncipe Feliz” ,Wilde-Borges (Emecé, Argentina), “Three Bears” ( Harcourt Brace & Co., USA).
Desarrolló cursos o seminarios en institutos, escuelas y universidades de su pais y también en Francia (Angouleme).
Ha colaborado en diarios y revistas, entre los que cabe destacar  “Sur”, “El Periodista”, “Clarín”, “La Nación”, “Noticias”, de Argentina, “Le Monde” (Francia), “La Modificación” (España),  "The New Yorker" (Estados Unidos).
En el año 2001 ganó el premio al mejor libro de autor extranjero traducido al español
en el Festival de Angouleme (“Le canard qui aimait les poules”), y el premio al conjunto de la obra otorgado por La Escuela Superior de la Imagen de Angouleme, que posibilitó concretar sendas exposiciones y talleres, en esa ciudad, y en Poitiers.
 

 PEPO

(Extraído del Libro Caricaturas de ayer y hoy, por Luisa Ulibarri, y editado en la colección "Nosotros los Chilenos" de la editorial "Quimantu" el 16 de noviembre de 1972).

Este muchacho tímidamente un día se acercó a las puertas de la mítica revista Topaze, portando unos borradores de dibujos en la mano. "Si..., no está mal, no está mal... - le dijo Coke, aludiendo a
los monos-. Pero falta que ejercites más..., que sueltes tu mano..."
Corría el año 1932, y para el joven provinciano que había abandonado los estudios de Medicina de la Universidad de Concepción, era todo un riesgo, y al mismo tiempo una aventura, incursionar en el mundo del dibujo humorístico. René Ríos Boettiger se armó de paciencia y tenacidad, y siguió los consejos de Coke. Dibujaba de día y de noche, e incluso se matriculo en la Escuela de Bellas Artes. Un día en que estaba apurado de plata, mandó un dibujo a una revista, y por extraño accidente, el mono salió publicado en las páginas centrales.
Era el comienzo de la carrera de Pepo. Su "primera vida" en el mundo de la caricatura política.
  Recuerda que el seudónimo vino porque de niño era tan gordo que parecía un barrilito : "Un Pipón. Y me decían Pipón. Un Pipón que se transformó en Pepo cuando nació Condorito".
  Pepo trabajó más de 20 años en Topaze animando las portadas, los dibujos de las páginas centrales, en una esquina, en una tira cómica como lo fue "Don Gabito". El aludido presidente, Gabriel González Videla, un día se refirió a la tira : "Me capta tan bien, que logra mostrar mis más reservados propósitos. Muchas veces he deseado deslizarme por la baranda de la escalera del palacio presidencial, o colgarme de una lámpara". Don Gabito tenía una exagerada dentadura que lo hacía sonreír de oreja a oreja, aun en los momentos más difíciles. La banda, cruzada al pecho, terminaba arrastrándose en el suelo, presumiblemente porque le quedaba muy grande.
  Su autor había nacido en 1911 en Concepción, en una familia numerosa. Niño rubio, de ojos azules y muy gordo, Pepo dibujaba hasta en las paredes o en las sábanas de la cama, en los latosos períodos de las enfermedades infantiles. Junto a paperas y peste cristal nació la serie "Fernando hace la cimarra", basada en un primo de Pepo.
  Tan orgulloso se puso su padre, que llevó la serie donde un amigo, en el diario El Sur de Concepción, y por primera vez Pepo fue publicado. De saber el papá que esta afición lo iba a hacer abandonar los estudios de  Medicina, no habría sido tan entusiasta.

  Los Comienzos
  Como ya era algo conocido en Concepción, los diarios publicaron: "Con su estuche de dibujante bajo el brazo, en reemplazo de la Anatomía de Testut, y vencida la esperanza de ser médico serio, René Ríos partió a Santiago a empezar sus estudios de dibujo en la Escuela de Bellas Artes". Al año siguiente Pepo inauguraba una exposición de caricaturas de artistas de cine en el salón de música de Hans Frey. Greta Garbo, Marlene Dietrich y Clack Gable estaban allí.
  Estas exposiciones eran escapadas del tema político. En este sentido, Pepo encontró en Alhué el compañero ideal. En 1936 realizaron una exposición en la casa Spoerer, mostrando más de 50 cartones que aludían a la vida santiaguina y a personajes internacionales. Las Ultimas Noticias comentaba: "Pepo y Alhué son dos jóvenes que han tenido la rara idea de dedicarse a la caricatura. La caricatura no es una profesión seria. Es algo que está destinado a la risa. Y una cosa que causa risa en nuestra ciudad de Santiago, es algo que no da una posición social, ni una fortuna".
 

  Nos Sentíamos Millonarios
  Cuando Pepo debutó en Topaze vivía de una mesada de $ 100 al mes que le enviaban sus padres. Coke ofreció  pagarle $ 80 a la semana, y Pepo casi se desmayó. Significaba que triplicaba sus platas, y que definitivamente  había ingresado a la planta de Topaze. Sobre situación previsional de los dibujantes, el director no se pronunciaba.  El caricaturista ganaba más en la medida en que producía más. Y si se le ocurría enfermarse, operarse o ir al  dentista, cosa suya no más era correr con los gastos. Hasta el año 72 eso no había cambiado. Los dibujantes de  los medios de comunicación se acogían a la categoría D en los aranceles del Colegio de Periodistas. Son un agregado de otra profesión. Y sólo por la iniciativa de un grupo de dibujantes de Quimantú, se creo un sindicato.

  Dice Pepo:

  - En todo caso, si llegábamos ha quedar en el ambiente, nos sentíamos millonarios. Éramos despistados, con poca  alma de funcionarios. Total un día dibujando por aquí, otro por allá. Yo mandaba ilustraciones al El Sur, para el  cuento dominical, y matizaba esto con la caricatura política, hasta que terminé hastiado de este mundo, de puro  conocerlo tan de cerca. Yo siempre andaba con mi lápiz y mi block, y en cada comida o reunión tomaba apuntes  de los rasgos de los hombres públicos. Porque copiar de una fotografía no le agrega alma al asunto.

  Ya por 1945 Pepo producía humor político un poco a la  fuerza. Por esa época surge el viaje de Walt Disney a  América Latina, con la idea de buscar personajes para su  película "Saludos Amigos". Disney inventó un Pepe Carioca,  un Pancho Pistolas para Brasil y México respectivamente, y  dejó a Chile con el avión Pedrito. Como Pedro encontró muy  pobre a nuestro personaje, inventó a Condorito.

  Uno de los principales méritos de Pepo, al crear este  personaje, fue el de dejar un símbolo, y al mismo tiempo, un  símbolo que reivindicó a la historieta chilena, en un momento  en que se venía encima el aluvión del comic norteamericano. “Pensé en nuestro escudo, pensé en el huemul y el cóndor, pense que entre las dos figuras el condor estaba más cerca de lo que somos
  nosotros. Porque a pesar de que Don Arturo Alessandri decía que  nuestro país estaba plagado de huemules y en la política, la especie esa como que se estaba extinguiendo. Preferí el cóndor.”
  Hasta el nacimiento de Condorito, la tira cómica importada,  no había invadido con tanta fuerza como ahora a los medios  de comunicación masiva. Sin embargo, lo poco y nada que  había en la páginas de historiestas de nuestros diarios era  de procedencia norteamericana. Y esto, por varias razones :

     1.A los editores nacionales de periódicos les convenía mucho más pescar un par tijeras y recortar las series extranjeras para reproducirlas, antes que pagarle a un dibujante.
     2.Al parecer en Chile nadie había descubierto (y de hecho hoy son muy pocos) la posibilidad de penetración ideológica que se daba a través de los aparentemente inofensivos comics. Se les consideraba entretenidos y punto. Y la entretención venía de fuera, y metía escalas de valores, pautas de conducta y normas muy ajenas a las nuestras.

CONDORITO

Historia

  Condorito apareció por primera vez en al revista Okey en 1948.

  Cuando Pepo lo inventó tenía en mente representar al Chileno medio, un chileno con la talla en la boca, medio pateperro, trabajando en mil y unas cosas distintas (le gusta mucho pasar por el manicomio) e insiste mucho en pinchar con Yayita. Pero nunca se va a casar con ella, ya que según Pepo se acabaría la historieta.

  - La verdad es que cuando un inventa un personaje -declara Pepo-, nunca piensa mucho en como va a ser, qué ideología va a proyectar, ni cual va a ser su mundo de relaciones. Condorito se fue formando a medida que empezó a aparecer en la revista Okey. Al principio era mucho más chato y flaco. Era más cóndor. Sin embargo, vivía entre humanos. Creo que éste fue el rasgo que lo diferenció de los personajes de Disney, que viven en un mundo aparte del irreal. Condorito es un rotito que vive situaciones divertidas en su barrio, en su mediagua, en el campo, en la playa o en el barrio alto. En cualquier parte. Con el avance de la ciencia, hasta en la Luna, Marte o Internet.
  "Yo creo que el mérito que tiene Condorito es no meterse nunca en política, y en ser bien chileno. De repente empezaron a poblar su mundo una serie de personajes, que permanecen hoy en la historieta. Muchos de ellos,  inspirados en la gente que yo conocía: el Comegato, por ejemplo, era un pescador del puerto de Caldera, con una  cara de gato que no se la podía y que se alimentaba de gatos. Fue un gran amigo mío y murió en 1964...

  "El Compadre Chuma..., bueno, uno siempre tiene un compadre que en los tiempos duros le tiende la mano. Don Chuma existió en un momento de mi vida. La Yayita no era ni mi novia, ni mi señora. Lo único que tomé de un familiar (de mi cuñada) fue su nombre. Y el Roto Quezada... ¡Ah, esa es una historia conocida y bastante desgradable! El Roto Quezada era un funcionario del Casino del Club Militar. Un día fuimos a comer allí con mi mujer y este hombre la insultó. Hubo un incidente muy bochornoso, y desde ese momento decidí vengarme de él.  "Muera el Roto Quezada" fue el lema que persiguió al militar hasta el día de hoy.

  Recuerdo que una vez llegó a mi oficina un conocido de ambos, y me dijo que don Washington Quezada había muerto. Que no siguiera molestando. Yo por respeto decidí borrarlo un tiempo, pero cuando me enteré de que este diablo estaba vivito y coleando, arremetí. Por un amigo supe que lo habían trasladado al Hospital militar a cargo de la alimentación de los enfermos. Coincidió esto con la época en que desapareció la carne en el hospital. Entonces reinicié mi descarga contra el "Roto", titulando con grandes letras en "El Hocicón, diario pobre pero honrado", que el "Roto" se había comido toda la carne de los enfermos.

  Otros personajes eran: Pepe Cortisona, don Cuasimodo (el padre de Yayita), Chuleta, un amigo que jamás logra ganar un partida de ajedrez, y Washinton, el perro, muy ligados su nombre y su misión a la del Roto Quezada.
  La revista Condorito fue editada por la Editorial Pincel, pero como esta tuvo problemas se la vendió a Zig-zag, que como también tuvo problemas, le vendió los derechos a México.

  Condorito será la mascota oficial del lanzamiento de la nueva versión del sistema operativo de Microsoft, Windows 98 en español. La campaña de promoción con estos personajes se iniciará el primer trimestre del 98, partiendo con el navegador Internet Explorer 4.0 (¡Puag!) y posteriormente incluirá Windows 98, donde aparecerá, además, en la carátula de la caja.

  Hemos oido que a Condorito se le está dibujando con zapatillas y jeans. Ojalá con esta internacionalización, no se le siga deschilenizando.
 

Por Jaime Huerta
 

  Quedamos -los antiguos seguidores de Condorito- con un sabor amargo sobre el deceso de René Ríos alias Pepo  en dos sentidos: primero, su muerte física acaecida en julio de este año (2000) y segundo, el escaso tributo gráfico  proporcionado por editorial Televisa a través de la publicación de su colección 2000, quedamos -insistimos-  esperando que el tributo fuera una recopilación de los mejores trabajos del artista ya que éste no se limitó  solamente a Condorito, en ello otros personajes como 'la Viborita' de la revista 'El Pingüino', 'Don Rodrigo' de 'Pobre  Diablo', 'Don Gabito' -una sátira al ex-Presidente Gabriel González Videla- en la ya mítica 'Topaze' de Coke (Jorge  Délano Frederick) en fin, y tantas ilustraciones de aquí y de allá en la decena de medios que colaboró Pepo en la  edad de oro del comics chileno ('50-'60).  Por ello, ver las reproducciones del equipo de dibujantes y no colaboradores (ya que  Pepo hace más de diez años que había dejado de dibujar a su más célebre  creación) fue precaria, ya que éstos se tomaron la molestia de copiar los trabajos  empastados del maestro en los primeros volúmenes de la revista, y a ratos, copiando  con lápiz 'acuarelable' dejaron mucho que desear sobre la calidad tanto argumental  como gráfica de lo que había realizado el  dibujante fallecido. Y peor aún para esta  menuda situación ya que éstos tienen  acceso directo a los originales de Ríos por  su estecha relación con su hijo, quién  representa los intereses de Pepo frente a  este coloso editorial, cuál es Televisa.
  Allá quedamos, con la publicación del  especial, esperando una biografía en serio  sobre René Ríos. Sin embargo encontramos  más referencias y fotografías en la prensa  diaria que en el producto que lanzó al  mercado su 'consorte' editorial. En fin, de  los lejanos días de 'El Peneca' y el  fallecimiento de Coré (Mario Silva Ossa) su  dibujante y portadista, de la muerte de Coke  (el cineasta, pintor, caricaturista) fundador  de 'Topaze'; se va otro gran dibujante en  silencio vestido por el marketing ajeno de  una editorial foránea. Por este y muchos  otros aspectos vaya este ramillete de rosas blancas con cariño para él y su personaje de quiénes albergamos el  mismo germen que lo vio nacer en décadas pasadas."
Jaime Huerta
 
 

Nacido en Santiago, 1971, periodista, locutor y dibujante de profesión, su    tesis para el grado en comunicación social la versó sobre 'El Colegio de  Periodistas de Chile: Desarrollo y Perspectivas' primera obra en su tipo.  Trabajo por varios años en el departamento de prensa de 'Radio Nacional'  de Chile. Fue locutor, además, en 'Radio Viva' FM, locución comercial.En el rubro dibujo, hizo un curso de caricaturas e historietas en la 'Moderns  Schools Inc', concursando en el primer certamen nacional del 'Centro de Comics', siendo publicado su trabajo en el anuario de clasificados. Colabora para esta revista, hoy día, con entrevistas a connotados del dibujo en Chile.

QUINO
 

    Las tiras cómicas de Quino fueron la primer lectura infantil de casi tres  generaciones de argentinos.
La vida diaria de la familia de la sagaz Mafalda atrapaba la atención de todos los que fuimos chicos en los años ´60. Ya entonces  deleitaba a nuestros padres y más tarde fascinó a nuestros hijos.
Para mi fue emocionante compartir el escenario con Quino en la multitudinaria Mesa Redonda del Humor de la Feria del Libro de Buenos Aires en Abril de 1996.
    Frente a un publico ansioso por escuchar a Quino hablar de sus creaciones, me sentí un poco desubicada en un lugar demasiado grande para mí . Supongo que fui invitada a compartir el escenario con él  y los dibujantes Caloi, Nik , Peni y Fontanarrosa porque en ese  momento yo estaba por ser conductora de un programa de televisión que había sido muy promocionado, y el editor de Quino supuso que sería famosa y que podría vender bien los libros que me publicara . El programa no salió al aire, no fui famosa, y por ende, no me publicaron  ni un libro de humor.
De todos modos, la conferencia valió la pena porque conocí a Quino personalmente.
    Es una persona tan callada, amable, tímida y educada que hasta pareciera querer pasar desapercibido. Cuando firma ejemplares en la Feria del Libro, la gente hace colas kilométricas delante de su stand. Es más, cuando uno ve la cola salir hasta la calle,  en seguida sabe “ En la punta está Quino”.
    Creo que Quino es el epítome del dibujante: siempre parece sentirse fuera de lugar si no está detrás de su escritorio con un lápiz en la mano, haciendo lo que más le gusta en la vida.
    Es muy reservado, y no le gusta dar entrevistas, en parte porque lo cansan, en parte porque siempre está ocupado o cansado de escuchar siempre las mismas preguntas y en parte porque no necesita más prensa : ya es el más famoso.
    También es  muy celoso de su trabajo, y le indigna ver que alguien use sus personajes de una manera que desaprueba.
    En una entrevista que le hizo Lucía Iglesias Kuntz, para la revista El Correo de la UNESCO, explicó : “ No creo que el humor pueda cambiar algo, pero algunas veces puede formar ese granito de arena que sirve como catalizador para el cambio” .
    Joaquín Salvador Lavado, mejor conocido como Quino, nacido en la provincia de Mendoza en 1932, en el seno de una familia de inmigrantes andaluces se conoce como “ el mayor dibujante latinoamericano del siglo” .
    Sus diez libros sobre Mafalda han sido traducidos a 20 idiomas  y publicados en diarios y revistas de todo el mundo. Quino dejó de dibujar a Mafalda en 1973  para dedicarse a un humor cáustico que siempre lo caracterizó: “Es un bisturí en lugar de cosquillas en la panza” , como lo define él mismo.
    Dibuja meticulosamente  en blanco y negro, con cantidad de detalles profusos, enfocándose en las relaciones desparejas de poder, la desigualdad social y la degradación ecológica del medio ambiente. Temas que él mismo admite que no tienen nada de gracioso.
    “El humor es universal”, dice Quino. “ Las connotaciones locales varían, por supuesto, especialmente en humor político. Pero un mismo chiste puede aplicarse a Franco en España, a Fidel en Cuba o las  dictaduras militares en Latinoamérica. En los chistes acerca de comida, lo que decidimos acerca de la carne en la Argentina, puede  aplicarse a lo que los japoneses dicen del arroz. Escuché que un actor americano se enamoro de tal forma de cierta forma de humor japonés que decidió aprender japonés y exportar ese humor a Estados Unidos. Cuando en el  chiste japonés mencionaba una trata de cereza, el lo cambió por una pizza  para que el lector entienda el chiste. El humor funcionó igual".
    Hablando de porqué no  publicó sus libros en ingles, Quino dice: “ Creo que los ingleses tienen un humor visual mucho más rápido que el mío. Yo hago hincapié en los detalles y un lector siempre tienen que fijarse en por qué puse tal o cual cosa. Si dibujo un diario, escribo esas en el para que haya un  código  con los lectores. Mucha gente no nota estos detalles. A Mafalda  los ingleses la  vieron “ demasiado latinoamericana”.
    “Lo que más frecuentemente se encuentra en mis trabajos es la relación entre  los débiles y los poderosos, las relaciones entre gente poderosa y gente común. Crecí en  una familia muy politizada . la guerra Civil Española y el auge del fascismo fueron dramas que marcaron mi infancia. Me dieron una visión política de la vida que quiero expresar en todos mis dibujos.
    Creo que las relaciones de poder existen en todas las situaciones cuando una persona está enfrentada con un  oficial del gobierno que siempre es el poderosos, o un mozo, o un doctor.
Me fascinan las relaciones basadas en la dependencia. Otros temas que trato mucho son la vida y la muerte, donde la muerte es la poderosa y los vivos son los débiles. Me preocupa perder mi libertad con la vejez- me aterroriza la idea de  tener que depender de otros para las cosas más básicas.”
    Piensa que algunos temas se  vuelven tabú en ciertas circunstancias: “ Cuando empecé, hacía chistes sobre presos.  Presos  y náufragos son los bastiones del mundo del humor . Pero cuando la Argentina se llenó de presos políticos, dejé de trata el tema y no lo toco hasta el día de hoy. Creo que es contraproducente tomar temas tan trágicos como presos y tortura a través del humor, y aunque fui criticado por ello, no pude unirme a campañas de Amnesty International’s “.
    Afirma que lo que más le cuesta, dice es sacarse de encima el hábito de la auto censura.
    Aunque no cree en Dios, lo usa en sus dibujos porque “ la religión es como el sexo o las drogas: siempre dispara reacciones entre los lectores, y me gusta eso.”
    “El diario español El País ha censurado a muchos de mis dibujos diciendo que son muy sombríos, a lo que respondí que pueden serlo, pero nunca tan sombríos como la misma vida”
    Aunque aún le halaga saber que Mafalda siga siendo tan leída , dice que “ también es triste ver que sigue vigente la injusticia social que ella denunciaba hace décadas.”
    Como la gente siempre le pregunta por qué dejó de dibujar a Mafalda , él dice : “ El humor y el arte en general se desgastan . Aunque los libros venden muy bien y la gente pide más , creo que hice bien en dejar de dibujar a Mafalda , y no la extraño para nada . Ahora la uso cuando quiero protestar contra algo , es la vocera de mi rabia. Pero nunca estuve de acuerdo en usarla en campañas publicitarias, ni permitiría adaptaciones para el teatro o el cine. Mi única concesión fue hacia un film animado ( a cargo del cubano Juan Padrón ) porque para hacerlo se usaban dibujos.”
    Quino ganó el premio en la Universidad de Alcalá de Henares, en España. Este premio de 30.000 euros  está dedicado a grandes maestros del dibujo (el anteriormente premiado fue Mingote).
Para la ocasión , Quino hizo un discurso de 54 segundos en el cual dijo : “ Siempre dije que elegí al humor porque no me gustaba hablar”.
    Sus primeros dibujos fueron publicados en la revista “ Vea y Lea” en 1954.
Vive solo en invierno, medio año en Milán , Italia, y el resto en Buenos Aires , porque el verano no  incita a sentarse a dibujar , que es lo que él ama hacer.
Es un invitado frecuente como jurado de los concursos donde participamos.
    Publica una página exquisita en la revista dominical del diario argentino Clarín . Sin descanso,  continúa denunciando sobre los esfuerzos de los  debiles frente a los  ricos y poderosos, en los cuales, como en la vida misma, ganan los ricos , los  poderosos  y los que no tienen escrúpulos .

    (Vea“ Quino” in www.clarin.com.ar)
    La página web oficial  de Quino es : www.quino.com

BIBLIOGRAFÍA

    Todo Mafalda (2000), A mí no me grite (1999), Cuánta bondad (1999), Mundo Quino (1998), ¡Qué mala es la gente! (1996), Cuentecillos y otras alteraciones (text by Jorge Timossi and  illustrations by Quino, 1995), Yo no fui (1994), Humano se nace (1991), Potentes, prepotentes   e impotentes (1989), Sí cariño (1987), Gente en su sitio (1986), Quinoterapia (1985), Déjenme inventar (1983), Ni arte ni parte (1981), A la buena mesa (1980), Bien gracias, ¿y  usted? (1976).
    Todos publicados por Ediciones De La Flor en  Argentina y Lumen en España.

JEAN JACQUES SEMPÉ

“ Burlarse de todo es una manera de  rebelarse, de ejercer la resistencia “

El gran dibujante francés se queja de que , debido a su oficio, la gente le pida que sea gracioso encontrándole el lado divertido a las desgracias.
 
 

Sempé nació en 1932 en Bordeaux, France.
Nunca habla de su pasado. Mientras hacía el Servicio Militar, empezó a trabajar como dibujante humorístico en París. Finalmente pudo empezar a publicar  unos pocos dibujos en  revistas como "Sud-Ouest”, “Le Rie”, “Noir et Blanc”, “Ici Paris” y otras revistas.  El trabajo en las populares revistas“ Paris-Match”, “Punch”, “1'Express”, y “Pilot” ,que realizó desde 1957, lo hicieron  famoso.
Publicó una colección de libros propios de humor , sacando uno nuevo cada año desde 1960. Para la Editorial Denoel, junto con Rene Goscinny, creó la serie “ El pequeño Nicolás”  en cinco volúmenes que  empezaron a publicarse  en 1974. Realizó muestras en distintos países con regularidad y sus  libros fueron traducidos a otros idiomas.
El tiene varios apodos: “ El adivino del siglo 20”, “Fiscal Público” , “ Moralista” y “ Saboteador” . Cuesta trabajo adivinar saber lo que Sempé está pensando a través de sus ojitos traviesos.
Habla de sí mismo en tercera persona, y dice: “ Sempé es un burlador , porque necesita burlarse. Tomarle el pelo a las cosas puede ser una manera de rebelarse , una manera de expresar resistencia, que es lo que yo necesito hacer.Burlarse de todo puede ser una manera de ser físicamente rebelde , un modo de expresar resistencia.."
Mientras tanto, sus ideas simples y efectivas vienen de uan larga experiencia de vida anónima.
¿ Cómo vive un humorista gráfico? ¿ De qué se trata este trabajo extraño que nunca se toma del todo en serio? El escribió y dibujó su vida cotidiana:
“Mi trabajo es simple, muy simple. Basta con encontrar una idea divertida  y dibujarla bien .Luego se la das a un diario para que la publique. Luego volvés a casa y buscás una nueva idea. ¡ Y empieza el círculo del Infierno! Pero lo mejor de este oficio es que podés trabajar en tu propia casa. Yo me levanto a las  8:30, y empiezo a trabajar a las 9. Enciendo un cigarrillo y trato de encontrar una idea. Esta es la parte más difícil del trabajo. Apenas encuentro una, llamo a mi esposa.
Ella mira mis trabajos y da su opinión sobre la idea, luego se va otra vez. Si ella no le ve la gracia, llamo a algún amigo. Cuando al fin logro ubicar a alguno de ellos, le describo mi idea. Luego el me dice cuál es la suya, cómo mejoraría el chiste. Sólo le digo que su idea es genial si él opina lo mismo de la mía.  Pero cuando él se ríe de mi chiste, yo le digo que su propia idea era muy mala, porque soy muy sincero con mis amigos y tengo confianza con ellos.
Luego,empiezo a dibujar. Y esta es la parte más difícil del asunto. Si no encuentro ninguna idea, me voy a almorzar. Porque lo que más me importa  es la familia, y compartir mi vida con ellos.  A las 1:30 del mediodía me voy a trabajar otra vez. A las 8 de la noche me voy a cenar, si es que aún no encontré ninguna buena idea. Vuelvo a trabajar a las 9, y empiezo a dibujar , y sigo hasta las 3 de la mañana . Luego me voy a dormir porque necesito estar descansado para el día siguiente.
La gente habla de mi trabajo  y es un alivio  saber que de dan cuenta que el mío es un trabajo difícil. Algunas veces tienen algunas ideas que nunca uso porque soy muy egoísta. Sé que si no las uso se enojan.
Cuando voy a una fiesta o una reunión y escucho a menudo a la gente decirme: “ Para ser un humorista gráfico,  usted parece muy triste. Por favor, alégrenos un poco” . Entonces pienso en algo para decirles, luego de lo cual desearía haber dicho “ Por favor, sírvame más sopa”.
 Si a mí me para un policía en la calle, y me quiere cobrar multa, o el motor de mi auto explota , o si llueve todo el fin de semana, voy al dentista, pierdo mi dinero, el perro me muerde, mi hijo me insulta, me mancho el saco Nuevo con ketchup, o me aprietan los zapatos, siempre tengo a alguien cerca que me grita : “¡ Dibújelo!” .
Tres veces por semana decido  abandonar mi oficio y no volver  a dibujar nunca más en al vida.
Desgraciadamente, siempre tengo una idea nueva justo cuando estoy a punto de comunicar esta decisión a los demás .
Entonces todo el proceso comienza otra vez.
 

(Entrevista publicada en la revista Iran Cartoon,  Septiembre 2001-
Traduccción : Ana von Rebeur)

BILL WATERSON
 
 

La tira  de Bill Watterson "Calvin and Hobbes," trata sobre la vida mental de un chico de seis años, de imaginación fecunda, que da vida en cada tira a su pequeño compañero, un tigre de peluche. Watterson se encargó de dibujar para los lectores todas las aventuras que imaginaba el niño Calvin, como naufragar en un mar  inclemente, para descubrir en el último cuadrito que el niño está siendo regañado por la madre por  empapar  el baño al cepillarse los dientes . El mundo más maravilloso siempre es el que discurre dentro de su cabecita. Su madre es la  encargada de ponerle fin a cada aventura, volviendo a Calvin a la realidad, y pidiéndole explicaciones  que resultan delirantes de la boca del pequeño surrealista. "Calvin and Hobbes," fue publicada  desde 1985 en más de 2,400 periódicos del mundo. Siendo un éxito rotundo, Watterson dejó de  dibujarla abruptamente el 1 de Enero de 1996, como obedeciendo fielmente a sus propósitos del año nuevo, tradición ferviente de los americanos..

"Calvin and Hobbes" se ganó el cariño del mundo entero .Más de 23  millones de libros fueron publicados  en la historia del nene  y su travieso tigre , y sus 14  colecciones de historietas vendieron millones de copias en su primer año de publicación . El ultimo libro “Calvin and Hobbes , Décimo Aniversario”, fue publicado en 1995 y Andrews McMeel  del New York Times la puso en primer lugar de la lista de best sellers, donde permaneció durante varia semanas después de su lanzamiento .
En 1986, Bill fue la persona más joven en ganar el prestigioso premio Reuben Award por ser el “ Más Notable Humorista Gráfico del Año”  de la National Cartoonists Society. El volvió a ganar el premio en 1988, y volvió a ser nominado en 1992.

De pronto, en el máximo pico de su fama , Bill envió una carta a sus editores  anunciando su retiro y diciendo : “ Esta no es una decisión reciente ni fácil, y dejo el trabajo con tristeza. Mis intereses han cambiado  y creo que ya hice todo lo que pude hacer  constreñido diariamente con horas de entrega  y tiras de paneles pequeños. Tengo muchas ganas de empezar a trabajar a un ritmo más tranquilo y meditado , con menos compromisos artísticos . No tengo decidido mi futuro próximo, pero mi relación con Universal Press Syndicate continuará."
Esto sucedió en 1996, y desde entonces las tiras de Calvin & Hobbes que se publican son repeticiones de las que su autor había hecho antes de la fecha . No se sabe a qué se dedica  Watterson ahora, pero es seguro que los millones que ha ganado  con los libros  y con su tira le alcanzan para vivir sin volver a tocar un lápiz en su vida . Y considerando que es alguien que terminó harto de los deadlines y las  exigencias diarias, se puede adivinar que si toca un lápiz será sólo por placer , no por dinero.
 
 

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