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Nuovi impegni si prospettavano frattanto per Verdi: anzitutto avrebbe dovuto comporre una nuova opera per il teatro La Fenice di Venezia. Il musicista riprese in considerazione il teatro di Shakespeare dal quale, come già accennato, si sentiva particolarmente attratto. 

Per approntare la partitura destinata al teatro La Fenice, il musicista scelse un dramma di Victor Hugo, Le roi s’amuse, al quale diede, in un primo momento, quale nuovo titolo La maledizione. 

Il soggetto si incentrava principalmente sul libertinaggio di un sovrano ed era un’opera letteraria vietata a Parigi, cosicché anche a Venezia intervenne la censura, nella persona del governatore militare austriaco Gorzowsky il quale aveva tra le sue prerogative appunto quella di esercitare la censura preventiva sugli spettacoli e sulle pubblicazioni. 

Sequestrò il libretto di Piave tre mesi prima della rappresentazione dell’opera alla Fenice, inoltrando il seguente messaggio:

1. L’azione si trasporterà dalla Corte di Francia a quella d’uno dei Duchi indipendenti di Borgogna, di Normandia, o di taluno dei piccoli Principi assoluti degli Stati italiani, e probabilmente alla Corte di Pier Luigi Farnese ed all’epoca che converrà meglio di assegnarvi pel decoro e la riuscita della scena.

2. Si conserveranno i tipi originali dei caratteri di Victor Hugo del dramma Le roi s’amuse, cangiando i nomi dei personaggi a seconda della situazione ed epoca che verrà prescelta.

3. Si eviterà affatto la scena in cui Francesco [che diverrà, nell’edizione definitiva, il Duca di Mantova], si dichiarava risoluto di profittare della chiave di cui era in possesso per introdursi nella stanza della rapita Bianca [il personaggio cambierà il suo nome in Gilda]. E ciò sostituendovi altra scena, che conservi la necessaria decenza, senza togliere l’interesse del dramma.

4. Al rendez-vous amoroso nella taverna di Magellona [Maddalena] il Re o Duca andrà invitato da un inganno del personaggio che sostituirà Triboletto [il nome del personaggio verrà mutato in quello di Rigoletto, che darà infine il titolo all’opera].

5. Alla apparizione del sacco contenente il corpo della figlia di Triboletto, si riserva il Maestro Verdi all’atto pratico quelle modificazioni che saranno reputate necessarie.

Al pubblico piacque questo nuovo modello di rappresentazione teatrale, mentre la critica, soprattutto a Londra e a Parigi, tardò a comprendere i nuovi stilemi di cui l’opera stessa era portatrice. La "Gazette musicale" di Parigi, per esempio, accusò apertamente Verdi di ... chercher à modeler son harmonie sur les grands maîtres de l’école allemande. (19)

Infine, con l’intransigenza e la scarsa attitudine alla musica che lo contraddistinguevano, Victor Hugo proibì che l’opera di Verdi fosse messa in scena in Francia. Fu necessario intentare un’azione legale perché Rigoletto, dopo sei anni dalla sua trionfale rappresentazione a Venezia e dopo che l’opera era apparsa, ottenendo altrettanti successi, in numerosi teatri italiani e a Londra, potesse infine venire allestita anche a Parigi, dove riscosse un plauso senza precedenti ed ebbe cento repliche nel corso di un solo anno. Molto tempo dopo questo nuovo trionfo, anche Hugo volle assistere a una rappresentazione di Rigoletto: fu particolarmente colpito dal "Quartetto" del terzo atto (20) e si rese conto che l’opera, ben lungi dal nuocere al suo lavoro letterario, era una creazione artistica degna perfino della sua ammirazione... 

Dopo un breve periodo di riposo a Sant’Agata, in dicembre Verdi partì con Giuseppina Strepponi per Parigi, dove assistette, nel successivo mese di febbraio, a La dame aux camélias di Alexandre Dumas figlio. L’effetto suscitato dalla commedia sul musicista dovette essere straordinario, se gli fece nascere repentinamente l’idea di trasporre in musica il lavoro teatrale. Ben presto il progetto prenderà forma, e si tradurrà in una nuova opera, La traviata, che Verdi comporrà per il teatro La Fenice di Venezia.

Nel corso del 1852 Verdi lavorò a un’altra opera teatrale: da El Trobador, dello spagnolo Gutiérrez, il musicista diede incarico a Cammarano di trarre il libretto: Cammarano, però, morì il 17 luglio 1852, dopo aver portato a termine solamente i primi tre atti del dramma; per la stesura del quarto e ultimo atto del Trovatore venne incaricato un giovane poeta, Leone Emanuele Bardare. L’opera avrebbe dovuto essere rappresentata a Napoli; le trattative con gli impresari napoletani non ebbero però buon esito e Verdi sottoscrisse nuovi accordi per la messa in scena dell’opera con Jacovacci, dirigente del Teatro Apollo di Roma, dove in effetti Il trovatore verrà allestito il 19 gennaio 1853. 

Malgrado l’atmosfera complessivamente tetra e cupa, per taluni aspetti addirittura macabra – con tutti quei morti avvelenati, decapitati e bruciati, sfuggiti non si sa come alle maglie della censura pontificia, peraltro intervenuta su altri aspetti relativi al libretto – l’opera ebbe un successo entusiastico.

Gli impresari parigini si interessarono immediatamente a quest’ultimo lavoro, ancora oggi considerato tra le massime creazioni del genio verdiano: trattative e accordi si intrecciarono e infine Il trovatore venne allestito al Théâtre Italien di Parigi il 23 dicembre 1854.

Era caratteristico, a Parigi, lo stile cosiddetto del "Grand-opéra": (21) nel 1857, Il trovatore verrà rappresentato al teatro dell’Opéra e, proprio per obbedire ai canoni del genere in voga nella capitale francese, Verdi vi inserirà quattro azioni coreografiche. 

A Roma, all’epoca in cui si svolgevano le prove del Trovatore e mentre Verdi si dedicava all’allestimento della partitura orchestrale, il musicista lavorò alacremente a una nuova opera: commissionatagli dal teatro La Fenice, sarà La traviata, il dramma di Dumas, alla cui rappresentazione, come si è detto, Verdi aveva assistito in occasione di un precedente soggiorno parigino. (22)

Ancora una volta Verdi dovette affrontare le obiezioni della censura. L’ostacolo fu però in questa occasione superato abbastanza agevolmente ambientando l’azione teatrale nel Settecento e cambiando nome ai personaggi originari.

Un’altra preoccupazione angustiava tuttavia il compositore: quella riguardante la compagnia di canto ingaggiata dalla direzione del teatro veneziano. A questo proposito, Piave scrisse al presidente della Fenice riferendogli quanto Verdi stesso gli aveva dichiarato: 

Frattanto, alcuni amici del musicista, Antonio Somma, Cesare Vigna e Antonio Gallo, gestore di un altro teatro veneziano, il San Benedetto, convinti della eccellente qualità di Traviata e del fatto che l’insuccesso fosse da attribuirsi solamente all’apporto negativo fornito dai cantanti, progettarono di rimettere in scena l’opera: la riproposero, infatti, con cinque pezzi nuovi, "alcuni trasporti di tono, e qualche puntatura" (25) e ovviamente con una compagnia di canto del tutto inedita La nuova rappresentazione, che ebbe luogo il 6 maggio 1854, ricevette ampi consensi. La "Gazzetta ufficiale di Venezia" dell’8 maggio riportava:

In Rigoletto, la figura del padre-baritono, più volte magistralmente delineata nelle opere precedenti, si presenta con caratteri ancor più drammaticamente approfonditi: alle tenerezze e ai sentimenti di ansia e  di preoccupazione presenti nell'immagine che Verdi offre della figura paterna, si assommano, nel buffone deforme (e la musica ne dà efficace espressione), altri sentimenti contrastanti e per alcuni aspetti inquietanti e contraddittori. Nell'opera, si precisa anche, con il tema della «maledizione», quello del «fatalismo», dell'ineluttabilità del destino. L'affresco complessivo, poi, che Verdi propone della Corte del Duca di Mantova con le sue dissolutezze, le sue prepotenze, le sue superficialità, pare avere come preciso riferimento le piccole, provinciali Corti che agivano, ai tempi del musicista, nei piccoli staterelli a dominio assolutistico nei quali l'Italia era smembrata.

Con Il trovatore è in primo piano il grande amore romantico, cioè tra «le due voci» (tenore e baritono) che caratterizzano due personaggi maschili, che rivaleggiano per conquistare l'amore di una donna (un altro tema ricorrente nella produzione artistica verdiana, ma anche proprio di un filone esaltato dal Romanticismo), che, quale elemento aggiuntivo in senso tragico, si scoprono fratelli. Ma di altrettanto rilievo, nell'opera, è la figura della madre, drammaticamente lacerata dagli avvenimenti crudeli e raccapriccianti che l'hanno vista, e la vedono, protagonista assoluta della terribile vicenda.

Verdi compie una vera e propria «rivoluzione» teatrale con La traviata: il realismo e la contemporaneità del soggetto trattato (un «fatto di cronaca», avvenuto all'epoca dei soggiorni parigini di Verdi), e l'esaltazione dei più intimi sentimenti, segnano indelebilmente la narrazione degli avvenimenti della vita di Violetta. 

Si tratta del personaggio femminile che  il musicista ha saputo ritrarre, con la musica, e con grande affetto, in tutta la sua estrema fragilità, nonché del suo profondo e totale coinvolgimento nell'esperienza amorosa, nelle gioie e nei sacrifici di un sentimento che, nella vita di Violetta, risulta certamente totalizzante.