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Il XX secolo.

Alla fine dell'800 si arrivò ad un'ulteriore evoluzione della musica, evoluzione iniziata gi&agreve; dai tempi di Bach. I limiti dell'espressività nella musica romantica erano stati superati estendendo il cromatismo, vale a dire usando intervalli al di fuori della scala diatonica: questo fu fatto per aumentare la flessibilità delle armonie, e cosuò un distacco crescente dalla tonalità d'impianto di un brano: la successiva evoluzione non poteva essere altro che l'abbandono del sistema tonale, basato sul sistema convenzionale di accordi maggiori e minori, e l'adozione di un sistema innovativo.

L'influenza di Wagner, estesa oltre i confini germanici, pose problemi che in ogni paese vennero risolti in modi diversi: questo non coinvolse peraltro tutte le correnti musicali (come la nazionalista, che proseguì nel XX secolo). Spesso anche l'opera proseguì secondo una linea tradizionale, come ad esempio con Giacomo Puccini e Umberto Giordano in Italia. Poiché in Europa ed in America la musica popolare perdeva interesse a favore della musica "leggera", spinta dalla crescita tecnologica, il pubblico si distaccò in parte dalle ricerche dei compositori del periodo, preferendo la musica colta del passato o l'attuale musica leggera. Questo ha generato visioni della musica contemporanea a volte snobistiche o spregiative, che però non mi sembrano corrette, come il sostenere che questa forma di musica manifesta una profonda rottura col passato: noi abbiamo visto come invece si tratti più probabilmente di una naturale evoluzione della musica, iniziata col classicismo stesso.

Nuove concezioni dell'armonia.

in Germania fu Richard Strauss (1864 - 1949, non legato agli Strauss di Vienna) a seguire le orme di Wagner: con Salome (1905) ed Elektra (1909) egli forza continuamente l'armonia fino al limite della dissonanza, in una musica che procede ad ondate con una linea vocale molto tesa. Non è un capriccio o un tentato virtuosismo, ma il risultato di una ricerca dell'espressione del tormento delle protagoniste. Strauss tornò poi sui suoi passi, proponendo una più rilassata Der Rosenkavalier (1911), ponendosi poi in una posizione tardo-romantica.
Nello stesso periodo invece Arnold Schönberg portava la tonalità ai suoi limiti estremi con la sua Verklarte Nacht (1899), e con Erwartung (Attesa, 1909) l'abbandonava definitivamente.

In Russia, nel frattempo, i progressi coinvolgevano personalità come Stravinskij ed Aleksander Skrjabin (1872 - 1915), temperamento mistico. Nel suo poema sinfonico Prometeo (1911) egli basa tutta la musica sull'accordo "mistico" do, fa#, sib, mi, la, re, che produce un particolare effetto del quale tutta la composizione è permeata. Skrjabin arrivò a precedere la visione scenografica dei concerti rock, indicando di accompagnare la sua opera con luci colorate poste in modo da intensificare l'effetto della musica.
In Francia ci fu una reazione a questi estremismi: alcuni autori risolsero il problema della dilatazione dell'armonia rimanendo nei canoni della musica francese, senza quindi perdere l'uso dei modi (risalenti alla musica sacra medioevale: vedi anche il glossario musicale), con il che si opponeva un'andamento statico e tranquillo all'inquietudine ed al senso di dinamismo offerto dal cromatismo.
Claude Debussy (1862 - 1918) compose invece musica in cui accordi relativamente semplici venivano accostati in modo insolito, tra l'altro usando spesso le scale a toni interi (senza intervalli di semitono) per ampliare le possibilità della composizione tonale. Queste tecniche vennero utilizzate nei lavori più famosi di Debussy, come il Prélude à l'aprés midi d'une faune del 1894, o La mer (1905), in uno stile da lui stesso definito impressionistico. Definizione simile si adatta bene anche ai lavori di Ravel (1875 - 1937), che incorpora nella sua musica elementi esotici spagnoli, orientali ed anche americani. Questa è una caratteristica della musica contemporanea, oltre all'attenzione estrema verso il timbro dei suoni.

Visione del ritmo.

Fino all'inizio del secolo la musica era composta in tempo binario o ternario, con ritmi prevalentemente semplici e regolari: anche questo schema viene superato nel XX secolo. Ci sono peraltro stati esempi nel passato, in cui il limite viene superato tramite soluzioni complesse, ma comunque il ritmo era legato a movimenti regolari ed armonici semplici.
Data l'imprevedibilità dell'armonia il ritmo doveva seguire l'evoluzione: nel 1893 Tchaikovskij scrisse tutto un movimento della sua ultima sinfonia in 5/4: Ravel fece lo stesso per la sezione finale del balletto Daphnis et Chloe. Questo metro era difficile per il pubblico dell'epoca, ma anche per i ballerini che erano costretti a recitare mentalmente il nome dell'impresario (Ser-gej-Dia-ghi-lev) per mantenere il tempo.
Bartó in Ungheria, e Stravinskij in Russia, vennero fortemente stimolati dai ritmi complessi della musica popolare dei loro paesi, cosa che li portò alla poliritmia. Oltre all'uso di metri insoliti, essi iniziarono ad accostare battute scritte con metri diversi, imponendo anche soluzioni complesse al di là della battuta stessa, facendo così cadere gli accenti in posizioni assolutamente imprevedibili: l'effetto è di grande dinamismo, tanto da rendere praticamente monotona buona parte della musica colta dei secoli precedenti (come si uò notare facilmente in una delle composizioni di Stravinskij scritte proprio per Diaghilev, La sagra della primavera).
Ovviamente la melodia, legata all'armonia, doveva subire gli stessi cambiamenti, per cui in un tema venivano inseriti intervalli insoliti, come pure irregolarità ritmiche, per cui la melodia, libera dalle cadenze tradizionali, poteva spaziare a piacimento.

Eventi simultanei, nuove forme e nuovi stili

Il passo successivo seguito dai compositori fu l'accoppiamento di armonie diverse, o di ritmi diversi che si muovono contemporaneamente: era l'inserimento di eventi simultanei, che trovava un'analogia nell'arte pittorica, dove gli artisti combinavano in un'unica immagine diversi punti di vista di uno stesso oggetto.
Bartók, ad esempio, compose un brano per pianoforte in cui le due mani eseguivano in due differenti tonalità (politonalità), così come il carattere particolare di un brano del Petrouschka è dovuto ad un'armonia fatta di accordi simultanei in do maggiore e fa diesis maggiore, due tonalità scelte appositamente diverse e lontane tra loro per sottolineare la doppia natura del protagonista.
Un altro esempio di poliritmia viene dato da L'histoire du soldat (1918), sempre di Stravinskij, in cui ritmi regolari di marcia vengono combinati a linee melodiche irregolari nell'andamento: il pubblico, ovviamente, non accettò facilmente queste trasformazioni del pensiero musicale. A teatro non mancarono i fischi di disapprovazione, come proprio accadde nel La sagra della primavera (che poi venne riconosciuta come un capolavoro). Uno dei pochi capolavori che venne accettato come tale è The unanswered question dell'americano Charles Ives, per il semplice motivo che venne eseguito molti anni dopo la sua morte, e pertanto in un periodo in cui queste innovazioni erano state assorbite e comprese. Scritto nel 1908, nel breno una tromba ripete insistentemente una frase, a cui rispondono i fiati in un crescendo semre più agitato, mentre gli archi si muovono in maniera del tutto indipendente, con un andamento lento e grave. Il brano anticipa l'idea degli eventi simultanei, nonostante Ives, isolato ed ignaro delle altrui sperimentazioni, non venisse in alcun modo influenzato dagli eventi europei.

Data allora la disgregazione dei principi sotto i colpi delle innovazioni, si poneva il problema di costruire nuovi modelli che comprendessero queste trasformazioni: una nuova organizzazione venne proposta da Arnold Schönberg, compositore viennese passato dalla musica tonale alla atonalità, in cui vengono consapevolmente esclusi tutti i nessi tonali e le armonie sono spesso dissonanti, sempre insolite. Nel 1923 Schönberg applicò un sistema di composizione in cui le note della scala cromatica hanno tutte lo stesso peso, rimuovendo quindi definitivamente il sistema tonale fin lì usato. La composizione si basa su una serie di dodici note (quelle della scala cromatica), modificata in modi diversi e con andamenti diversi: la musica che ne scaturisce è detta dodecafonica, dato che si basa appunto sulla serie dei dodici suoni. I discepoli più vicini a Schönberg furono altri due austriaci, Alban Berg (1885 - 1935) ed Anton Webern (1883 - 1945). Altri compositori invece si sforzarono di trovare altre soluzioni, accostandosi nuovamente al passato ma con accorgimenti che modificavano le forme classiche con soluzioni armoniche insolite e sonorità particolari. Questo movimento venne detto neo classicismo, ed annovera tra i suoi massimi esponenti Prokoviev (una sua sinfonia, la Classica del 1918, prende notevolmente le mosse da Haydn), e sopratutto Stravinskij, che rivisitò in maniera pesante le forme classiche, dandone un esempio nel suo balletto Pulcinella (1920) basato su temi di G. B. Pergolesi, o con l'Ottetto (1923) e la Sinfonia di salmi (1930): peraltro Stravinskij passò attraverso diverse fasi espressive, e settantenne diede una sua interpretazione della dodecafonia.

Molti furono i compositori che preferirono rimanere estranei al confronto tra neoclassici e dodecafonici, come ad esempio il "Gruppo dei sei", ossia Auric, Durey, Honegger, Milhaud, Poulenc e Tailleferre: questi adottarono deliberatamente uno stile prosaico nelle loro composizioni, rifacendosi ad Eric Satie (che spesso componeva con un forte senso parodistico ed ironico, o solo per il gusto di confondere i suoi ascoltatori): molti altri compositori hanno preferito rimanere legati al passato inserendo qualità originali nella loro musica. Tra questi va sicuramente citato il tedesco Paul Hindemith (1895 - 1963), il russo Prokoviev, ma anche gli inglesi William Walton, Michael Tipett e Benjamin Britten (1913 - 1976) con il suo War requiem del 1961: va notato, per inciso, che Prokoviev ed altri autori russi erano inizialmente neoclassici: il ritorno a metodi tradizionali avvenne su richiesta del governo sovietico.

Suoni e sonorità

Già le nuove strutture armoniche, con la loro diversità rispetto al passato, presentavano un aspetto sonoro nuovo: gli autori del periodo moderno, però, si interessarono alla produzione del suono in maniera maggiormente creativa rispetto ai tempi precedenti (ma era già avvenuto in passato, con il perfezionamento degli strumenti musicali).
Dopo Debussy divennero comuni gruppi di note vicine suonate insieme (detti clusters): nelle partiture per orchestra vennero tentati esperimenti con strumenti classici portati al di là dei normali limiti espressivi, come nella citata Sagra della primavera, il cui inizio è dato da un fagotto nel registro acuto. La stessa voce umana venne portata verso nuove tecniche, come lo sprechstimme (canto parlato) introdotto da Schönberg nel Pierrot lunaire.

Vennero notevolmente impiegati gli strumenti a percussione, così come venne introdotto l'uso di rumori e suoni esotici: grazie allo sviluppo tecnologico del periodo iniziò l'uso della strumentazione elettrica per la produzione di suoni originali, come i primi teremin e onde-martenot, strumenti costruiti negli anni venti (prima quindi dell'avvento della microelettronica). Fu lo sviluppo del registratore a nastro (1950 circa) a fornire un potente impulso alla musica elettronica, grazie alle possibilità che questo fornisce sul suono: non potendo effettuare una modifica in tempo reale (come invece è possibile oggi) il registratore si rivelava utilissimo per l'acquisizione e la successiva elaborazione dei suoni.
Sorsero due diverse scuole: in Francia nacque la musica concreta, con l'utilizzo di suoni ambientali e naturali, in Germania si affermò sopratutto la musica elettronica (basata su suoni di sintesi), ma le due scuole si fusero ben presto grazie appunto all'uso di strumenti come il registratore. Tra i pionieri di questo periodo vanno ricordati il tedesco Karlheinz Stockhausen (1928) e il nostro Luciano Berio (1925), che nel suo Omaggio a James Joyce del 1958 sottopone a modifica elettronica anche la voce umana.

anche in questo campo furono diverse le soluzioni tentate: alcuni compositori preferirono spingere la loro ricerca sulle possibilità fornite dagli strumenti tradizionali, opportunamente modificati, come fa John Cage (1912), che negli anni quaranta usava un pianoforte con oggetti inseriti tra le corde per modificarne le vibrazioni: un altro americano che, come Cage, cercò soluzioni particolari fu Harry Partch (1901 - 1974), che si costruiva gli strumenti appositamente per ogni composizione.
Queste sperimentazioni ebbero dei riflessi anche sulla scrittura musicale stessa: le opere di questi autori sono trascritte in forme sostanzialmente diverse da quelle comunemente usate, come si può vedere nelle composizioni di Stockhausen, o in Threni per le vittime di Hiroshima (1961), composizione per 52 archi del polacco Krysztof Penderecki (1933).

Controllo e caso: variazioni strutturali

La musica dodecafonica era un esempio di musica seriale, ossia basata su una serie di note: altri compositori volsero la loro ricerca a questa musica, in cui volume, ritmo ed altezza venivano modificati secondo schemi precisi (una serie, appunto, di valori predeterminati). Un pezzo interessante a riguardo è il Le marteau sans maître (Martello senza padrone, 1955) di Pierre Boulez (1925). Alcuni autori, come il compositore greco Iannis Xenakis nel suo Metastasis, si rivolsero al calcolo probabilistico e statistico, fino a tentare esperimenti di composizione assistita da calcolatore.
Alcuni compositori hanno addirittura pensato di affidarsi integralmente al caso, come in Cage, che ha composto un brano basandosi sulle imperfezioni di un foglio musicale: molti hanno lasciato all'esecutore la libertà nell'ordine dell'esecuzione dei brani.
Va citata infine una tecnica recente, quella della process music: in essa vengono usate piccole frasi musicali, ripetute secondo le istruzioni del compositore (processo), così da interagire in maniere diverse e creare un effetto quasi ipnotico: questo processo dà facilmente delle complesse soluzioni ritmiche, difficili da ottenere con metodi tradizionali: ne sono un esempio le composizioni In C (1964) e Drumming (1961), scritte dagli americani Terry Riley (1935) e Steve Reich (1936).