Edgar Soberón T's Top 100 Movie List (2000)

• 1. El inquilino diabólico. Francia, 1910, de Georges Méliès.
  En uno de sus últimos filmes, en pleno dominio de su arte, Méliès
  utiliza
  la exposición múltiple en un solo plano coloreado a mano, para robar en
  una pensión.
  
  
• 2. El gabinete del Dr. Caligari. Alemania, 1920, de Robert Wiene.
  La locura nunca fue tan retorcida como en este influyente relato
  expresionista.
  
  
• 3. Nanook of the North / Nanook, el esquimal. EEUU, 1922, de
  Robert J. Flaherty.
  Bello documental, icónico, modélico, pionero.
  
  
• 4. Acorazado Potemkin. URSS, 1925, de Serguei M. Eisenstein.
  Propaganda, no cabe duda, pero su visionaje sería muy útil a
  publicistas.
  
  
• 5. La quimera del oro. EEUU, 1925, de Charles Chaplin.
  La película favorita de Chaplin es casi el Chaplin favorito de todos.
  
  
• 6. La General. EEUU, 1927, de Buster Keaton y Clyde Bruckman.
  Mi bufón favorito del cine silente norteamericano, al rescate de su
  locomotora y novia. En ese orden.
  
  
• 7. Metrópolis. Alemania, 1927, de Fritz Lang.
  Impresionante visión del futuro. ¿Qué habrán ingerido Lang y su esposa
  y co-guionista Thelma von Harbou?
  
  
• 8. Amanecer. EEUU, 1927, de F.W. Murnau.
  Relato hiper-romántico, narrado con absoluto control del lenguaje
  exclusivamente visual, que se perdió con el sonido.
  
  
• 9. El hombre de la cámara. URSS, 1929, de Dziga Vertov.
  La pureza del cine, su don para testimoniar y la capacidad del cineasta
  para crear poesía con las imágenes.
  
  
• 10. Sopa de pato. EEUU, 1933, de Leo McCarey.
  La anarquía absoluta, fabulosos los Marx y magnífica Margaret Dumont,
  acabando con la pobre república de Fridonia.
  
  
• 11. King Kong. EEUU, 1933, de Merian C. Cooper y Ernest B.
  Shoedsack.
  Ese simio enamorado a los acordes de Max Steiner, es imbatible, aún
  con lo último en efectos especiales.
  
  
• 12. Cero en conducta. Francia, 1933, de Jean Vigo.
  Magia, poesía, brevedad y rebelión, en esta moderna concepción del
  relato, sobre los vicios de los sistemas educativos.
  
  
• 13. La novia de Frankenstein. EEUU, 1935, de James Whale.
  Otro monstruo humanizado, enamorado y rechazado por su novia, una
  fantástica Elsa Lanchester.
  
  
• 14. El crimen del Sr. Lange. Francia, 1936, de Jean Renoir.
  Una visión sublimada de la clase trabajadora, en medio de un relato de
  traición y codicia.
  
  
• 15. El halcón maltés. EEUU, 1941, de John Huston.
  Un enredo de nombres, caras, revólveres y cadáveres, y todo por una
  estatuilla, que no es precisamente el Óscar.
  
  
• 16. El diablo y Daniel Webster. EEUU, 1941, de William Dieterle.
  Atmosférica fantasía en ambiente campesino, con una partitura bellísima
  de Bernard Herrmann.
  
  
• 17. Jane Eyre / Tuyo es mi destino. EEUU, 1943, de Robert
  Stevenson.
  De las distintas versiones de la obra de Charlotte Brontë que he visto,
  ésta es mi favorita. Imágenes expresionistas, buena música de
  Herrmann y elenco de lujo, encabezado por Orson Welles y Joan
  Fontaine.
  
  
• 18. Los mejores años de nuestras vidas. EEUU, 1945, de William
  Wyler.
  Este drama sobre la reinserción de los veteranos de guerra en la
  sociedad fue lo más cercano a un neorrealismo norteamericano, gracias a
  la visión de Wyler, que participó en la II Guerra Mundial.
  
  
• 19. ¡Yo sé a dónde voy! Inglaterra, 1945, de Michael Powell y
  Emeric Pressburger.
  En un papel feminista, Wendy Hiller quiere lo suyo y a su manera, pero
  al llegar a Irlanda, la magia del lugar le trastoca los anhelos.
  
  
• 20. Roma, ciudad abierta. Italia, 1945, de Roberto Rossellini.
  El símbolo del cine contemporáneo, más mítico que real, pero efectivo
  por su pasión al describir la resistencia al fascismo.
  
  
• 21. A Tree Grows in Brooklyn / Lazos humanos. EEUU, 1945, de
  Elia Kazan.
  Debut de Kazan: con una Peggy Ann Garner entrañable como la
  inteligente niña que crece en los barrios bajos de Nueva York.
  
  
• 22. The Big Sleep / Al borde del abismo. EEUU, 1946, de Howard
  Hawks.
  Más confusa que todas las otras historias del cine negro, pero muy
  divertida y persuasiva, con Humphrey Bogart y Lauren Bacall rompiendo
  corazones.
  
  
• 23. Canción del Sur. EEUU, 1946, de Wilfred Jackson y Harve
  Foster.
  Un recuerdo de infancia, con la canción Zip a Dee Do Dah, cuando aún
  los cantos de Disney no eran tan almibarados y ñoños.
  
  
• 24. The Ghost and Mrs. Muir / La dama y el fantasma. EEUU,
  1947, de Joseph L. Mankiewicz.
  Hermosa fantasía romántica, la partitura favorita de Herrmann, y una
  combinación perfecta de Gene Tierney y Rex Harrison.
  
  
• 25. Sitting Pretty / Niñera último modelo. EEUU, 1948, de Walter
  Lang.
  ¡Cómo olvidar a Clifton Webb como el genial Mr. Belvedere! Divertida,
  con un par de continuaciones.
  
  
• 26. Víctimas del pecado. México, 1950, de Emilio Fernández.
  Mi favorito melodrama de cabareteras, con una sensacional Ninón
  Sevilla, educando a un niño a punta de mambo.
  
  
• 27. Jeux interdits / Juegos prohibidos. Francia, 1952, de René
  Clément.
  Melodrama de niños durante la II Guerra Mundial: sentimental hasta la
  muerte, pero inolvidable.
  
  
• 28. Umberto D. Italia, 1952, de Vittorio de Sica.
  Otro drama sentimental, esta vez sobre un jubilado italiano, cuya
  prédica es igualmente imborrable de la memoria.
  
  
• 29. Las diabólicas. Francia, 1954, de Henri-Georges Clouzot.
  A ese cadáver necio que sale y aterra, ni Hollywood ha podido
  cancelarlo. Bella Simone Signoret.
  
  
• 30. Pather Panchali / La canción del camino. India, 1955, de
  Satyajit Ray.
  Un caso aparte en el cine indostano, conmovedor y realista retrato de
  una familia bengalí, y el inicio de una de las carreras más ilustres
  del
  cine.
  
  
• 31. Un condenado a muerte se escapa (El viento sopla donde
  quiere). Francia, 1956, de Robert Bresson.
  Entre mis obras maestras de todos los tiempos. Inclasificable, callado,
  sólido drama sobre la fuga de un patriota francés de una cárcel de los
  nazis.
  
  
• 32. Heaven Knows, Mr. Allison / El cielo fue testigo. EEUU, 1957,
  de John Huston.
  ¡Qué inquietante aquel visionaje infantil, arrullado por el mar en el
  cine
  Pacífico, de una bella monja y un guapo marino, solos en una isla!
  
  
• 33. El increíble hombre que se achicó. EEUU, 1957, de Jack
  Arnold.
  Un buen trabajo: económico, filosóficamente estimulante y
  aracnofóbico.
  
  
• 34. Fresas silvestres. Suecia, 1957, de Ingmar Bergman.
  Acertado retrato de la vejez, interpretado por Victor Sjöström, uno de
  los grandes cineastas suecos.
  
  
• 35. Drácula. Inglaterra, 1958, de Terence Fisher.
  Otro recuerdo aterrador de la infancia: sobre todo, el momento en que
  Christopher Lee aparece en lo alto de la escalera de la cripta, cuando
  se
  ha puesto el Sol. ¡Y en colores!
  
  
• 36. La fortaleza escondida. Japón, 1958, de Akira Kurosawa.
  Si esta fascinante aventura, primera película japonesa en Cinemascope,
  verdaderamente inspiró La guerra de las galaxias, George Lucas debiera
  estudiarla un poco más.
  
  
• 37. The 7th Voyage of Sinbad / Simbad y la princesa. EEUU,
  1958, de Nathan Juran y Ray Harryhausen.
  Otra influencia de Lucas, con música de Herrmann y criaturas animadas
  que remiten a esculturas clásicas, y ponen a Simbad a correr.
  
  
• 38. Touch of Evil / La sombra del mal. EEUU, 1958, de Orson
  Welles.
  Ahora que se han quitado los créditos del celebérrimo plano secuencia
  inicial, esta bizarra obra de Welles se puede disfrutar a plenitud.
  Buena
  música diegética de Henry Mancini.
  
  
• 39. Sin aliento. Francia, 1960, de Jean-Luc Godard.
  Nos volvimos locos cuando la vimos: ¿qué es esto? ¡Viva Godard! ¡Viva
  Belmondo! ¡Viva Jean Seberg!
  
  
• 40. La máscara del demonio. Italia, 1960, de Mario Bava.
  La inquietante Barbara Steele embrujó a mi generación, en los papeles
  de la bruja Asa y la princesa Katia, en esta adaptación de un relato de
  Gogol, que le puso los pelos de punta a tirios y troyanos.
  
  
• 41. Psicosis. EEUU, 1960, de Alfred Hitchcock.
  Fue un año duro el 1960: no nos dieron descanso. Aquí Hitchcock,
  Herrmann y Anthony Perkins nos pusieron a gritar, para luego reírse de
  nosotros, al inaugurar un género: el "thriller" erótico.
  
  
• 42. Saturday Night Sunday Morning / Todo comienza en sábado.
  Inglaterra, 1960, de Karel Reisz.
  Este filme no envejece. Albert Finney es el joven obrero colérico ahora
  y siempre, ahogando sus penas en sexo y alcohol cada fin de semana.
  
  
• 43. The Innocents / Posesión satánica. Inglaterra, 1961, de Jack
  Clayton.
  Más pavor para nuestros corazones débiles, y encima Deborah Kerr nos
  sugería que los niños no eran tan inocentes, en esta adaptación
  inteligente de La vuelta de tuerca, de James.
  
  
• 44. One Hundred and One Dalmatians / La noche de las narices
  frías. EEUU, 1961, de Wolfgang Reitherman, Hamilton Luske y
  Clyde Geromini.
  El estreno de este largo animado coincidió con la creación del "Cruella
  De Vil Fan Club" en el mundo. Nunca Disney creó una villana tan
  singular.
  
  
• 45. El Ángel Exterminador. México, 1962, de Luis Buñuel.
  Mi Buñuel favorito, tan cruelmente divertido. Pobres huéspedes-ovejas.
  Pobre oso. Pobre mano. La próxima vez que lo inviten a cenar, piénselo.
  
  
• 46. La infancia de Iván. URSS, 1962, de Andrei Tarkovsky.
  Antes de que declararan los derechos de los niños, Tarkovsky debutaba
  y denunciaba la infancia perdida de su generación.
  
  
• 47. Charada. EEUU, 1963, de Stanley Donen.
  La música de Mancini nos lleva por París, de la mano de Cary Grant y
  Audrey Hepburn, huyendo de asesinos. No en balde Donen dirigió
  musicales clásicos: el resultado es una verdadera danza.
  
  
• 48. El Gatopardo. Italia-Francia, 1963, de Luchino Visconti.
  La gran obra de Visconti: excelente disección de su estirpe, según obra
  de Lampedusa. Bello, Burt Lancaster como el conde  Alain Delon y
  Claudia Cardinale, una majestuosa pareja romántica.
  
  
• 49. Irma la Douce. EEUU, 1963, de Billy Wilder.
  Otra farsa con bella música y la dupleta atractiva de Jack Lemmon y
  Shirley MacLaine como policía y prostituta.
  
  
• 50. 8 ½. Italia-Francia, 1963, de Federico Fellini. Manifiesto del
  cine de autor, y una de las mejores películas que se han hecho sobre la
  profesión de cineasta. Homenaje a la belleza de la Cardinale.
  
  
• 51. Dr. Strangelove o Cómo aprendí a no preocuparme y amar la
  bomba. Inglaterra, 1964, de Stanley Kubrick.
  Un Kubrick relajado, suelto, procaz, en torno a la guerra fría, pero
  quizá
  fue influencia de Terry Southern y la presencia arrolladora del
  estupendo Peter Sellers en tres papeles.
  
  
• 52. Goldfinger. Inglaterra, 1964, de Guy Hamilton.
  Un James Bond que todavía no aburría, con villanos creíbles, mujeres
  atractivas e inolvidable canción tema.
  
  
• 53. El deporte predilecto del hombre. EEUU, 1964, de Howard
  Hawks. Última de las clásicas comedias "screwball", ha ganado irónico
  culto al revelarse la vida sexual de Rock Hudson. Paula Prentiss devino
  súbito icono de la nueva mujer americana.
  
  
• 54. Rio Conchos. EEUU, 1964, de Gordon Douglas.
  Clásico filme del Oeste en plena decadencia del género. Lo mejor: el
  cuartel del general rebelde, la revuelta final y la partitura de Jerry
  Goldsmith.
  
  
• 55. The World of Henry Orient / Dos chicas y un seductor. EEUU,
  1964, de George Roy Hill.
  Sellers es un pianista asediado por dos adolescentes en Nueva York, en
  este hermoso filme familiar, con una de las partituras favoritas de
  Elmer Bernstein.
  
  
• 56. The Sound of Music / La novicia rebelde. EEUU, 1965, de
  Robert Wise.
  Antídoto edulcorado a las revueltas y magnicidios de la época. Pero
  Julie
  Andrews era inmejorable  y los exteriores austríacos, relajantes.
  
  
• 57. Blow-Up. Italia-Inglaterra, 1966, de Michelangelo Antonioni.
  Mientras Julie cantaba en los Alpes, Michelangelo rompía esquemas, con
  su visión del "swinging London" y una oportuna reflexión sobre la
  relatividad de la percepción.
  
  
• 58. Los profesionales. EEUU, 1966, de Richard Brooks.
  Otro filme del Oeste robusto en el crepúsculo del género. Lancaster,
  Lee Marvin, Woody Strode y Robert Ryan conformaron un sólido elenco
  de veteranos, en búsqueda de la Cardinale, raptada por Jack Palance.
  
  
• 59. Érase una vez en el oeste. Italia-EEUU, 1968, de Sergio
  Leone.
  Mientras, en Italia, Leone renovaba el filme del Oeste, también con la
  Cardinale, la música de Ennio Morricone y Henry Fonda en papel de
  villano.
  
  
• 60. Memorias del subdesarrollo. Cuba, 1968, de T. G. Alea.
  Drama proto-posmoderno, con una estructura de deliberada soltura, y
  gran solidez conceptual.
  
  
• 61. si… Inglaterra, 1969, de Lindsay Anderson.
  Las revueltas estudiantiles tuvieron eco en este anárquico retrato de
  una
  escuela pública inglesa.
  
  
• 62. Trampa 22. EEUU, 1970, de Mike Nichols.
  Esta farsa anti-bélica reflejaba el malestar de Vietnam. Buena
  adaptación de la novela de Joseph Heller con un elenco de primera.
  
  
• 63. McCabe & Mrs. Miller / Del mismo barro. EEUU, 1972, de
  Robert Altman.
  Otra estrategia ante la crisis del filme del Oeste: revisar el
  surgimiento
  de los asentamientos humanos. Filme-balada, con canciones de Leonard
  Cohen.
  
  
• 64. Nos amábamos tanto. Italia-Francia, 1974, de Ettore Scola.
  Romántico encuentro de amigos, reflexión sobre el paso del tiempo y del
  amor compartido, en torno a Stefania Sandrelli.
  
  
• 65. Céline y Julie van en barco (Chicas fantasmas en París).
  Francia, 1974 de Jacques Rivette.
  Otro filme clave en la evolución del posmodernismo cinemático. Un
  rompecabezas feminista, co-escrito por las intérpretes.
  
  
• 66. El día de la langosta. EEUU, 1975, de John Schlesinger.
  Un retrato apocalíptico del viejo Hollywood. Grandes actuaciones de
  Burgess Meredith, Karen Black y Donald Sutherland.
  
  
• 67. Saló o los 120 días de Sodoma. Italia-Francia, 1975, de Pier
  Paolo Pasolini.
  El testamento del poeta, atroz recordatorio de la capacidad del hombre
  para hacer el mal a sus congéneres.
  
  
• 68. El espejo. URSS, 1975, de Andrei Tarkovsky.
  Filme de la memoria, de la nostalgia y la poesía cotidiana, se resiste
  a
  interpretaciones y esquematismos.
  
  
• 69. Car Wash / Un mundo aparte. EEUU, 1976, de Michael
  Schultz.
  Fresco populista sobre la actividad cotidiana de los trabajadores de un
  auto-baño, con música de Norman Whitfield premiada en Cannes.
  
  
• 70. Pasqualino Sietebellezas. Italia-Francia, 1976, de Lina
  Wertmüller.
  Otro cuadro aterrador del fascismo cotidiano, surgido de una Italia en
  plena crisis política.
  
  
• 71. Taxista. EEUU, 1976, de Martin Scorsese.
  La crisis continuaba al otro lado del Atlántico, con este relato del
  taxista psicótico que deviene héroe. Última partitura de Herrmann.
  
  
• 72. 3 mujeres. EEUU, 1977, de Robert Altman.
   Mi Altman favorito, que, de por sí, no es una
  selección fácil. Basado en un sueño del director, con una Shelley
  Duvall       insuperable en el rol central.
  
  
• 73. Apocalipsis ya. EEUU, 1979, de Francis Ford Coppola.
  Vietnam, psicodelia y rock. Más honesto e impactante que filmes más
  realistas sobre el terror de esa guerra.
  
  
• 74. Being There / Desde el jardín. EEUU, 1980, de Hal Ashby.
  Para hacerse el tonto nadie mejor que Peter Sellers, en esta comedia
  que nos sugiere que cualquier idiota llega al poder.
  
  
• 75. Blade Runner. EEUU, 1982, de Ridley Scott.
  Modelo posmoderno para armar… Sí, porque con tantas versiones, uno
  puede escoger la favorita. Yo me quedo con la del director Scott, sin
  narración ni final sentimentaloide.
  
  
• 76. Coronel Redl. Hungría-Alemania Federal, 1984, de István
  Szabó.
  Otro capítulo de la investigación del poder, esta vez en torno a un
  militar homosexual que niega su orientación para escalar políticamente.
  
  
• 77. La noche de San Lorenzo. Italia, 1984, de Paolo y Vittorio
  Taviani.
  Esta evocación de la II Guerra Mundial, a través de los ojos de una
  niña,
  es uno de mis cinco filmes favoritos de todos los tiempos, con buena
  música de Nicola Piovani.
  
  
• 78. ¿Qué he hecho yo para merecer esto?!! España, 1984, de Pedro
  Almodóvar.
  Ni yo sé cómo un Almodóvar quedó en mi lista, pues el director no es de
  mis favoritos. Pero esta comedia negra es de un cinismo feroz, y de lo
  mejor del manchego.
  
  
• 79. Frida, naturaleza viva. México, 1985, de Paul Leduc
  Rosenzweig.
  La desmesura en la contención. Mutismo, colorido, una gran
  interpretación de Ofelia Medina.
  
  
• 80. Buscando a Susan desesperadamente. EEUU, 1985, de Susan
  Seidelman.
  Fábula feminista de colorinches posmodernos, con un personaje
  masculino fuera de serie y una Madonna soportable.
  
  
• 81. Terciopelo azul. EEUU, 1986, de David Lynch.
  El reverso de los retratos suburbanos almibarados de Spielberg y
  compañía, donde cantan pájaros mecánicos y la sordidez se cuela entre
  las blancas vallas.
  
  
• 82. Mona Lisa. Inglaterra, 1986, de Neil Jordan.
  Antes de hablarnos de transexuales y activistas del IRA, Jordan nos
  contó con gran percepción la historia de esta bella prostituta negra y
  su
  ingenuo chofer ex convicto.
  
  
• 83. Arrepentimiento. URSS, 1986, de Tengiz Abuladze.
  En una era en que la humanidad necesita despertar su espíritu, Abuladze
  se lanzó como pionero en este relato anti-estalinista, en torno al
  culto a
  las personalidades.
  
  
• 84. Out of Rosenheim / Bagdad Café. Alemania Federal, 1986, de
  Percy Adlon.
  Una alemana trae amor, magia y música a los moradores y clientes del
  motel Bagdad, en el desierto californiano.
  
  
• 85. Algo salvaje. EEUU, 1986, de Jonathan Demme.
  Algo terrible sale de la ciudad y encuentra su homólogo en los
  suburbios.
  Inolvidable Melanie Griffith.
  
  
• 86. Anjos da noite / Ángeles de la noche. Brasil, 1987, de Wilson
  Barros.
  Vistazo al mundo sórdido de Sao Paulo, con Marília Pera y Zezé Motta
  de anfitrionas.
  
  
• 87. Cien niños esperando un tren. Chile, 1987, de Ignacio Agüero.
  Cómo enseñar a ver cine, y hacer una película atractiva sobre niños que
  participan en un taller de cine.
  
  
• 88. Sorgo rojo. China, 1987, de Zhang Yimou.
  El destape chino, uno de los cines más atractivos de fin de siglo.
  Historia de amor en tiempos de guerra.
  
  
• 89. Educando a Arizona. EEUU, 1987, de Joel y Ethan Coen.
  ¿Será posible la felicidad doméstica sin niños? Los Coen dicen que no,
  y
  arman este festín.
  
  
• 90. Haz lo correcto. EEUU, 1989, de Spike Lee.
  La tensión racial, menos superada que lo cacareado. Un llamado a la
  acción en un verano caluroso.
  
  
• 91. Reina de corazones. Inglaterra, 1989, de Jon Amiel.
  Romance de italianos en Inglaterra, solidaridad familiar, humanidad,
  fantasía, un restaurante y gran diversión.
  
  
• 92. Dormir con ira. EEUU, 1990, de Charles Burnett.
  Los mitos de los afro-norteamericanos cobran vida, cuando el mal
  portado Danny Glover llega a una casa de unos remilgados paisanos
  negros, en los suburbios.
  
  
• 93. Sólo con tu pareja. México, 1991, de Alfonso Cuarón.
  Comedia sobre el amor en los tiempos del sida: ópera prima del gran
  faltante del cine mexicano actual.
  
  
• 94. , mi concubina, China-Hong Kong, 1993, de Chen Kaige.
  Un intento casi épico por narrar la historia reciente de China, a
  través
  de dos actores de ópera, con énfasis en la represión del amor.
  
  
• 95. El piano. Nueva Zelanda-Australia-Francia, 1993, de Jane
  Campion.
  Revelación neozelandesa y reivindicación del melodrama en función de
  una trama feminista. Bella música de Michael Nyman.
  
  
• 96. Tres colores: Rojo. Francia-Polonia, 1994, de Krzysztof
  Kieslowski.
  Mi favorita de la trilogía Tres colores, y una excelente conclusión, en
  torno a la fraternidad entre un juez retirado y una bella modelo.
  
  
• 97. La boda de Muriel. Australia, 1994, de P.J. Hogan.
  Una comedia que combina la búsqueda de la felicidad de una joven, con
  una descripción penetrante de la sociedad australiana, mientras ABBA
  canta, canta y canta.
  
  
• 98. To Die For. EEUU, 1995, de Gus Van Sant.
  El éxito a toda costa y los medios de comunicación sobre el tapete.
  Fabulosa Nicole Kidman como la ambiciosa locutora, dispuesta a todo,
  hasta que se encuentra con los ítalo-norteamericanos.
  
  
• 99. La matriz. EEUU, 1999, de Andy y Larry Wachowski.
  Los discípulos de George Lucas aprendieron la lección de las galaxias,
  y
  superaron al maestro. Fábula de nuestros días, expresiva del sentir de
  estos tiempos.
  
  
• 100. Voraz. EEUU, 1999, de Antonia Bird.
  Un soldado cobarde, condecorado como héroe, llega a un fuerte donde
  vive el terror. El canibalismo como metáfora del desamor, el
  expansionismo, el homoerotismo y el genocidio.
  

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